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Cortes Selectos

SUPER de Braulio Conde: un disco sobre persecuciones de película y amores en primavera

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El álbum debut del artista veracruzano es una aglomeración de virtudes instrumentales que encumbran el esfuerzo autónomo de una carrera en ascenso.

Si habláramos con diez especialistas en marketing de la Música, seguramente nueve nos dirían que lo peor que podría hacer un artista para presentarse ante el mundo es un disco: que porque es un suicidio financiero dedicar tanto dinero a algo que probablemente solo van a escuchar algunos, que porque primero hay que pavimentar un camino con años de singles, que porque en la era de la inmediatez ya nadie escucha discos completos…

Afortunadamente, el marketing de la Música no es la Música per se; y allá afuera, entre el ecosistema de músicos que sucumben a las tentaciones del sistema, todavía existen artistas que toman decisiones porque su corazón y su guitarra se los piden.

Es en ese camino donde nos encontramos a Braulio Conde y su SUPER: un artista novel en la industria que a través de nueve canciones emite una declaración de guerra sobre quién y a lo que suena.

De principio a fin, el disco jamás titubea; y quizá sea lo primero que debamos celebrar de un trabajo inaugural en el repertorio de cualquiera: Braulio Conde sabe perfectamente lo que quiere y su capacidad para tocar, componer, grabar, arreglar y post-producir llevan a puerto dichas intenciones.

En SUPER se conjugan el Rock n Roll, el Synth Pop, el Modern Blues, baladas explosivas; pero sobre todo una propuesta instrumental aventurada que nos remonta a Radio Futura y su Canción De Juan Perro, a lo más fresco de Un Pingüino En Mi Ascensor y a la versión épica de Soda Stereo; así como a The Whitest Boy Alive y a Little Jesus en clave de ”Mala Onda”.

De hecho, son sus pasajes instrumentales donde encontramos los puntos más altos de la placa: el ciclo que abarca desde la inaugural ”Felicidades” (la mejor canción del disco) hasta ”Tempo” goza de una potencia sobrada que resulta muy fácil de asociar con secuencias cinemáticas: persecuciones policiacas, clímax de romcoms, la catársis de un grupo de amixers …

Tanto así que el contraste con el segundo acto del material se desarrolla en detrimento de la experiencia a la escucha, no porque las canciones desmerezcan en su ejecución; pero carecen del matiz emocional que enaltece a la primera parte.

De igual manera, en contraposición a las fortalezas que despliega en el departamento netamente sonoro, el performance vocal del disco tiene amplio margen de crecimiento. Es en este apartado en el que es obvio que Braulio Conde requiere de horas vuelo para explorar todas las posibilidades de su voz. Un esfuerzo que ira de la mano con apuntalar su seguridad al escribir para que los versos sean menos circunstanciales y más un elemento de sinergia entre toda la ecuación.

Al final de este coming of age musical nos queda la seguridad de que estamos ante un proyecto prometedor y lleno de posibilidades sin que ese veredicto de potencial arruine lo que ya es ahora: un homenaje a la juventud entre canciones divertidas donde guitarras y teclas son los protagonistas.

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Sonidos del Futuro: Cxsinensis y el teatro como performance en la música

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Fotos por Alejandra Álvarez.

Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Cxsinensis.

Hay proyectos musicales que inician por la simple necesidad de no seguir las líneas preestablecidas, y no es para nada malo. De hecho, es un tema complicado, porque en estas circunstancias, el roce con lo pretencioso y confuso puede ser muy fácil, pero hay ocasiones donde todo se siente natural y exquisito.

Al menos en el caso que presentamos hoy, resulta más que natural, pues parece que el propio artista nació para esto. Rubén Naranjo, un artista multidisciplinario tapatío, comenzó hace poco un proyecto titulado Cxsinensis, el cual es una amalgama de distintas expresiones artísticas como el teatro, la danza y la literatura plasmadas en música que poco se apega a géneros específicos.

Perfecto balance

Cxsinensis logra crear una narrativa más allá de lo sonoro, dando rienda suelta a su imaginación, y la de sus escuchas, creando combinaciones de la música con diseños actorales, danza, iluminación y escenografía que complemetan su música.

