Por Martín Rangel Noguez

Hacemos una exploración a través de múltiples referencias vinculadas a los sonidos industriales dentro del Hip Hop

Hace diez años, el polémico artista, productor, rapero y diseñador Ye (antes conocido como Kanye West) lanzó Yeezus, su sexto álbum de estudio. Lo que aconteció fue un parteaguas: la entrada al mainstream de un sonido que había estado merodeando el universo de la música alternativa underground: el Hip Hop industrial y experimental.

En su momento la crítica trazó un paralelo con el trabajo de bandas como Death Grips, quizás los más notables artífices de tales atmósferas sonoras. En el equipo de producción de Yeezus estaban, entre otras luminarias de la industria musical, artistas incipientes como Arca y un muy joven Travis Scott. Si tuviéramos que ser más específicos, diríamos que aquello que Yeezus trajo a los oídos confundidos de la música pop fueron bajos distorsionados, ritmos frenéticos, alteraciones de la voz autotune-infused, gritos y beat-switches inesperados, sintetizadores violentos y, overall, un paisaje sonoro, distópico y ruidoso.

El pasado 28 de julio vio la luz UTOPIA, un proyecto que los fans de Travis esperaron durante años. Las opiniones, pasados los días y las múltiples escuchas de los diecinueve tracks que componen el álbum, están ciertamente divididas. Hay quien considera que es un trabajo muy “raro” y difícil de escuchar, al que le achacan la ausencia de esos bangers comerciales que era posible hallar en proyectos anteriores del artista texano.

Por otro lado, hubo quien criticó una supuesta similitud exagerada con el antes mencionado Yeezus. Si bien hay un par de temas cuya estructura rítmica —además de algunos deliveries— guardan un parecido muy evidente con el disco de Ye, me parece que lo que más comparten es un espíritu de disrupción, experimentación, y construcción de futuro a través del sonido.

Pero no todo es Yeezus.

Ni Kanye, ni Travis, ni Death Grips han sido los únicos exploradores de la disonancia, el ruido, la distorsión, la psicodelia oscura y la experimentación en los terrenos del Hip Hop.

A continuación, me gustaría ofrecer un repaso, un recorrido a través de cinco artistas/agrupaciones que, en años recientes, han producido un body of work significativo desde el underground: cinco artistas que han ayudado a expandir la paleta sonora de eso que llamamos, de un modo bastante reduccionista, género urbano.

Saul Williams

El álbum The Inevitable Rise and Liberation of NiggyTardust! , del músico, poeta, escritor, actor y cineasta Saul Williams, fue lanzado en noviembre de 2007. La producción del álbum estuvo a cargo de Trent Reznor, el líder de la banda Nine Inch Nails. Esta colaboración resultó en un disco que combina elementos del Hip Hop con la característica producción industrial de Reznor.

El resultado fue un sonido único y experimental. El título del álbum es un juego de palabras que hace referencia a David Bowie y su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Además, el título del álbum de Williams juega con la idea de la liberación y la lucha contra la opresión, mientras que el término “NiggyTardust” es un juego de palabras que pone en crisis las expectativas y las percepciones raciales.

Musicalmente, el álbum presenta una fusión ecléctica de géneros. Combina el Rap y el spoken word característicos de Saul Williams, con la producción electrónica y los elementos industriales típicos de Trent Reznor. Las letras de Williams son profundas, poéticas y cargadas de significado. Abordan temas sociales, raciales y políticos. A través de sus letras, explora cuestiones como la identidad, la lucha contra la opresión y la búsqueda de la libertad.

El álbum fue lanzado en un formato interesante: Williams lo liberó para su descarga gratuita en línea, y los oyentes tenían la opción de pagar lo que quisieran por él. Esto fue una innovación en su época, y fue realizado con el objetivo de permitir que su música llegara a una audiencia más amplia y desafiara las prácticas convencionales de la industria musical.

The Inevitable Rise and Liberation of NiggyTardust! recibió elogios de la crítica por su experimentación musical y lírica. La fusión del estilo distintivo de Williams con la producción industrial de Reznor resultó en un álbum único que sigue siendo apreciado por sus seguidores y por los aficionados a la música experimental en general.

clipping

El álbum Visions of Bodies Being Burned es el cuarto álbum de estudio de la agrupación de Hip-Hop experimental clipping. Fue lanzado en octubre de 2020 y es una continuación temática de su álbum anterior, There Existed an Addiction to Blood . Este álbum es conocido por fusionar elementos del rap, la música industrial y la música electrónica.

