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Originales

Querido Warp: Daniel Noah Miller

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Te presentamos una sección muy íntima y personal en la que los artistas abren su corazón y sus ideas para escribirnos una carta en torno a sus proyectos más recientes. En esta ocasión, toca el turno de Daniel Noah Miller.

Querido Warp:

Gracias por la oportunidad de escribir. Soy un fan, así que esto es un privilegio. Ha sido un verano largo y estoy agradecido de volver a las pequeñas rutinas de mi práctica diaria. Estoy dando largas caminatas, bebiendo menos café y preparándome para mi primer espectáculo en unas semanas. Mi primera grabación, “Otherway”, salió a principios de septiembre y quería compartir un poco sobre cómo surgió y su importancia para la mía.

“Otherway” fue la primera canción que terminé para el álbum. Marcó la pauta para todo el proyecto y me dio una especie de modelo, un punto de referencia. La grabación me parece como el punto culminante de varias ideas nuevas en las que había estado trabajando en mi música: un enfoque más sutil hacia el canto, un estilo de escritura más melódico, una sensación de improvisación en la composición de partes y un nuevo método de creando textura y ambiente en mis discos. Terminar “Otherway” fue el primer vistazo que tuve de como mi visión de la música cobraba vida después de muchos intentos fallidos. Fue profundamente gratificante.

El detrás de las canciones….

Las canciones de este proyecto se centran en relaciones que tuve y que se estaban desmoronando de diversas maneras, por diversas razones. Amistades, parejas, seres queridos, familiares. Era la primera vez en mi vida que me inclinaba a intentar aceptar esto, a reconocer que algunas personas podrían ser una parte importante de tu pasado sin ser parte de tu futuro. Estas canciones son mi forma de procesar eso, de mantener ambas ideas una al lado de la otra.

Quería encontrar una manera de llevar esa sensación de erosión a la producción misma. En ese momento estaba escuchando mucha música ambiental y meditando sobre “Disintegration Loops” de William Basinki y su alineación cultural con el 11 de septiembre. Comencé este álbum en 2021, 20 años después del ataque, y sentí que a través de la pandemia, las protestas y la presidencia de Trump estábamos llegando a una especie de conclusión lógica de la erosión de la confianza y la comunidad que se puso en acción, cuando ocurrieron los ataques. Fui testigo de esto en mi vida personal, pero también ví cómo se desarrollaba para muchas otras personas a mi alrededor.

La música como eje central

La forma en que busqué recrear esto fue haciendo mis propios bucles de cinta usando cinta de casete. Abrí algunos casetes viejos, empalmé la cinta con una cuchilla de afeitar en intervalos de 4 segundos y volví a muestrear en ellos las grabaciones que estábamos haciendo. Lo que produjo es el primer sonido que escuchas en “Otherway”, que también es la primera canción del álbum. Estos bucles ambientales están presentes en todas las grabaciones del proyecto y se convirtieron en un elemento fundamental en la creación del mundo que sustentaba las canciones. Para mí, encarnan la sensación extraña y retorcida que tienes cuando ves algo familiar transformarse en algo irreconocible.

Y por eso esta canción está aquí ahora como un pequeño monumento a todas estas ideas y sentimientos. Estoy orgulloso del trabajo y agradezco el espacio para hablar sobre ello. La música tiene una capacidad infinita para expresar todas las cosas que no podemos decir de otra manera. Ya comencé a escribir de nuevo y estoy emocionado de verlos la próxima vez que pase por la CDMX.

Un abrazo, D.

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F1

WARPxF1 GP de Mónaco: Ferrari a la alza mientras Red Bull se desploma

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Este domingo se corrió en una de las sedes clásicas del calendario de Fórmula 1, el GP de Mónaco y el resultado favorecedor para Ferrari podría ser un parteaguas para el desarrollo de los Mundiales de Pilotos y Constructores de cara al ecuador de la temporada.

El GP de Mónaco de Fórmula 1 en 2024 presentó dos momentos claramente distintos: la caótica salida y las 77 vueltas posteriores de lo que podría describirse como una procesión, sin mayores incidentes. Charles Leclerc, finalmente, pudo superar su mala racha en su circuito local al lograr su primera victoria en el Principado, junto con su primer puesto en el podio. Con Max Verstappen fuera de los primeros cinco lugares, clasificando en sexto, Leclerc ahora se encuentra más cerca en el campeonato.

