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Cortes Selectos

A 77 años de David Bowie, una retrospectiva sobre su repertorio: Heroes

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Estamos en la semana David Bowie: el ciclo de días en los que conmemoramos su nacimiento y su muerte; es por eso que en WARP queremos celebrar el legado de uno de los artistas más importantes de la historia contemporánea a través de la exploración de algunos de los puntos claves de su discografía, en el afán no solo de revalorar su figura; sino también de acercarlo a nuevos ojos y oídos. En la entrega de hoy: Heroes, de 1977

En 1977 fue lanzado “Heroes”, el duodécimo álbum del músico y compositor británico David Bowie, a través de RCA Records. Es la segunda entrega de su ‘Berlin Trilogy’ junto a Brian Eno, siendo dicho álbum el único que fue íntegramente grabado en aquella ciudad, ya que los demás discos componentes de la trilogía tuvieron que ser en parte trabajados fuera de territorio alemán, (Low que fue hecho en Francia y Lodger que fue grabado en Suiza y Nueva York).

Muy pocas obras artísticas son capaces de trascender la dura prueba del tiempo y de lograr mantenerse vigentes a pesar de sus años de existencia. “Heroes”, de David Bowie después de 47 años de vida, es una completa celebración que se mantiene vigente y un trabajo que nos ha acompañado en diferentes escenarios de nuestro día a día y que tiene en su haber diversos datos curiosos que vale la pena recordar.

El ADN alemán del álbum Heroes. Previo a la realización del álbum, David Bowie se trasladó a Berlín para darle un poco de orden a su vida, luego de sus años intensos vividos en Los Ángeles. En contexto, Bowie estuvo viviendo en esa ciudad entre los años 1976 y 1978 en el 155 de Hauptstrasse. 

Grabado en el mítico Hansa Tonstudio ubicado en el número 38 de Köthener Straße, en el distrito berlinés de Kreuzberg en lo que entonces era Berlín del Oeste, “Heroes”, reflejó el Zeitgeist (espíritu) de la época de la Guerra Fría, simbolizado por la ciudad dividida. 

El histórico estudio de grabación activo desde 1974, estaba en ese entonces a unas 500 yardas (460 metros) del Muro de Berlín, es por eso que también es conocido como  “Hansa Studio by the Wall” o “Hansa by the Wall”.

El impacto del álbum desde su creación, hasta la actualidad. El álbum en un principio no fue comercialmente exitoso, se mantuvo tercero en los ránkings de Reino Unido y Países Bajos, nada despreciable, sin embargo “Heroes”, la canción principal del disco, solo logró el lugar 24 en los ránking de Reino Unido y no llegó a los top 100 en Estados Unidos.

El pasar de los años le ha dado la razón a Bowie y a su álbum, que hoy en día es considerado por los críticos como uno de los mejores del artista, en parte gracias a la contribución del guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, quién voló desde Estados Unidos y grabó sus partes en tan solo un día.

Por otro lado, hubo parcialidad de la crítica que si lo recibió de buena manera ya que fue nombrado el ‘Álbum del año’ por NME, posteriormente el disco formaría parte del libro “1001 Albums You Must Hear Before You Die”, publicado por primera vez en el 2005. Cabe destacar, que el álbum fue lanzado en Alemania con la canción principal titulada “Héroes” a “Helden”  y cuenta con partes de la letra en alemán.

Peculiaridades del sonido del álbum. Junto con las voces, coros y producción del álbum, David Bowie grabó dicho material con cinco instrumentos: piano/teclado, saxofón, guitarra, tamborín, y Koto, un instrumento japonés de cuerdas que usó para “Moss Garden” la octava canción del disco. Por otro lado, “Sense of doubt” la séptima canción que conforma el álbum, fue hecha casi completamente a través de las Oblique Strategy Cards de Brian Eno, dichas cartas están diseñadas para estimular el pensamiento lateral y para restringir al compositor.