En cuanto a su aproximación al sonido experimental del Hip Hop, clipping son conocidos por su audacia y su voluntad de explorar nuevos territorios sonoros. El trío, formado por el rapero Daveed Diggs y los productores William Hutson y Jonathan Snipes, ha creado una identidad artística que se basa en las constantes experimentación e innovación.

En Visions of Bodies Being Burned, el grupo emplea una variedad de técnicas y recursos para conseguir articular su sonido característico. Utilizan samples inusuales y a veces discordantes, incorporan ruidos industriales, efectos sonoros y elementos de glitch, y combinan ritmos electrónicos y patrones rítmicos poco convencionales. La producción del álbum es detallada y meticulosa, lo cual resulta en una atmósfera tensa y a veces inquietante que complementa las letras provocadoras, a menudo oscuras.

Las letras de clipping son otro aspecto clave de su enfoque experimental: abordan temas diversos, que van desde lo político y lo social hasta lo macabro y lo surrealista. Daveed Diggs, además de ser conocido por su trabajo en clipping, es un talentoso letrista y rapero que utiliza su habilidad para escribir líricas que son inteligentes, ingeniosas y a menudo llenas de metáforas vprofundas y juegos de palabras.

La agrupación clipping se formó en Los Ángeles, California, en 2009. Desde entonces, han lanzado varios álbumes aclamados por la crítica, han realizado giras y se han destacado en la escena musical experimental. Su estilo vanguardista les ha ganado una base de seguidores leales y los ha establecido como una de las voces más interesantes y originales en el Hip Hop contemporáneo.

Ho99o9

Cyber Cop [Unauthorized MP3.] es un EP de la agrupación Ho99o9 (pronunciado como “Horror”). Fue lanzado en 2018 y es, para mí, una masterpiece del sonido experimental del hip-hop. Ho99o9 son conocidos por un estilo que combina elementos del Punk, el Noise, el industrial y otros géneros para crear una propuesta musical agresiva y vanguardista. Cyber Cop [Unauthorized MP3.] es una muestra temprana de la habilidad del dúo para fusionar diferentes influencias en un sonido distintivamente desafiante.

El EP contiene beats intensos y distorsionados, combinados con líricas agresivas y que tocan temas incómodos relacionados con lo político y social. La producción es caótica y ruidosa, con samples inusuales y elementos electrónicos que configuran un crisol sonoro placenteramente confuso.

Ho99o9 se destaca por su energética y apasionada presencia escénica, lo que les ha generado una base de seguidores leales y fanáticos, entusiastas de sus actuaciones en vivo. La agrupación es originaria de Nueva Jersey, Estados Unidos, formada en 2012 por los miembros Eaddy y TheOG. Ambos artistas tienen raíces en el punk y el Hip Hop, y han logrado crear una propuesta que combina estos dos géneros con una amplia gama de influencias adicionales.

Desde su fundación, Ho99o9 ha lanzado varios EP y álbumes, incluyendo Horrors of 1999 (2015), Dead Bodies in the Lake (2015) y United States of Horror (2017). Su propuesta innovadora y su habilidad para mezclar estilos musicales les han valido reconocimiento en la escena tanto en el Hip Hop experimental como en el Punk contemporáneo.

Injury Reserve

By the Time We Get to Phoenix es el segundo álbum de estudio del grupo de Hip Hop experimental Injury Reserve. Fue lanzado en septiembre de 2021, y es un álbum conceptual que combina una amplia gama de influencias y estilos musicales.

Con respecto a su manera de acercarse al sonido experimental del Hip Hoop, Injury Reserve
son conocidos por la habilidad que poseen para desafiar las convenciones y fronteras del género, incorporando elementos de música electrónica, Rock Alternativo, Jazz, etc.

By the Time We Get to Phoenix presenta una variedad de ritmos y texturas sonoras, desde paisajes sonoros atmosféricos y melódicos hasta beats más enérgicos y bailables.

La producción del álbum es detallada y meticulosa, con capas de samples y sonidos que se entrelazan para crear un ambiente único en cada pista. Las letras también son un aspecto destacado de su música, abordando temas que van desde la introspección personal hasta cuestiones sociales y políticas.

Injury Reserve es una agrupación originaria de Tempe, Arizona, Estados Unidos. Fue fundada en 2013 por los miembros Ritchie With a T (Stevie Williams), Nathaniel Ritchie y Parker Corey. A lo largo de su carrera, el grupo ha experimentado con diferentes formaciones y colaboraciones, pero la alineación principal se mantuvo con Ritchie, Nathaniel y Parker.