Detrás de Leclerc, llegaron Oscar Piastri en segundo lugar y Carlos Sainz en tercero. Sainz intentó adelantar a Piastri en la primera curva, pero un contacto entre ellos dañó el suelo de su Ferrari, dejándolo sin opciones para mantenerse en la pista más tarde.

La carrera parecía estar terminada para Sainz, pero un grave accidente entre Sergio Pérez y los dos coches Haas obligó a la bandera roja después de apenas una vuelta, dejando a los tres coches destrozados en medio de la pista en una sección clave del circuito.

GP de Mónaco

En otro punto de la carrera, Pierre Gasly y Esteban Ocon se tocaron en la entrada al muro, lo que resultó en el abandono de Ocon y una sanción para Gasly, quienes mostraron su frustración mutua por el incidente.

A pesar de los daños sufridos, los comisarios decidieron mantener las posiciones de salida, lo que permitió a Sainz mantener su posición después de los trabajos de reparación en su Ferrari durante la neutralización. La carrera se reanudó después de una larga espera, con todos los pilotos cambiando neumáticos para evitar paradas adicionales.

Leclerc y Piastri mantuvieron el control de la carrera sin problemas, mientras que Sainz mantuvo su posición en tercer lugar, seguido de cerca por Lando Norris. Sin embargo, Lance Stroll sufrió un pinchazo y cayó al final del pelotón después de tocar un muro.

A pesar de un intento de undercut por parte de Mercedes con Lewis Hamilton para superar a Verstappen, el neerlandés pudo mantener su posición y terminar en sexto lugar. Hamilton finalizó en séptimo lugar, con un punto extra por la vuelta más rápida.

El top 10 lo completaron Yuki Tsunoda, Alexander Albon y Pierre Gasly, mientras que Fernando Alonso terminó en undécimo lugar, defendiéndose de Daniel Ricciardo durante gran parte de la carrera y resistiendo con neumáticos medios, al igual que Gasly y Russell.

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Cortes Selectos

WARP Presenta Entrevista con Apocalyptica: cerrando un círculo místico con Metallica

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Esta es una entrevista cargada de sentimiento, memorias y perseverancia. Han pasado más de 30 años desde que Apocalyptica se formó y como toda nueva banda tenían un sueño y una banda a quien miraban como referente. Tocar covers de Metallica los puso en el mapa mundial y hoy ese círculo se cierra de manera increíble, logrando que James Hetfield, Rob Trujillo y Cliff Burton (en espíritu) colaboren en su nuevo álbum ‘Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2’.

Apocalyptica nunca ha traicionado su espíritu y mejor aún, han innovado con los años, añadiendo baterías, cantantes e incluso guitarras para seguir desarrollando un sonido cuando sea necesario y llenando sus composiciones al siguiente nivel.

Actualmente siguen siendo un referente del metal global, y siguen celebrando grandes shows alrededor del mundo con una base de fans que se ha mantenido leales y constantes y que siempre responden a un nuevo llamado.

Y este nuevo llamado es realmente especial, ya que cierran un circulo desde donde todo comenzó, logrando que el mismísimo James Hetfield, Rob Trujillo y una colaboración espiritual con el fallecido Cliff Burton, cobren vida y sea una realidad que ha dejado contentos a todos los fans.

Es una etapa de ensueño para la banda y platicamos acerca de ello con el gran Perttu Kivilaakso, en done también nos contó por su gran amor por la Ciudad de México en donde han hecho giras sold out.

Felicidades por el nuevo disco, ¿qué tan difícil fue escoger las canciones que formarían parte de Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2 y como fue el proceso?

“Perttu: Todo sucedió hace como un año de que empezamos a platicar sobre este proyecto, aunque en realidad el proyecto como tal ha estado durante muchos años en nuestra mente, sobre todo porque aún existía una gran cantidad de canciones que no habíamos tocado.

Personalmente “Blackened” fue la primera canción que escuché de Metallica y me enamoré de ella para siempre, y desde que tenemos Apocalyptica soñé con algún día hacer una versión de ese tema.

Y ahora solo se sintió el momento perfecto, hemos estado de gira desde hace dos años y queremos seguir en ese ambiente, y pensamos en este disco que fue grabado en Los Ángeles, y nos tomó aproximadamente 3 meses, como de julio a septiembre y la producción estuvo a cargo de Joe Barresi, un excelente productor con el que ya hemos trabajado, tiene una mente muy creativa y es excelente descubriendo sonidos.

Volviendo al disco otra canción que era muy obvia es “Ride The Lightning” pero amo muchas canciones y hay muchos hits que tienen y que yo recuerdo siempre escucharlos de joven, y para esa selección escuché todos sus discos y para mi fu un viaje al pasado muy importante, despertaron varias memorias lindas en mí.