Durante su corta pero prolífica carrera, Cxsinensis ha estrenado un total de dos discos de estudio, El Imaginario Mundo de Cxsinensis (2022) y Tratado Universal de Color (2023). En ambos trabajos presenta una temática propia, pero cargada de su propio sentido y contexto.

Su disco debut, El Imaginario Mundo de Cxsinensis (2022) se sustenta principalmente en la experimentación sonora, remezclando y siendo creativo con bases de hip hop, R&B y electrónica, con letras llenas de recursos literarios y cargados de poesía. Por otra parte, Tratado Universal de Color (2023) se define como un disco conceptual donde los protagonistas de la historia van descubriendo el color, la creatividad y la felicidad, revolucionando su propio mundo.

Teatralidad y baile

Cxsinensis es algo conocido en la escena emergente de Guadalajara, y no es para menos. Desde hace ya años, y luego de regresar de una estancia en Canadá donde se llenó más de cultura, ha tenido un par de shows presentando su faceta más cruda pero pulcra a la vez.

El 31 de agosto Cxsinensis presentó una performance en el Conjunto Santander de Guadalajara, donde tocó su disco Tratado Universal de Color (2023), resultando una de los shows más llamativos, sorpresivos y propositivos que se han visto en la ciudad en los últimos tiempos.

El show contó con todo un concepto que se completó del concepto del disco, además de un sinfín de bailarines, vestuario adepto y colores que iban escalando conforme la historia crecía. El video, de una de las canciones allí interpretadas, se puede ver a continuación.

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Cortes Selectos

Decibel WARP Presenta: † (Cross) de Justice, un debut electrizante

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Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel. En la entrega del día de hoy: † (Cross) de Justice.

La música electrónica de principios del siglo XXI fue el inicio de un revival musical que hasta la fecha seguimos experimentando, en especial le época del denominado new rave, que fue una etapa en donde la música electrónica europea y norteamericana tuvo una influencia significativa en los jóvenes escuchas y entre toda esa ferviente circulación de música moderna, se encontraba el disco debut de un nuevo dueto francés integrado por Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, llamados simplemente Justice.

Los nuevos Daft Punk

El primer álbum de Justice tenía una actitud electrizante y poderosa, sonaba a la vanguardia del nuevo siglo, pero bebía mucho de sus padres musicales: Daft Punk, las comparaciones fueron inmediatas y pese a que el disco pudo quedarse en algo anecdótico por esa marcada influencia y que corría el riesgo de no trascender y quedarse simplemente en una copia más sin pena ni gloria, pero pasó todo lo contrario.

El disco explotó de una manera que quizás nadie se esperaba, parecía que el siglo XXI estaba esperando por más música como la de Daft Punk combinada con otros ciertos estilos diferentes para la pista de baile.  Esa explosión le ha permitido a Justice seguir sacando música y seguir con una carrera vigente por ya casi 18 años y contando.

Distorsiones y arpegios 

El sonido de † (Cross) es un sonido dominado y patentado por los franceses y que perfeccionó Daft Punk llevándolo al mainstream mundial. Y aunque el sonido ya estaba establecido, el disco es una maravilla, es una obra esplendorosamente sónica llena de distorsiones y arpegios y arreglos digitales de locura con un corazón y un espíritu análogo que lo empujan al límite.

Justice son famosos por su el uso de cientos de sampleos retorcidos, filtrados, invertidos y triturados de otros artistas, nada nuevo bajo la manga o nada de que estemos descubriendo, pero una fórmula que siempre ha dado frutos positivos en la historia de la música electrónica. El caso más famoso quizás para los melómanos audaces fue escuchar el sampleo de “Jocko Homo” de DEVO en la potentísima “Stress”, una de las mejores canciones en la discografía de los franceses hasta la fecha.

El sonido Ed Banger

† (Cross) exprime hasta la última gota del equipo utilizado para producirlo y eso en gran parte se debió a la disquera Ed Banger Records, la cual fue fundada por Petro Winter alias Busy P, quien era el manager de Daft Punk durante las giras del Alive, y evidentemente con esa experiencia, conocía la fórmula para intentar despegar una disquera y seguir otra fórmula emocionante y llena de éxitos.

