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Cortes Selectos

Techno Japonés: secuencias del sol naciente

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El techno de Japón se ha convertido en uno de los sonidos más propositivos del siglo XXI, así como en su momento lo fue la escena de Detroit y la escena de Berlín, el país del sol naciente tiene muy bien ganada su reputación dentro de la historia reciente, moldeando su sonido, y revolucionando el género a través de grandes artistas y productores.

Durante estas dos últimas décadas, la cultura dance en Japón ha cobrado gran importancia para el circuito underground de la sociedad, ofreciendo oportunidades y diversidad a la vida nocturna y a la vida de clubes. Su sonido tiene una esencia de raíz muy marcada y sobre todo muy poderosa, produciendo así, algunos de los talentos más radicales de la música electrónica.

Orígenes 

Con el paso del tiempo algunos se han referido a la escena como J-Techno, y empezó a gestarse y tiene sus orígenes en la década de los 90 aunque de manera muy sigilosa. Sus características principales son los orígenes del techno de Detroit y Berlín o al menos esa aura combinada con pasajes ambientales, armonías trance por momentos, y por supuesto un toque propio único de la cultura tradicional nipona.

Si bien el techno había existido en Japón por un tiempo durante los 90, la escena techno japonesa tal como la conocemos hoy es comenzó alrededor del año 2001 con la icónica serie Future Terror Party del legendario, icono e institución del techno, el gran DJ Nobu. Una fiesta que rompió todos los paradigmas y que llevo nuevos sonidos a la ciudad, una fiesta que hasta el día de hoy se sigue celebrando.

La revolución del terror

La Future Terror Party surge como una antítesis de la escena de los clubes en Tokio de principios de siglo, DJ Nobu explica que en esa época las fiestas estaban dominadas por fiestas muy comerciales con música miantream sin sentido, y su respuesta a eso fue que en las fiestas sonara música con mensaje y de una esencia más cercana al techno en lugar de doblegarse a las tendencias actuales.

La fiesta fue un éxito y contó con la participación del propio Nobu junto a DJ locales. Desde sus humildes comienzos en un pequeño club de Chiba, se ha extendido por todo el país, generando un festival Future Terror en la prefectura de Yamanashi e incluso en Hokkaido. Actualmente otro DJ, Haruka, dirige la fiesta con él.

Los invitados habituales de Future Terror también empezaron a destacar y a ganarse su reputación, tales como los nombres de Iori y Wata Igarashi, ambos estandartes importantes de la escena techno japonesa.

Audiencia global 

Con todos estos puntos conectándose, Nobu reconoció la importancia de atraer a una audiencia global, por lo cual aprendió a hablar inglés para poder difundir sus fiestas y así logro llegar al panorama internacional y comenzó a tocar en los clubes de techno más grandes del mundo como Berghain.

La evolución del techno japonés llego al siguiente nivel cuando DJ Nobu formó su propio sello: Bitta, que defendía el sonido techno japonés. Su primer lanzamiento fue un Ep con dos canciones, una de él y otra de su amigo Iori.

Iconos del género 

Desde entonces y durante estos últimos años la escena techno japonesa está en constante cambio y evolución y cada vez exportan más DJs a los distintos rincones del techno del mundo, incluyendo México y Latinoamérica, se ha fomentado una excelente cultura que ha ganado muchos seguidores, y eso no sería posible sin los siguientes protagonistas, además de los ya mencionados.

Takaaki Itoh

Pionero de la escena electrónica musical, es reconocido como el principal exponente del Techno japonés vanguardista. Comenzó su carrera como organizador fiestas de Techno en los años 90; pero su estilo único cautivó al público europeo, lo que le valió la reputación de ser “el DJ japonés de Techno underground”, mote que lo llevó a recorrer todos los clubes míticos del orbe.

Estableció su propio sello discográfico –Wols– y se ha presentado ampliamente en Europa, Asia y América, además de colaborar con destacados artistas como Gennaro Le Fosse y Oscar Mulero.

Te presentamos la entrevista exclusiva que Takaaki Itoh brindó para WARP y CommonSense Records:

DJ Nobu

DJ y productor, y una figura de culto en la escena electrónica global con el estandarte japones muy en alto, con una capacidad real de dibujar y crear sus propios espacios sonoros y con una identidad única. Sus Dj sets son como una catarsis divina y su importancia para esta cultura la explicamos durante este artículo.