Para la grabación de “Heroes” se utilizaron tres micrófonos, los cuales estaban estratégicamente posicionados de tal forma que Bowie tenía que cantar cada vez más fuerte a medida que avanzaba la canción. Por otro lado, en la sexta canción “V-2 Schneider”, Bowie accidentalmente tocó una nota errada en su saxo, pero le gustó tanto que la dejaron. Hasta para equivocarse hay que tener gracia y talento.

En un principio, la cuarta canción del disco “Sons of the silent age” fue la única pieza escrita antes de que se comenzara a trabajar en el álbum. De hecho fue el nombre provisional del disco hasta que lo bautizaron “Heroes”,  de ahí en más todas las canciones fueron improvisadas en el estudio. Finalmente el 30% de las canciones del álbum son instrumentales.

La inspiración detrás de la canción homónima al álbum. “Heroes” es una canción sumamente especial ya que guarda una historia de amor y valentía de una pareja en el Muro de Berlín, que tiempo después se sabría de quiénes se trataba exactamente.

Bowie en aquel entonces encontrándose en medio de un proceso creativo para lanzar el disco, observó una imagen que le inspiró para componer esta canción, y así narrar una historia real que él mismo apreció. Dicha imagen de inspiración consiste en unos jóvenes amantes que Bowie solía observar a través de una ventana del Hansa Tonstudio, besándose a través del muro de Berlín, burlando el sistema de vigilancia. Dicha pareja estaba conformada por Tony Visconti, su productor y mano derecha, y la cantante alemana Antonia Maass. Antes de todo esto, la pieza ya contaba con una realización instrumental pero carecía de letra, de esos fuertes versos como, “Standing by the wall, the guns shot above our heads, and we kissed as though nothing could fall”.

Una canción que posteriormente se convertiría en el himno de la unificación de las dos Alemanias, y que al pasar de los años también ha sido fuente de inspiración de muchas personas.

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Sonidos del Futuro: Fin del Mundo, un desolado caos de post rock

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Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música.

En los confines más lejanos de la Patagonia argentina, un cuarteto de chicas se juntó con la finalidad de hacer converger sus emociones en el caos, la melancolía y la desolación del fin del mundo, tomando su nombre de allí mismo.

Fin del Mundo es un proyecto conformado por Julieta Heredia, Julieta Limia, Lucía Masnatta y Yanina Silva formada en 2019 en Buenos Aires, aunque con raíces muy marcadas en la Patagonia, precisamente en las localidades de Tierra del Fuego y Chubut.

Todo va hacia el mar, y viene de él

La música de Fin del Mundo es lo que su nombre nos dice; nos transporta a aquellas regiones del mundo donde éste se “termina” de forma territorial, aunque bien podría tratarse una metáfora de la melancolía y desolación que esto significa. Y es justamente el post-rock el género ideal para esta premisa.

Bajo este género, las cuatro chicas crean espacios instrumentales llenos de sentimiento, y claro, un ordenado pero palpable caos. Las atmósferas son marcadas y firmes, creando experiencias sonoras que no necesariamente se tratan solo de guitarras y bajos, sino también de todo lo que resuene en la cabeza de cada escucha.

Justamente de eso va su disco debut, Todo Va Hacia el Mar (2023), lanzado de manera completamente independiente y que cuenta con ocho tracks donde esta idea de ver hacia el fin del mundo se maneja de manera caótica y nostálgica. Canciones perfectas para mirar al vacío y regocijarnos con él.

Un mar que traspasa fronteras

Si bien las chicas llevan poco en activo, han logrado consagrar su proyecto logrando una repercusión internacional. Tal es el caso de su sesión con KEXP, lanzada en octubre de 2022 donde tocan canciones de Todo Va Hacia el Mar (2023) como ‘El Incendio‘, ‘La Noche‘ y ‘Próximo Verano‘.

Durante todo 2024 presentarán su disco debut con presentaciones en vivo, comenzando por una gira por Brasil, además de algunas participaciones en festivales de Argentina, Estados Unidos y España, esperando su próxima parada en México.

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Decibel WARP Presenta: Trans Europe Express de Kraftwerk

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Discos de música electrónica: un culto al pasado, presente y futurismo de los decibeles y frecuencias que han transformado el género.

Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, yendo desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, algunos registros rebeles y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel para dar paso a nuevos descubrimientos de los cuales también hablaremos. En la entrega del día de hoy: uno de los discos más grandes de la historia, el ‘Trans Europe Express’ de Kraftwerk.

Trans Europe Express fue publicado originalmente en mayo de 1997 y se grabó en el estudio discográfico de la banda, el ahora mítico y legendario:  Kling Klang, situado en la ciudad de Düsseldorf, Alemania, un entorno que definió en gran parte, el sonido de la banda y para muchos es considerado el santo grial de la música electrónica del siglo XX.

Un romance perfeccionista

Trans Europe Express es una mezcla extraordinaria de sonidos perfeccionistas, que manejan un romance entre la música clásica, la música de conservatorio, la música electrónica y un toque pop encantador refinado que ofrecían los sintetizadores poco explorados de finales de los 70.

El disco es una declaración futurista como muy pocos han logrado en la historia de la música, no solamente definiendo el sonido de las siguientes décadas, si no que, enterrando el pasado para siempre, sobre todo el de la Alemania post segunda Guerra Mundial.

Lo increíble de Kraftwerk siempre fue esa manera para entregar trabajos conceptuales que definen un tema, época o momento en específico de la historia de la humanidad o del interés per se de la banda por algo que les causaba asombro.  

Los instrumentos del futuro

Kraftwerk no sólo prescindió de la estructura del pasado, sino que también eliminó los instrumentos del pasado y presentó de manera internacional los instrumentos del futuro, enfocándose en interesantes nuevos sonidos originales  creados por ellos mismos tanto como sintetizadores y cajas de ritmo, con los aportes de una alineación que marcó época: Wolfgang Flür y Karl Bartos en las percusiones electrónicas, un Florian Schneider en su sintetizador operando el votrax y el vocoder, y el gran Ralf Hütter, hasta ahora único miembro original que forma parte de Kraftwerk en la actualidad, ocupándose también del sintetizador, secuenciador, vocoder, las letras y temática, voz  y siendo el productor total.

Expreso Trans-Europeo

“Europe Endless” abre el disco con un patrón de sintetizador que con el tiempo se convirtió en un clásico de la banda, una secuencia hipnotizante, bella y cálida, transformándose y evolucionando en el inconsciente del universo, que con el paso de los años fue replicada pero jamás igualada gracias a su marca, sello, estilo y viaje sonoro perfecto radial y a la vez infinito.

Mientras que “The Hall of Mirrors” es la contraparte total, una canción que despierta la parte oscura de Kraftwerk, como sacada de un poema de algunos de los libros distópicos más interesantes del siglo pasado, un tema en el que Kraftwerk siempre fue a fondo, y en parte como una carta que colocan sobre la mesa dejando claro que el mundo es, también, esa dualidad, dejando abiertas las puertas para que músicos o artistas mostraran sus repletos, como en este caso, Siouxie And The Banshees, quienes tiene un cover espectacular de esa canción y que es poco conocida y que bien vale la pena descubrir y destapar.

Después de la parte cálida y la parte siniestra llega la parte humorística y sarcástica de Kraftwerk, burlándose de ellos mismos quizás, con esa icónica frase de “We are standing here, exposing ourselves” de la fantástica “Showroom Dummies”, en donde se plantea la historia de los muñecos de boutique que cobran vida y se van de fiesta a bailar a una discoteca, algo que definitivamente no era del estilo de Kraftwerk pero que sucedía e finales de los 70s con la música disco en algunas de las ciudades más grandes del mundo.

El impacto de un sencillo trascendental 

Por supuesto que la parte más icónica del disco y la canción que mayor impacto tuvo para el desarrollo de la historia de la música electrónica fue la gloriosa “Trans Europe Express”, tan gigantesca y poderosa como su sonido propio, un himno a los enormes trenes en los que los jóvenes europeos exploraron su continente viajando en el imponente expreso transeuropeo.