Yo siempre fui muy apasionado por la música y eso sigue existiendo en Apocalyptica, aun tenemos es pasión de seguir tocando canciones, así que es interesante porque tenemos esa pasión de la adolescencia, pero ahora en este disco hemos puesto todo lo que hemos aprendido durante todos estos años, la producción, la estructura y un sonido más distintivo, como usar los chelos y las posibilidades son infinitas. Todo fue más maduro.”

En el disco hay grandes colaboraciones y me gustaría empezar por la de Rob Trujillo en “The Four Horsemen”, es una bestia que domina su instrumento en el mejor de los sentidos. ¿Cómo fue el acercamiento con él y por qué escogieron esa canción en especial?

Perttu: Rob es uno de los mejores bajistas que han existido, su aporte a Metallica es muy grande y como persona es un fantástico ser humano, muy simpático y muy amable.

Básicamente queríamos que Metallica también se involucrara y fuera parte de esto a diferencia del pasado, que solamente trabajábamos en las canciones solos, esta vez nos acercamos a ellos para preguntarles si estaban interesados y la respuesta fue positiva.

Y entre esas conversaciones Rob sugirió que si en algún momento necesitábamos el sonido de un bajo el estaba más que contento de aportar y para nosotros fue un honor, nos voló la cabeza el solo hecho de pensar que alguien de Metallica trabaje con nosotros, y que venga al estudio y que haga su magia es indescriptible.  

“The Four Horsemen” era perfecta para el estilo de Rob y siempre he creído que los bajistas en la historia de Metallica han aportado mucho más que un simple acompañamiento, han aportado melodía y tácticas fenomenales, estamos muy contentos de que haya sucedido.”

Tienen otra colaboración mística y fantástica en “The Call of Ktulu” nada más y nada menos que con Cliff Burton en espíritu, evidentemente, lo cual se me hace un homenaje muy bello hacia su persona y hacia su legado, ¿cómo hicieron posible esta canción?

Perttu: Es alguna hermoso, me dan escalofríos cada vez que pienso en ello y la primera vez que escuché la canción terminada.

Nos mandaron un demo original de la canción que nos permitía trabajar y construir sobre las melodías de Cliff, sabes, dibujar nuestro mundo sobre ello, y sentirnos conectados, es una gran canción y como lo mencionas, tener esta experiencia en espíritu la verdad sí me hizo llorar un par de veces cuando estábamos terminando la canción.

Espero que también sea algo muy sentimental para los fans de Metallica y los nuestros y de todos los que siguen recordando a Cliff Burton, desde que se fue nunca lo he olvidado y su legado durará por siempre.

Esta es una experiencia que no olvidaré y es algo especial para todos que puedan escuchar de nuevo el bajo de Cliff en una canción y en una versión de Apocalyptica.”

Yo creo que sin duda los fans la van a amar, y es definitivamente la canción más espiritual de su nueva disco y por supuesto fue un detalle hermoso de su parte grabar esto. Y bueno, tenemos ya involucrados a Rob Trujillo y por otra parte a Cliff Burton y, por último, tenemos al legendario James Hetfield colaborando con ustedes, prestando su voz en una nueva versión del clásico “One”, que no solo es una de las mejores canciones de metal de la historia si no de la música en general, y esto definitivamente es un sueño para todos, y de cierta manera se cierra un círculo maravilloso para ustedes, ¿cómo pasó todo eso?

“‘One’ es una canción muy importante en mi vida, específicamente porque el ‘And Justice For All’ fue el primer disco que tuve de Metallica en mi vida, y por supuesto la primera vez que la escuché recuerdo haber perdido la cabeza, somo cuando sientes que estás escuchando la mejor música posible del mundo, era algo que jamás había escuchado antes.

Y por supuesto en 1998 ya habíamos hecho una versión de “One” pero siempre estuve repensando la idea de que debíamos llevar la canción a un punto cinematográfico, la canción en sí misma ya es así por sí sola, personalmente vienen muchas imágenes a mi mente cuando la escucho, para mí es música cinematográfica, y fue por eso que empecé a trabajar en una versión que fuera diferente a la de Metallica y a la nuestra que tuviera esos tintes épicos que un mundo como el cine te puede ofrecer.

La canción va creciendo cada vez más y más, y hay una gran orquestación al respecto e incluimos muchos sintetizadores, sonidos minimalistas cinematográficos y el sonido de explosiones, y este nuevo intro también fue pensando para llevarla al en vivo en un show, y al final quedó en una versión que dura casi 10 minutos.