Wata Igarashi

Wata Igarashi ha desarrollado un sonido propio y contundente. Combina la euforia y lo psicodélico, una conjugación sonora en la que destaca su música con estructuras cristalinas y una intensidad resplandeciente, el enfoque de Igarashi es aquel que estimula el cuerpo y la mente, al generar energía y comunión.

La visión distintiva del techno de Igarashi se muestra a través de una serie de EPs en Midgar y The Bunker NY, así como en Semantica, Time to Express y Bitta.

Los destacados remixes de Aurora Halal, Volte-Face y Prins Thomas han demostrado aún más su talento como productor. La misma mentalidad hace aparición en sus presentaciones, ya sea en un DJ set o en un live show, su control de frecuencias e intensidades da forma a la pista de baile mientras explora las dimensiones más psicodélicas del Techno.

Te presentamos la entrevista exclusiva que Wata Iagarashi brindó para WARP y CommonSense Records:

Ken Ishii

Ishii es actualmente no de los compositores más innovadores y experimentales que han dejado huella en la escena internacional. El impacto de Ken se debe a que apareció en un momento en que Japón aún no estaba en la encrucijada donde todo lo relacionado con el techno se unía.

El sonido de Ken, que ya publicaba temas en el sello de culto R&S desde 1994, pronto rompió los confines de una audiencia especializada y conquistó al mundo, recibiendo el apoyo de artistas de talla mundial como Dave Clarke, Luke Slater, Thomas Schumacher y muchos otros. más.

Ken Ishii es un vanguardista rebelde peor cauteloso a la hora de producir, su forma de crear música y de presentar dj sets, son una experiencia absolutamente conmovedora.

Haruka

Haruka, residente desde hace mucho tiempo y coorganizador de la legendaria fiesta Future Terror, la reputación de Haruka en Japón también le ha llevado al éxito en el extranjero, a reservas periódicas en toda Asia y a actuaciones en lugares emblemáticos de Europa.

Además de proporcionar mezclas a varios medios musicales para mostrar su sofisticada selección de techno, Haruka también lanzó su sello llamado Protection para explorar los márgenes entre la pista de baile y la música contemporánea.

Su propuesta que conjuga lo más vanguardista del techno con la vieja escuela gracias a sus amalgamas sonoras dinámicas y sorprendentes. Sus sets son un viaje sonoro psicodélico en los que la pista de baile se transforma en una película de ciencia ficción compleja y oscura.

Su historia se remonta a la ciudad de Yamagata en Japón, en donde la mancha urbana convive con la naturaleza en un vínculo lleno de intimidad que invariablemente influenció su estilo para tocar.

La manera en que produce paisajes sonoros tribales y épicos lo ha llevado a tocar en las fiestas underground más importantes del mundo, bagaje que ya lo tiene como uno de los pioneros de la próxima gran revolución del Techno.

En la actualidad, continúa contribuyendo a la comunidad nipona brindando un espacio donde la gente puede reunirse y compartir experiencias musicales únicas, y lo mejor de todo es que podremos experimentar su esencia y figura en carne propia cuando nos visite este fin de semana en CDMX, este viernes 5 de abril en Motolinia 33, dentro del Centro Histórico de la CDMX.

Este viernes 5 de abril viviremos la décimo quinta edición de MENTAL. el concepto con casi 4 años de historia que prioriza la obra artística a través del sonido, enfocada en la expresión auditiva curada 100% por Alejandro Franco y producida por CommonSense Records; y en la que se invita principalmente a talentos relacionados con la producción e industria del Hypnotic/Mental Techno.

Puedes conocer más sobre MENTAL. y la visita de Haruka en este click.

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Los cinco estrenos de la semana que debes escuchar

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La mayoría de los estrenos aquí recomendados esta semana serán colaboraciones, y no es para menos importante este dato. Si de por sí Nick Cave o Future son buenos por sí solos, con una ayuda de alguien de su mismo calibre tenemos discos, EPs y sencillos bastante potentes.