El ritmo evoca el sonido de las ruedas sobre la pista principal, tan antiguo pero funcional como las primeras locomotoras de Richard Trevithick en el siglo XVIII y al mismo tiempo tan futurista como el próximo lanzamiento de Space X de Elon Musk en pleno 2024 o 2030. Así de grande es el legado que abarca y sigue abarcando Kraftwerk.

La letra es en parte un diario que relata el viaje de la banda a manera de contar su encuentro en Alemania con dos de sus artistas favoritos de la época, Iggy Pop y David Bowie y que realmente así sucedió, e incluso la leyenda sigue alimentando ese rumor en que alguna vez Bowie y Kraftwerk platicaron sobre hacer algo juntos o que al menos Bowie puso el tema sobre la mesa, pero que jamás sucedió ni llegó a concretarse a pesar de la admiración mutua.

Influencia cultural 

Y aunque eso no sucedió, “Trans Europe Express” despertó otro movimiento cultural fuera de Europa, pues en 1982 la legendaria Afrika Bambaataa And The The Soulsonic Force revolucionaron la música electrónica y dejaron las bases sentadas del electro y el hip hop con la canción “Planet Rock” que sampleaba los sintetizadores épicos de “Trans Europe Express”, volviéndola quizás, en la apropiación cultural más importante que la cultura afroamericana tomó de los hombres blancos europeos. Y así, posteriormente llegarían el house y el techno, teniendo siempre a Kraftwerk como una inspiración.

Escuela  Académica: de Schubert a Stockhausen

La fusión de “Trans Europe Express” con “Metal on Metal” es brillante, una sección más instrumental que incorpora esta parte de maquinaria perfecta pensada para la ejecución y el arte que tiene el disco para finalmente llegar a su fin con el tema “Franz Schubert”, un homenaje evidente al gran compositor austriaco y padre fundamental del romanticismo musical clásico en el que Kraftwerk siempre sentó sus bases junto con la parte experimental de otro grande maestro, Karlheinz Stockhausen. Su obra maestra termina con un loop en “Endless Endless”, 55 segundos en donde sientes que flotas y que el viaje ha sido reconfortante, que llegaste bien a tu destino.

El legado y la Revolución Electrónica en la cultura Pop

Al día de hoy el legado de Kraftwerk en general está a la altura de los más influyentes y los más grandes y en la misma línea que The Beatles en cuanto a impactar y transformar por completo la cultura pop, lo que The Beatles hizo por el rock, Kraftwerk por la electrónica.

Siempre estuvieron destinados a la grandeza entregando trabajos sofisticados, y dejando siendo pioneros en lo que hoy conocemos como música electrónica, porque su influencia siempre estará ahí, atravesando la new wave, el post punk, el synth pop, el electro, el hip hop, el house, el techno, la IDM y claro, la EDM, un género que genera millones y millones de dólares al año, siendo el género más explotado y el más demandante gracias a festivales como el Tomorrowland, y aunque esa música este a años luz de la sofisticación kraftweriana, los alemanes siguen siendo padrinos involuntarios por donde sea que se le vea.

Sin Kraftwerk todos esos géneros no hubieran sido lo mismo y el trabajo de artistas como Juan Atkins, New Order, Kevin Saunderson, Depeche Mode, OMD, Daniel Miller, Aphex Twin, Derrick May, Daft Punk, The Human League, Pet Shop Boys, LFO, AIR, Orbital, DJ Hell, The Chemical Brothers y sellos como Metroplex, KMS, International DeeJay Gigolo o M-Plant entre muchos otros, probablemente no hubieran tenido un motor de arranque para ellos a su manera también, sumar nuevos sonidos a la cultura de la música electrónica.

Honor a quien honor merece, larga vida al Trans Europe Express de Kraftwerk que permanece en el olimpo musical como una placa inalcanzable.

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Cine y Series

Oscar 2024: Perfect Days y la belleza de lo cotidiano

Perfect Days es la primera película de ficción de Wim Weders en obtener una nominación en los Premios de la Academia.

