En este espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega: Dark Matter de Pearl Jam.

“Regresar a los básicos” es una expresión común en el panorama musical y generalmente se usa para hablar de una banda/artista que aparentemente perdió el rumbo sonoro y ahora elije apegarse a su esencia de origen para retomar el camino.

Pero entonces están estos proyectos que superan los 20, 30 años de historia y tienen que decidir si anclarse al sonido que los llevó hasta ahí o buscar una renovación total.

Están ejemplos como los Stones, que llevan prácticamente tres décadas tocando el mismo set en sus shows para centrar el foco de la experiencia en la espectacularidad de sus conciertos; y por otro lado estuvo Bowie, que hasta el último día de su vida buscó la innovación aunque eso significó perder adeptos y la atención mediática de las masas.

En medio está Pearl Jam, que en realidad nunca perdió la brújula -siempre han sido una banda consistente de guitarras y reflexiones sobre la vida cotidiana- pero que en los últimos años parecía buscar la accesibilidad a través de hacer su sonido más ligero y básico… Casi cliché.

Ahora estrenan DARK MATTER, su primer material en casi cuatro años que, si tuviéramos que sintetizar de alguna manera, suena como si los miembros de Pearl Jam -a sus actuales 50 y tantos años y los cuestionamientos que de eso emana- regresaran en el tiempo y decidieran re hacer Vitalogy o Ten.

Por lo que, de cierto modo, Dark Matter es ese gran disco de Pearl Jam que llega 30 años después… Pero no tarde.

Con un Eddie Vedder preguntándose si todos los mensajes que impulsó y propuso valieron la pena y tuvieron sentido, es importante remarcar que no es precisamente un álbum feliz ni optimista.

Al contrario: en muchos sentidos, la banda se siente rebasada por un tiempo que no perdona y ante el cual solo pueden defenderse a través de lo único que saben hacer bien: Grunge.

Y eso le da cuerpo a tracks que podrían ser familiares de las mejores obras de Pearl Jam. La virtud está en que no se siente como una obsesión con él pasado impulsado por la nostalgia, sino como la cúspide de un proceso de madurez que solo dan los años.

Seguramente Dark Matter no atraerá nuevos adeptos a la banda pero sí es un escalón necesario para los fans que han crecido con ellos y que también empiezan a cuestionarse si todo lo que han hecho ha valido la pena; pero sobre todo: ¿qué harán a partir de ahora?

Fotos por Alejandra Álvarez.

Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Cxsinensis.

Hay proyectos musicales que inician por la simple necesidad de no seguir las líneas preestablecidas, y no es para nada malo. De hecho, es un tema complicado, porque en estas circunstancias, el roce con lo pretencioso y confuso puede ser muy fácil, pero hay ocasiones donde todo se siente natural y exquisito.

Al menos en el caso que presentamos hoy, resulta más que natural, pues parece que el propio artista nació para esto. Rubén Naranjo, un artista multidisciplinario tapatío, comenzó hace poco un proyecto titulado Cxsinensis, el cual es una amalgama de distintas expresiones artísticas como el teatro, la danza y la literatura plasmadas en música que poco se apega a géneros específicos.

Perfecto balance

Cxsinensis logra crear una narrativa más allá de lo sonoro, dando rienda suelta a su imaginación, y la de sus escuchas, creando combinaciones de la música con diseños actorales, danza, iluminación y escenografía que complemetan su música.

Durante su corta pero prolífica carrera, Cxsinensis ha estrenado un total de dos discos de estudio, El Imaginario Mundo de Cxsinensis (2022) y Tratado Universal de Color (2023). En ambos trabajos presenta una temática propia, pero cargada de su propio sentido y contexto.

Su disco debut, El Imaginario Mundo de Cxsinensis (2022) se sustenta principalmente en la experimentación sonora, remezclando y siendo creativo con bases de hip hop, R&B y electrónica, con letras llenas de recursos literarios y cargados de poesía. Por otra parte, Tratado Universal de Color (2023) se define como un disco conceptual donde los protagonistas de la historia van descubriendo el color, la creatividad y la felicidad, revolucionando su propio mundo.

Teatralidad y baile

Cxsinensis es algo conocido en la escena emergente de Guadalajara, y no es para menos. Desde hace ya años, y luego de regresar de una estancia en Canadá donde se llenó más de cultura, ha tenido un par de shows presentando su faceta más cruda pero pulcra a la vez.