WE STILL DON’T TRUST YOU de Future y Metro Boomin

Lanzado como una “secuela” del primer disco colaborativo de ambos artistas lanzado hace apenas tres semanas, WE DON’T TRUST YOU (2024), este nuevo apartado muestra producciones más limpias, contemplativas y apaciguadas, con las líricas de Future acompañándolo en el proceso. El álbum tiene apariciones sorpresa como la de The Weekend y A$AP Rocky, y además mantiene viva la esencia de los beefs entre mismos raperos, algo que da más color al lanzamiento.

Back to Black de Nick Cave y Warren Ellis

Ambos virtuosos de la música, estrenaron en conjunto un preciosísimo álbum, algo corto, que servirá como soundtrack de la biopic de Amy Winehouse, que se estrenará el 11 de abril. Hay que resaltar especialmente la canción ‘Song For Army‘, una valerosa melodía de poco más de tres minutos llena de emotividad y con la majestuosa voz de Nick Cave.

I’M DOING IT AGAIN BABY! de girl in red

girl in red ha llamado bastante la atención en los últimos años, y este segundo disco de estudio representa muy bien la cultura pop jovial de los nacidos en los 2000s, además de preservar un sonido digerible combinando el ya mencionado pop y rock, dando un mensaje de superación y libertad para las nuevas generaciones que han crecido con su música.

USB de Fred again..

Fred again.. por fin lanzó su tan esperado disco, cuyos singles han sorprendido por sus colaboraciones poco vistas antes en el panorama, además de crear un ecosistema donde el EDM y el drum and bass coexistieran de una manera orgánica y exquisita. El disco cuenta con participaciones de Baby Keem, Overmono, Gessaffelstein, Skrillex, Romy y muchos más.

Slow Burn (EP) de Baby Rose y BADBADNOTGOOD

Con toques de country, blues y rock, la cantante conocida por su papel en el soul, Baby Rose, se juntó al trío de jazz BADBADNOTGOOD para estrenar este fascinante EP que captura la esencia de ambos mundos musicales colisionando en un viaje delicioso lleno de confort y tranquilidad.

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Bu Cuarón lanza su primer EP Drop By When You Drop Dead, un retrato de versatilidad

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Bu Cuarón

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con rolas en inglés y español. Hoy nos preparamos para un estreno que nos mostrará la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó hoy su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos.

El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

“Este EP es un mosaico de sonidos y emociones, un poco caótico pero auténticamente yo, es como ir quitando capas para revelar cada matiz de mi identidad musical, cada pista una faceta diferente de mi expresión artística.” comentó Bu Cuarón.

Desde el lanzamiento de “Psycho” en 2019, Bu vuelve a la producción musical con Drop by When You Drop Dead; el EP es una colección de seis temas que muestran los años de evolución y experimentación musical de Bu. La mayoría de las letras son composiciones en inglés, sin embargo, la integración de temas escritos en español e italiano son un reflejo de la visión cultural y del apego por sus intereses dentro de la creación musical.

Bu fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Previamente Bu Cuarón también había estrenado el video de la canción Viceversa, el cual contó con la colaboración del mismísimo Emmanuel Lubezki (colaborador habitual de su papá y ganador de tres Oscar a Mejor Fotografía) como director de fotografía del clip. En este visual, dirigido por la propia artista, aparece cantando la canción mientras flota en el mar con un bote, reafirmando el toque dramático de la letra.

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Arte

WARP Tour presenta Damien Hirst en el Museo Jumex: Apocalipsis Ahora

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Visitamos la recién estrenada exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México y esta fue nuestra experiencia.

El hombre en el elevador que nos subirá al inicio de la exposición se dirige a todos con un entusiasmo sospechoso. Nos exige responder a gritos y con el mismo nivel de energía para confirmar que hemos escuchado sus indicaciones. 

Es un augurio de lo que se avecina.

Una superestrella para celebrar los diez años de un Salón de la Fama 

En el título de este texto se promete una cosa; pero lo cierto es que, al menos ante estos ojos, lo más importante de la exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México no son las piezas por sí mismas, sino lo que éstas ocasionan. 