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Wim Wenders es una leyenda viviente, un cineasta que surgió en la ola del nuevo cine alemán en los años setenta. Y desde entonces a pesar de haber trabajado tanto en Europa como en América, ha logrado mantenerse alejado de la influencia de los grandes estudios. Manteniendo un estilo visual y filosófico. Realizando obras maestras del cine como Der Himmel über Berlin (Las alas del deseo, 1987), Paris, Texas (1984) y In Weiter Ferne, So Nah! (¡Tan lejos, tan cerca!, 1993). 

Las películas de Wenders se han mantenido alejadas de los reflectores de Hollywood, pero en las últimas dos décadas sus documentales Buena Vista Social Club (1999), Pina (2011) y The Salt of the Earth (2014) han recibido el reconocimiento de la Academia. Al recibir la nominación a mejor documental, convirtiéndolas de alguna forma en sus obras más comerciales. 

Es satisfactorio y nos llama la atención que por fin una de sus obras de ficción es reconocida por el Oscar. Convirtiendo a Perfect Days en la primera película no documental del realizador nominada al Óscar. En este caso en la categoría de mejor película internacional, representando a Japón. 

¿De qué trata? 

El filme sigue a Hirayama (Koki Yakusho) un hombre que viaja por la ciudad de Tokio en su auto compacto limpiando baños. El protagonista sigue una férrea rutina que lo lleva por las calles de la ciudad.  

En sus tiempos libres disfruta de la fotografía, la jardinería, un par de restaurantes de los que es cliente y los paseos en bicicleta. Además de tener una amplia colección de libros de segunda mano y cassettes de música. Que incluyen a artistas como The Animals, The Velvet Underground, Patti Smith, Lou Reed y Van Morrison. Pero en general suele llevar una vida solitaria y silenciosa. 

Su rutina de vez en cuando se verá interrumpida por algunos personajes como su indisciplinado compañero de trabajo Takashi (Tokio Emoto) y su sobrina adolescente Niko (Arisa Nakano).

Tradicionalmente América y Europa han sido los lugares en los que Wenders ha explorado sus inquietudes filosóficas, culturales y musicales. Con un estilo Intimista y contemplativo. 

Ahora en Asía, Wenders traslada este estilo de manera perfecta con una película que por momentos parece muda. Hirayama es un hombre reservado y callado. Su compañero de trabajo Takashi en tono de broma en algún momento dirá “he trabajado con él durante años y no conozco su voz”. 

La vida cuasi ermitaña del protagonista es una elección, para extrañeza de sus conocidos. Pero no resulta triste o vacía.

Belleza y reflexión

Después de una serie de cortos documentales que el realizador tenia que realizar sobre los baños públicos de Tokio, Wim Wenders se sintió inspirado para realizar este largometraje. Realizando una des sus mejores filmes de los últimos tiempos. Convirtiendo estás facilidades en un pretexto para mostrar con sencillez la ciudad y hacer una reflexión sobre la soledad, desde un punto de vista optimista. Con momentos conmovedores, comedia incidental y nostalgia.

El actor Koki Yakusho con una gran actuación lleva la historia en la que a veces pareciera que no pasa nada. Pero el cineasta nos muestra aspectos muy interesantes de la vida en Tokio y la naturaleza humana. Como trabajador de la ciudad Hirayama es tratado de diferentes formas por la gente y a veces pareciera que es invisible. Pero sus roses con la gente están llenas de respeto y empatía.

La americanización de Europa durante mucho tiempo fue uno de los temas del cineasta y aquí la vemos llevada a otro rincón del mundo. Aunque Hirayama se resiste en muchos aspectos a la vida moderna, no es indiferente a la cultura norteamericana. Gracias a su colección de cassettes. Escuchando The House of the Rising Sun, Pale Blue Eyes, Redondo Beach y Perfect Days mientras viaja en su auto. 

Otro detalle interesante es la arquitectura y el diseño de los baños públicos en la ciudad. Que contrastan con su tecnología y diseño con los baños públicos tradicionales a los que acude Hirayama en su tiempo libre.

Perfect Days es una muestra más del estilo y maestría de Wim Wenders, que no encuentra cabida para todo el público. Pero es una gran obra llena de belleza, dignidad y reflexión.

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