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Imágenes y Ruidos: La resonancia de la música mexicana en las salas de cine

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Imágenes y ruido

Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: destacamos diversas participaciones de músicos mexicanos musicalizando en el cine tanto internacional y nacional.

El trabajo musical de toda producción cinematográfica juega un papel sumamente importante y profundo, la música enlaza secuencias de escenas que nos ayudan a comprender e interpretar cómo se puede sentir un personaje en un momento determinado o reconocer un momento de suspenso, terror o romance, entre otras emociones, estableciendo un vínculo narrativo entre las imágenes y el ruido.

En la década de los sesenta, en México había prevalecido una forma de hacer cine. La triple condición de producción industrial en el país se basó en tres elementos que provenían del Hollywood clásico: Studio system, star system y cine de género. Sin embargo, la fórmula fue asimilada de acuerdo al contexto mexicano de aquella época, con una ideología orientada principalmente hacia el nacionalismo producido por el régimen posrevolucionario. Así se construyó un complejo industrial que llegó a alcanzar el liderazgo de la cinematografía a nivel Latinoamérica durante los años cuarenta.

Desde entonces el cine mexicano ha celebrado en incontables ocasiones sus propias tradiciones, músicos y compositores que producían canciones enfocadas a un imaginario basado en la cultura popular. Pedro Infante fue quizá el máximo exponente de la música popular y quedó inmortalizado en distintas producciones.

La música regional mexicana es un elemento esencial de la cultura y tradición de México. Este género ha sido integrado en numerosas películas, añadiendo un toque auténtico y local a las historias que se cuentan en la pantalla grande, tal es el cado que podemos citar muchos casos que han logrado una perfecta fusión entre la música regional mexicana y el cine, mejorando la experiencia del espectador.

Coco (2017) – Lee Unkrich y Adrian Molina

Coco es una película animada de Disney-Pixar y su banda sonora está profundamente influenciada por la música regional mexicana. La producción celebra la tradición del Día de Muertos en México, incluyendo canciones originales y tradicionales, como “La Llorona” y “Un Poco Loco”. De este modo la música en “Coco” es una parte esencial de la narrativa y contribuye a crear una atmósfera auténtica y emotiva. Además, la banda sonora incluye interpretaciones de artistas reconocidos como Natalia Lafourcade, Marco Antonio Solís y el Mariachi Divas, quienes le dan vida a las canciones y enriquecen la experiencia cinematográfica.

Amores Perros (2000) – Alejandro González Iñárritu

Esta película dirigida por Alejandro González Iñárritu, sin duda marco un antes y un después en el cine mexicano contemporáneo, provocando además una gran resonancia a nivel internacional. Por supuesto que se destaca por su poderoso soundtrack de música regional mexicana, con artistas como Los Tucanes de Tijuana, Control Machete y El General, la banda sonora acompaña a la perfección el tono crudo y realista de la película, sumergiendo al espectador en el ambiente urbano y caótico de la Ciudad de México.

Y tu mamá también (2001) – Alfonso Cuarón

La gran road movie dirigida por Alfonso Cuarón, agrega a la música regional mexicana como un ingrediente clave, juegando un papel fundamental en la trama. Con temas de Chavela Vargas, Celso Piña y Los Alegres de Terán, la banda sonora enriquece la atmósfera de la película y proporciona un elemento de autenticidad y sabor local.

El Infierno (2010) – Luis Estrada

Una de las películas que mayor impacto ha tenido desde su lanzamiento, aborda el tema del narcotráfico en México, y por supuesto cuenta con un soundtrack de música regional mexicana que incluye temas de artistas como Los Tucanes de Tijuana, Banda El Recodo y Jenni Rivera. La banda sonora de “El Infierno” acompaña a la perfección la historia de violencia, corrupción y desesperanza, a la vez que refuerza la identidad cultural de los personajes.

No podemos dejar de mencionar a diversos compositores especializados en bandas sonoras, como Leoncio “Bon” Lara, en donde se destacan grandes obras y participaciones como en Don Gato y su pandilla (2011), Rudo y Cursi (2008), y Las Leyendas, la franquicia de animación tradicional conformada por siete películas. Además, se desempeñó como director musical de los Festejos del Bicentenario México 2010, un músico ecléctico que ha participado y dejado su huella en el quehacer de la música nacional.

La música regional mexicana es un componente crucial de la cultura mexicana, y su presencia en la pantalla grande ha dejado una huella inolvidable. Existen una gran cantidad de películas nacionales e internacionales que destacan por lograr una perfecta fusión entre la música y la narrativa, creando experiencias cinematográficas ricas en cultura y tradición. La música regional mexicana sin duda seguirá siendo una fuente de inspiración para futuras películas y continuará enriqueciendo la experiencia del espectador.