Un collage dance sofisticado

A la distancia y en retrospectiva, miramos a este álbum debut como algo minimalista, funky, ruidoso, divertido, dance, arriesgado, distintivo, sofisticado y pop. Un collage lleno de elementos que le garantizaban al menos sobrevivir en aquellos años que bien podemos redefinir como una odisea divinamente eléctrica de la música disco y el french-house, diseñada con influencias a tope de glam rock o del rock clásico. Al menos esa era la imagen del dueto también como usar decenas de amplificadores Marshall en sus shows en vivo para sonar más sucios y más cercanos a un show de rock and roll.

D.A.N.C.E.

Justice, además apostó por todo, y obviamente tenía la intención de elevar la música de baile a una escala más alta y para ello crearon el clásico instantáneo “D.A.N.C.E.”, con el cual Gaspar y Xavier se establecieron como las nuevas estrellas de la música electrónica en Francia.

No podemos negar en pleno 2024 que Justice tiene creatividad y que poco a poco han ido encontrando un sonido distintivo, en donde la música con el paso del tiempo, ilumina un poco el panorama para las siguientes generaciones de productores. Su disco debut sigue siendo redescubierto y se ha consolidado como uno de los mejores en lo que llevamos del nuevo siglo.

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Los cinco estrenos musicales de la semana que debes escuchar

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Taylor sigue liderando la industria, de eso no cabe duda, y este estreno suyo lo demuestra. Además, hay en la lista un par de estrenos que resaltan el poder artístico de Latinoamérica y también el regreso de una banda icónica.

THE TORTURED POETS DEPARTMENT de Taylor Swift

El nuevo disco de Taylor Swift, que de hecho la hizo regresar a TikTok en medio de la disputa legal en contra de la app por parte de UMG, en realidad son dos (pues estrenó también una versión deluxe llamada THE ANTHOLOGY), trae de vuelta a Jack Antonoff como productor y co-escritor, y refleja una reflexión más profunda de las heridas íntimas de la artista. Además, el álbum cuenta colaboraciones con Post Malones y Florence + The Machine.

Baño María de Ca7riel & Paco Amoroso

A pesar de haber trabajado juntos durante años, oficialmente Ca7riel y Paco Amoroso lanzaron su primer álbum colaborativo, Baño María (2024). Los dos artistas más llamativos del pop argentino del actual panorama lanzaron este disco creando una amalgama entre electrónica, pop raver, R&B, drum and bass y el mismo pop latino del cual han surgido.

Este disco pudo escucharse previamente en una suerte de listening party durante su set conjunto en el festival Lollapalooza 2024, donde no interpretaron los temas de Baño María (2024) en vivo, sino que solo salieron y se metieron a un jacuzzi a escuchar las canciones, causando desconformidad entre los asistentes.

Dark Matter de Pearl Jam

Pearl Jam se propuso volver a su esencia más pura, y lo lograron de una manera tan espiritual como divertida. La banda de Eddie Vedder se retiró tres semanas a Malibú para gestar Dark Matter (2024), el duodécimo disco de la banda en su carrera.

Ride or Die, Pt. 2‘ de Sevdaliza, Villano Antillano y Tokischa

Esta sí no la esperábamos, y es que una colaboración de artistas que en la teoría sonarían tan distantes, resultó ser impresionante en la práctica. La artista de origen iraní puso lo denso, sombrío y enigmático de su esencia y Tokischa y Villano pusieron el dembow y los ritmos latinos. Es curioso que esta sea la primera vez que Toki y la Villana colaboran, pero ‘Ride or Die, Pt. 2‘ da en el clavo para resaltar a los tres talentos.

Pink Balloons de Ekko Astral

Ekko Astral es una banda de punk originaria de Washington D.C., y han llamado la atención particularmente con su sonido impulsivo, pulcro y lleno de poder, con insinuaciones claras al noise y shoegaze exquisitas para un moshpit. Este es su álbum debut, y pinta para un buen despegue.

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