Y eso no era todo, me parecía que el ingrediente final perfecto es que tuviéramos un narrador cinematográfico en la canción, que contará la historia sin necesariamente cantar, y es hí cuando pensamos en James Hetfield.

James siempre nos pareció el arquetipo ideal de músico con el que nos gustaría trabajar, es increíble en muchos sentidos, pero pensar que podría hacerse realidad era algo inimaginable.

Así que antes de tener esa posibilidad pensamos en muchas maneras de hacerlo, contemplamos tener a un actor/narrador con una gran voz que hiciera el trabajo y entre todo este proceso, James se enteró de lo que teníamos en mente y básicamente se acercó a nosotros, y literalmente nos dijo “hey, por qué no me lo han pedido a mí, creo que sería lo mejor” jajajaja.

Y fue algo mágico que James estuviera dispuesto a hacerlo, como lo mencionaste antes, es un sueño para nuestros fans y para nosotros, y evidentemente James tiene una voz increíble y sabe como usarla, tiene años de experiencia, incluso para esta parte del spoken word.

Definitivamente estamos orgullosos y espero que a la gente le encante la colaboración tanto como nos encantó a nosotros.”

Definitivamente, aparte el vídeo original fue muy impactante en su momento y cuenta una historia en particular, desde ese punto de vista, ¿cuál fue tu visión y manera de reinterpretar visualmente la canción para esta obra cinematográfica?

“Queríamos crear una historia pensada en un mundo apocalíptico en donde todo esta destruido pero al mismo tiempo que tuviera actores con una gran carga emocional, desde un punto humano, por ejemplo una de las protagonistas está en su casa esperando el regreso de alguien o esperando por algo, y por otro lado otro de los protagonistas nos lleva por tierras destruidas también quizás buscando vidas, o personas o su hogar,  pero el video no es así de claro, dejamos también un poco de misterio para que el espectador quede atrapado en esa experiencia.

Y por otro lado el vídeo también representa lo que es la guerra, que es algo salvaje, pero que al mismo tiempo todo ese escenario ya atmósfera te motiva a ir al límite para encontrar esperanza y la letra de “One” está construida para eso también, es perfecta.

Siempre hay un poco de luz cuando crees que todo está perdido, a mí en lo personal me encanta el cine de mundos apocalípticos, y curiosamente terminamos trabajando en el video de “One” con un tipo de Los Ángeles que ha hecho sonido para las películas de Marvel, así que fue una gran experiencia estar en el estudio con esta persona, con la que no estamos acostumbrados, fue algo de lo que aprendí mucho, en la parte creativa fue un desafío grandioso.

Y aunque al principio no se tenían planes de sacar un video esta era una oportunidad que no podíamos dejar pasar, tener a James y regalarnos una experiencia de esta magnitud tenía que suceder.”

Y hablando de fans, aquí en México tienen un sequito muy fiel y pasional y que se renueva cada que vienen, y la última vez tuvieron un tour prácticamente sold out por distintos estados, ¿cómo se sienten respecto a eso y cómo describirían esta relación que existe entre México y Apocalyptica a través de todos estos años?

“Es de lo mejor, a mí me encanta, la relación ha sido la mejor desde nuestros inicios, incluso México fue el primer país al que fuimos a tocar fuera de Finlandia y Alemania, nos abrieron las puertas de una manera muy hermosa y significativa y siempre nos encanta ir a tocar.

El último tour fue increíble, tocamos 15 conciertos por todo México, y sin duda puedo decirte que ha sido uno de los mejores tours que hemos tenido en nuestra carrera, porque por primera vez tocamos en ciudades a las que no habíamos ido antes fuera de la Ciudad de México, como Guadalajara y Monterrey, y todo es espectacular, nos encanta la comida, nos encanta el paisaje, es uno de los lugares más hermosos que existen, espero que podamos ir pronto ahora con este nuevo disco, me muero de ganas.

Estamos pensando en hacer una presentación especial en el Auditorio Nacional, aunque no es seguro, pero sé que estamos trabajando en ello apara poder lograrlo, ya sea ahí o en algún otro lugar porque ¡México es lo mejor!”

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Musica

Reseña de nuestro Disco de la Semana: Lives Outgrown de Beth Gibbons

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En este espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega: Lives Outgrown de Beth Gibbons.

A estás alturas de la vida, que Beth Gibbons lance su primer álbum como solista es todo un acontecimiento para la historia de la Música contemporánea. 