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Toda la información sobre La Lógica del Escorpión, el nuevo disco de Charly García

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La leyenda viva del rock latinoamericano, Charly García, está próximo lanzar un disco este 2024. Esto se sabía desde finales del año pasado, pero no había más información hasta el momento.

Ahora, se sabe, a través de Sonic Music, la disquera que traerá el disco de García, que el trabajo llevará el nombre de La Lógica del Escorpión. Este material será el regreso marcado de Charly después de Random (2017). El álbum contará con participaciones de Rosario Ortega, Fabián Quintero, Hilda Lizarazu.

Durante 2023, el productor, José Palazzo compartió fotos desde un estudio de grabación junto a Charli García, donde añadió “viví un hecho histórico, Charly dejó todo listo su nuevo disco, todo terminado”.

La Lógica del Escorpión será, según Rolling Stone, contará con reversiones de clásicos del rock en inglés, pero traducidos al español, además de revisitaciones de canciones viejos del mismo Charly y uno que otro track inédito de hace algunos años.

Aún no se sabe exactamente qué día saldrá en su totalidad La Lógica del Escorpión.

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Kendrick Lamar responde a Drake en el diss track ‘euphoria’

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El ícono de Compton, Kendrick Lamar, lanzó por fin su respuesta a los diss tracks realizados por Drake contra él hace un par de días. La canción si titulada ‘euphoria‘ y califica al rapero canadiense Drake como “mentiroso y manipulador”.

A lo largo de seis minutos, Lamar tira dos frases muy potentes que incriminan directamente a Drake: “Un patético maestro de la manipulación, ahora puedo oler los cuentos en ti. No eres un artista del rap, eres un artista de la estafa con esperanzas de ser aceptado”. La otra frase es “No digas mentiras sobre mí, y no diré verdades sobre ti”.

euphoria‘ no solo se trata de tirarle a Drake, pues Lamar también hace alusión a nuevas y viejas controversias del canadiense, como el uso de IA para generar la voz de Tupac Shakur así como un problema tenido con Pusha T.

Este diss track de Kendrick llega un mes después del video y canción de ‘First Person Shooter‘, una colaboración entre Drake y J. Cole donde se mencionan a estos tres (Drake, Cole y Lamar) como “los tres grandes”, pero Kendrick respondería posteriormente en la canción ‘Like That’ junto a Future y Metro Boomin diciendo “¿tres grandes? Solo hay un gran yo”.

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Reseña de nustro Disco de la Semana:  All Born Screaming de St. Vincent

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En este espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega:  All Born Screaming de St. Vincent

¿Cómo encontrar la belleza dentro del horror? Seguramente, en este momento de la historia, no habrá ser humano que de una u otra manera no se pregunte esto al menos una vez a la semana.

A pesar de todo, el mundo sigue siendo bello; pero cada vez se vuelve más complicado de entender, sobre todo desde sus tragedias y el fatalismo que rodea los titulares de todas las noticias, día tras día.

Para su séptimo álbum de estudio, St. Vincent también se hizo este cuestionamiento y la respuesta es uno de los mejores trabajos de su ya basta discografía.

All Born Screaming es el escaparate para mostrar a la Annie Clark más osada, sabia y segura de sí misma. Este es un disco que rompe los cánones de la propia artista al no centrarse en una sola estética sonora y -por el contrario- revisitar todas sus facetas musicales previas para refinarlas y potenciarlas.

Del Rock jovial de Marry Me (2007) a la fuerza sintética de su álbum homónimo, del maximalismo instrumental de Love The Giant (2012) a la contención melancólica de MASSEDUCTION (2017). Todos sus universos conviven en una sola temporalidad para enmarcar su reflexión optimista sobre el fin del mundo, la toxicidad del amor y la muerte de los seres queridos.

Y no es que esas obras previas fueran malas; pero es como si ahora St. Vincent supera que la virtud no está en cuántas veces utilices los recursos sino en el cuándo y el cómo los emplees.

En esa eclecticidad sonora, resulta curioso que el hilo conductor sea un adjetivo que parece antagonizar al caos: la elegancia. Porque aún con todo ese arsenal de ritmos y melodías, Annie Clark recurre a la delicadeza para poner todo en su justo lugar. 

Cómo un poema que tiene mucho por decir pero se lee sin prisas ni violencia.

Lo mejor es que dentro de esa madurez artística, el alma de St. Vincent se muestra humilde y atenta, a sabiendas que el camino que le queda es un destino sin final que de todos modos hemos de recorrer:

“I’ve got to visit so many planets before I find my own”.

All Burn Screaming le da asilo a la desesperanza para recordarnos que el futuro que nos queda. Y que debemos empezar a habitarlo con la responsabilidad de quien cuida a un ser querido.

Candidato a uno de los mejores discos del año.

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