Porque de la curaduría y la museografía de Vivir Para Siempre (Por Un Momento) las conclusiones -como ya nos tiene acostumbrados dicho recinto- son contundentes y directas: una exposición retrospectiva de un artista consagrado y muy mediático que funciona como recopilación de Greatest Hits, en teoría capaz de estimular al juicio casual y al experto.

Pero ahí está la clave: la estimulación. Justo después de abandonar el elevador del hombre sospechosamente enérgico, el público se apura como hormigas que han encontrado una dona abandonada.

Inundan la sala e ignoran todo orden recomendado, incluso sin darse cuenta de la existencia de los textos curatoriales.

De inmediato, la exposición cumple su primera gran promesa: La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo aparece al centro de la sala, la célebre pieza del artista británico que pone el cadáver real de un tiburón dentro de una suerte de cápsula rectangular con una construcción que da la impresión de que el animal está vivo y lo vemos dentro de una pecera.

Se hacen filas para tomarse esa foto en la que simulan que el tiburón está a punto de arrancarles la cabeza. 

Una vez cumplida la misión, esa gente empieza a ver a su alrededor, curiosa de descubrir al famoso tiburón. Más animales que simulan estar vivos. Anaqueles de consultorio médico con utensilios impecables. Más tiburones, ahora partidos a la mitad para verles las tripas opacas al descubierto. Un muro gigante que simula millones de diamantes y que bien podría ser un escaparate del Palacio de los Palacios.

Todo al mismo tiempo en todas partes. Y la gente responde: empieza a caminar más rápido, con una postura agresiva, escaneando las obras de arriba hacia abajo sin pasar más de tres segundos frente a ellas. 

De hecho, sólo aquellas sobre animales ex-vivos y alguna que otra con movimiento generan atención real. Las demás, por su carácter tan aparentemente cotidiano, son testigos del desprecio de la audiencia.

Tik Tok en la vida real.

En la segunda sala se repite la dinámica. La gente se mueve en el espacio cada vez más rápido. Se hacen pequeños tumultos en algunas piezas. Hay fascinación, confusión y hasta asco. 

Ahora son los ceniceros gigantes los que que ganan la carrera de la atención. La continuación de la serie Natural History de Hirst no tiene el mismo éxito que el tiburón porque ahora se trata de una vaca y ver a la vaca abierta exactamente por la mitad nos recuerda que apenas el domingo pasado nos comimos esa misma “pancita” en un caldo picoso y colorado. 

Sus ojos abiertos y esa lengua salida nos hacen sentir culpables.

Y entonces, un paréntesis para sí retomar el eje discursivo en la obra de Damien Hirst: la vida y la muerte, la convivencia con el caos, los destinos inevitables… El respeto equitativo por las sensaciones satisfactorias y las incómodas.

La crítica a nuestro especismo no es el único señalamiento que hace Hirst y tampoco el único que ignoramos: arriba, en la sala que abre el recorrido, también fuimos indiferentes a las reflexiones sobre la salud mental, el consumismo desmedido, a nuestra priorización de la estética por encima de la empatía y a nuestro rechazo por lo simple.

Hacia la última parte del recorrido, vemos la faceta plástica más tradicional de Hirst, enfocada en la pintura y la escultura.

Hay menos piezas que en las primeras salas. La mayoría, caracterizadas por su naturaleza grotesca e intimidante que acentúan la imperfección de los humanos, tanto por dentro como por fuera. 

Ahora el show se lo roba el escenario: un balcón con vista al glamoroso Polanco, con todo y la postal siempre llamativa del Museo Sumoaya de fondo. 

El escándalo promovido por aquel hombre en el elevador ahora es nada entre los sonidos de los coches que van de un lado a otro en esta zona de la ciudad. 

Independientemente de lo relevante que es tener una exposición de este calibre de un artista como Damien Hirst, Vivir Para Siempre (Por Un Momento) es una analogía del apocalipsis que hemos decidido ignorar para que nuestra propia destrucción sea menos hostil.

Tras darnos cuenta que nuestro final no será vía aquel cataclismo absoluto de corte hollywoodense sino a través de una agonía prolongada en el despojo de lo más elemental, cualquier cosa es placebo.

Y esto no es una diatriba contra las fotos ni contra la hiper estimulación que nos ha quitado nuestra capacidad de atención… Esto, es un llamado de emergencia.

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