El 31 de agosto Cxsinensis presentó una performance en el Conjunto Santander de Guadalajara, donde tocó su disco Tratado Universal de Color (2023), resultando una de los shows más llamativos, sorpresivos y propositivos que se han visto en la ciudad en los últimos tiempos.

El show contó con todo un concepto que se completó del concepto del disco, además de un sinfín de bailarines, vestuario adepto y colores que iban escalando conforme la historia crecía. El video, de una de las canciones allí interpretadas, se puede ver a continuación.

Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel. En la entrega del día de hoy: † (Cross) de Justice.

La música electrónica de principios del siglo XXI fue el inicio de un revival musical que hasta la fecha seguimos experimentando, en especial le época del denominado new rave, que fue una etapa en donde la música electrónica europea y norteamericana tuvo una influencia significativa en los jóvenes escuchas y entre toda esa ferviente circulación de música moderna, se encontraba el disco debut de un nuevo dueto francés integrado por Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, llamados simplemente Justice.

Los nuevos Daft Punk

El primer álbum de Justice tenía una actitud electrizante y poderosa, sonaba a la vanguardia del nuevo siglo, pero bebía mucho de sus padres musicales: Daft Punk, las comparaciones fueron inmediatas y pese a que el disco pudo quedarse en algo anecdótico por esa marcada influencia y que corría el riesgo de no trascender y quedarse simplemente en una copia más sin pena ni gloria, pero pasó todo lo contrario.

El disco explotó de una manera que quizás nadie se esperaba, parecía que el siglo XXI estaba esperando por más música como la de Daft Punk combinada con otros ciertos estilos diferentes para la pista de baile.  Esa explosión le ha permitido a Justice seguir sacando música y seguir con una carrera vigente por ya casi 18 años y contando.

Distorsiones y arpegios 

El sonido de † (Cross) es un sonido dominado y patentado por los franceses y que perfeccionó Daft Punk llevándolo al mainstream mundial. Y aunque el sonido ya estaba establecido, el disco es una maravilla, es una obra esplendorosamente sónica llena de distorsiones y arpegios y arreglos digitales de locura con un corazón y un espíritu análogo que lo empujan al límite.

Justice son famosos por su el uso de cientos de sampleos retorcidos, filtrados, invertidos y triturados de otros artistas, nada nuevo bajo la manga o nada de que estemos descubriendo, pero una fórmula que siempre ha dado frutos positivos en la historia de la música electrónica. El caso más famoso quizás para los melómanos audaces fue escuchar el sampleo de “Jocko Homo” de DEVO en la potentísima “Stress”, una de las mejores canciones en la discografía de los franceses hasta la fecha.

El sonido Ed Banger

† (Cross) exprime hasta la última gota del equipo utilizado para producirlo y eso en gran parte se debió a la disquera Ed Banger Records, la cual fue fundada por Petro Winter alias Busy P, quien era el manager de Daft Punk durante las giras del Alive, y evidentemente con esa experiencia, conocía la fórmula para intentar despegar una disquera y seguir otra fórmula emocionante y llena de éxitos.

Un collage dance sofisticado

A la distancia y en retrospectiva, miramos a este álbum debut como algo minimalista, funky, ruidoso, divertido, dance, arriesgado, distintivo, sofisticado y pop. Un collage lleno de elementos que le garantizaban al menos sobrevivir en aquellos años que bien podemos redefinir como una odisea divinamente eléctrica de la música disco y el french-house, diseñada con influencias a tope de glam rock o del rock clásico. Al menos esa era la imagen del dueto también como usar decenas de amplificadores Marshall en sus shows en vivo para sonar más sucios y más cercanos a un show de rock and roll.

D.A.N.C.E.

Justice, además apostó por todo, y obviamente tenía la intención de elevar la música de baile a una escala más alta y para ello crearon el clásico instantáneo “D.A.N.C.E.”, con el cual Gaspar y Xavier se establecieron como las nuevas estrellas de la música electrónica en Francia.

No podemos negar en pleno 2024 que Justice tiene creatividad y que poco a poco han ido encontrando un sonido distintivo, en donde la música con el paso del tiempo, ilumina un poco el panorama para las siguientes generaciones de productores. Su disco debut sigue siendo redescubierto y se ha consolidado como uno de los mejores en lo que llevamos del nuevo siglo.