Sobre todo porque parece inverosímil que ese disco llegue hasta ahora, considerando que la británica tiene décadas de presencia en el panorama público del Arte.

O al menos eso nos hace creer.

Y es que, si lo pensamos bien, su figura -hasta ahora inevitablemente ligada a Portishead- es casi espectral. En 30 años: tres discos con la banda, un trabajo junto a Rustin Man y un número de giras no mayor a los dedos de las manos. 

Estar, solo cuando es necesario. Y bajo ese mantra también se ha construido Lives Outgrown, la primera gran aventura de Beth Gibbons completamente por su cuenta.

Una placa que al escucharla y explorarla, cobra sentido el tiempo en el que ha llegado. Como si este fuera el momento perfecto y ella siempre lo hubiese sabido.

Pero vayamos a ello, porque la premisa que sustenta Lives Outgrown es tan bella como terrible: la certeza absoluta de la muerte. Y la cantautora la aborda con una sensación aún más acongojante: que ese destino inevitable está cada vez más cerca para ella.

Beth Gibbons no se miente: a sus 59 años y pese a las maromas argumentativas que la humanidad elige para ignorarlo, el ocaso empieza a verse de frente.

Primero, con el miedo natural que produce la idea del final; y después, al darse cuenta de que si bien la partida del plano terrenal llega con el acto contundente de un corazón que deja de latir, la decadencia es -en realidad- un proceso cuesta abajo.

Un cuerpo que ya no es el de antes, una mente que pierde velocidad y la tragedia de ver que el mundo puede avanzar sin esperarte.

Puesto así, cualquiera pensaría que estamos ante una obra sobrada de pesimismo y melodrama; sin embargo, Beth Gibbons se vale de la paradójica sabiduría que solo puede dar la experiencia para sustituir la resignación por aceptación.

Al escribir este disco, la cantante se despoja de prejuicios para moldear un retrato sobre alguien que se redescubre en el envejecimiento.

Y más allá de ver al tiempo como el gran villano del relato humano, lo entiende como el eje del curso natural de las cosas. 

Justo y democrático… Igual para todo el mundo. 

Así, Beth Gibbons reconoce el dolor como una parte de su propio desarrollo en la ruta a convertirse la mejor versión posible de sí misma. Tal l vez no desde lo físico; pero sí desde lo emocional, lo psicológico y lo espiritual.

Es entonces que Lives Outgrown deja de ser un capítulo en el camino del héroe para ser la fábula del sensei, quien finalmente entiende que la vida es el viaje, no el destino.

Con un discurso así de poderoso, Beth Gibbons enfrentaba el reto de expresarlo con la misma fuerza a través de la instrumentación.

Y la primera gran decisión fue la de deslindarse por completo del sonido de Portishead. A cambio, lo que escuchamos es una producción orquestal robusta y compleja pero no por eso pretenciosa e inaccesible.

Por el contrario, la música en Lives Outgrown lleva la narrativa de Beth Gibbons a un plano cinematográfico.

De las primeros elementos a destacar están las secciones y arreglos de cuerdas, con un perfil modernista que juega con disonancias y afinaciones asimétricas para crear una ambientación que se debate entre el caos y la calma.

Después, las percusiones, que en tracks como “Reaching Out” toman un protagonismo singular al plantear tempos casi ceremoniales que abonan a la épica del disco.

Finalmente, los metales, cuya aparición es administrada de tal manera que si bien no tiene presencia en todas las canciones, si dinamitan aquellas en las que forman parte para dotarlas de potencia y explosividad.

En la escucha integral, resulta complejo etiquetar Lives Outgrown en un solo género, dados sus acercamientos con la Música de Cámara, el Folk y el Jazz; así como la influencia obtenida de la cultura gitana y la celta; pero si tuviéramos que asociarlo con otros discos célebres que se valen de esa abstracción sonora, podríamos decir que el debut de Beth Gibbons pertenece a la misma familia de Blackstar de David Bowie y del periodo de principio de siglo de Philip Glass.

Al final de la experiencia, Lives Outgrown siembra la idea de que estamos ante una obra mayúscula que no solo tomará protagonismo como uno de los mejores discos de este año, sino que dejará una huella indeleble de cara al futuro de una industria que busca a toda costa suprimir esfuerzos creativos como este: cimentados desde la paciencia y la reflexión.

Este es un testimonio valiente y feroz sobre la capacidad de reconciliar el miedo a la muerte sin dejar de disfrutar la vida. 

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Cortes Selectos

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