La agrupación ganó atención y reconocimiento en la escena del hip-hop underground con una serie de mixtapes y EPs, incluyendo Live from the Dentist Office (2015) y Floss (2016). Su espíritu transgresor y su habilidad para mezclar estilos musicales les valió una creciente base de seguidores en la escena independiente, y elogios de la crítica. A medida que su popularidad aumentaba, la agrupación firmó con el sello discográfico Loma Vista Recordings y lanzó su álbum debut homónimo en 2019.

El álbum fue bien recibido y estableció aún más su reputación como una de las bandas de hip-hop más interesantes y creativas de su generación. Trágicamente, en junio de 2020, el cofundador de la agrupación, Stevie Williams (Ritchie With a T), falleció a la edad de 32 años.

JPEGMAFIA

Veteran es el segundo álbum de estudio del artista y productor de Hip Hop experimental JPEGMAFIA (abreviado como JPEGMAFIA o Peggy). Fue lanzado en enero de 2018 y es ampliamente considerado como un punto de inflexión en su carrera, ya que le proporcionó mayor reconocimiento y atención en la escena musical independiente.

En cuanto a su manera de recorrer el sonido experimental del Hip Hop, JPEGMAFIA es conocido por su estilo único y su ejecución audaz en la producción y la composición.

Su música combina elementos del Hip Hop tradicional con influencias de Noise, Industrial, electrónica y otros géneros poco convencionales. Esta amalgama de sonidos le permite crear paisajes sonoros caóticos y desafiantes, con beats distorsionados y samples eclécticos.

Veteran se destaca por su producción ecléctica, sus letras críticas y un estilo lírico único, que a menudo se asemeja al stream of consciousness writing que practican ciertos poetas experimentales. JPEGMAFIA es un artista versátil y experimental, como decía, y en este álbum, se expresa de manera franca y directa sobre temas como la política, la raza, la sociedad y su propia experiencia íntima.

El álbum está lleno de referencias culturales y samples diversos, que van desde fragmentos de discursos políticos hasta clips de películas y programas de televisión.

En términos líricos, JPEGMAFIA es conocido por su pluma introspectiva y provocadora. Sus letras a menudo abordan temas personales y sociales, y se destacan por su sátira mordaz y su crítica directa hacia diversas instituciones y figuras de autoridad.

Peggy, cuyo nombre real es Barrington Hendricks, nació el 22 de octubre de 1989 en Brooklyn, Nueva York. Aunque nació en Nueva York, pasó parte de su infancia en diferentes lugares, incluyendo Alabama y Luisiana, antes de establecerse en Baltimore, Maryland.

JPEGMAFIA comenzó a hacer música en la década de 2010, y ha lanzado varios álbumes y mixtapes a lo largo de su carrera, incluyendo Communist Slow Jams, Black Ben Carson y The 2nd Amendment, así como el reciente album colaborativo Scaring The Hoes, junto al rapero Danny Brown.

Un adjetivo que viene a mi cabeza tras escuchar los álbumes y artistas antes enlistados es el siguiente: futurista. La palabra resuena en mi cabeza y me pregunto: ¿por qué?, ¿por qué es importante que la música —en el underground como en el mainstream— suene a futuro?. Y no me quiero poner político, pero es que es inevitable.

El término “retromanía” fue acuñado por el crítico musical y autor británico Simon Reynolds en su libro Retromania: Pop Culture’s Addiction to Its Own Past, publicado en 2001.

En este libro, Reynolds explora cómo la cultura popular contemporánea, especialmente en la música, se ha obsesionado con el pasado en lugar de buscar nuevas expresiones, nuevas formas de decir y hacer. Reynolds argumenta que esta obsesión con la reutilización y la imitación del pasado limita la creatividad y la innovación cultural, ya que la constante referencia a las décadas anteriores puede inhibir la creación de algo auténticamente nuevo.

En esencia, Reynolds plantea la preocupación de que la retromanía podría estar frenando el potencial de la cultura para evolucionar y sorprender.

Desde la perspectiva del filósofo británico Mark Fisher y su análisis de la “lenta cancelación del futuro”, sumada a lo que dice Reynolds, es crucial que la música pop explore sonidos futuristas para romper con la estancada nostalgia del pasado y, de esa manera, abrir camino a nuevas posibilidades creativas.

En un mundo dominado por la constante revisión del pasado y la falta de una visión progresista, la búsqueda de lo futurista en la música es esencial para estimular la imaginación colectiva y desafiar las limitaciones de lo conocido. Al explorar sonidos futuristas, la música pop puede redefinir la vanguardia cultural y proporcionar una vía para escapar de la retromanía y recuperar la audacia y la innovación necesarias para inspirar y transformar la sociedad.

Otros mundos son posibles.

Este es el soundtrack de una utopía to be imagined. ¿O será que se trata de una distopía, más bien?