Connect with us

Cortes Selectos

Techno Japonés: secuencias del sol naciente

Publicado

el

El techno de Japón se ha convertido en uno de los sonidos más propositivos del siglo XXI, así como en su momento lo fue la escena de Detroit y la escena de Berlín, el país del sol naciente tiene muy bien ganada su reputación dentro de la historia reciente, moldeando su sonido, y revolucionando el género a través de grandes artistas y productores.

Durante estas dos últimas décadas, la cultura dance en Japón ha cobrado gran importancia para el circuito underground de la sociedad, ofreciendo oportunidades y diversidad a la vida nocturna y a la vida de clubes. Su sonido tiene una esencia de raíz muy marcada y sobre todo muy poderosa, produciendo así, algunos de los talentos más radicales de la música electrónica.

Orígenes 

Con el paso del tiempo algunos se han referido a la escena como J-Techno, y empezó a gestarse y tiene sus orígenes en la década de los 90 aunque de manera muy sigilosa. Sus características principales son los orígenes del techno de Detroit y Berlín o al menos esa aura combinada con pasajes ambientales, armonías trance por momentos, y por supuesto un toque propio único de la cultura tradicional nipona.

Si bien el techno había existido en Japón por un tiempo durante los 90, la escena techno japonesa tal como la conocemos hoy es comenzó alrededor del año 2001 con la icónica serie Future Terror Party del legendario, icono e institución del techno, el gran DJ Nobu. Una fiesta que rompió todos los paradigmas y que llevo nuevos sonidos a la ciudad, una fiesta que hasta el día de hoy se sigue celebrando.

La revolución del terror

La Future Terror Party surge como una antítesis de la escena de los clubes en Tokio de principios de siglo, DJ Nobu explica que en esa época las fiestas estaban dominadas por fiestas muy comerciales con música miantream sin sentido, y su respuesta a eso fue que en las fiestas sonara música con mensaje y de una esencia más cercana al techno en lugar de doblegarse a las tendencias actuales.

La fiesta fue un éxito y contó con la participación del propio Nobu junto a DJ locales. Desde sus humildes comienzos en un pequeño club de Chiba, se ha extendido por todo el país, generando un festival Future Terror en la prefectura de Yamanashi e incluso en Hokkaido. Actualmente otro DJ, Haruka, dirige la fiesta con él.

Los invitados habituales de Future Terror también empezaron a destacar y a ganarse su reputación, tales como los nombres de Iori y Wata Igarashi, ambos estandartes importantes de la escena techno japonesa.

Audiencia global 

Con todos estos puntos conectándose, Nobu reconoció la importancia de atraer a una audiencia global, por lo cual aprendió a hablar inglés para poder difundir sus fiestas y así logro llegar al panorama internacional y comenzó a tocar en los clubes de techno más grandes del mundo como Berghain.

La evolución del techno japonés llego al siguiente nivel cuando DJ Nobu formó su propio sello: Bitta, que defendía el sonido techno japonés. Su primer lanzamiento fue un Ep con dos canciones, una de él y otra de su amigo Iori.

Iconos del género 

Desde entonces y durante estos últimos años la escena techno japonesa está en constante cambio y evolución y cada vez exportan más DJs a los distintos rincones del techno del mundo, incluyendo México y Latinoamérica, se ha fomentado una excelente cultura que ha ganado muchos seguidores, y eso no sería posible sin los siguientes protagonistas, además de los ya mencionados.

Takaaki Itoh

Pionero de la escena electrónica musical, es reconocido como el principal exponente del Techno japonés vanguardista. Comenzó su carrera como organizador fiestas de Techno en los años 90; pero su estilo único cautivó al público europeo, lo que le valió la reputación de ser “el DJ japonés de Techno underground”, mote que lo llevó a recorrer todos los clubes míticos del orbe.

Estableció su propio sello discográfico –Wols– y se ha presentado ampliamente en Europa, Asia y América, además de colaborar con destacados artistas como Gennaro Le Fosse y Oscar Mulero.

Te presentamos la entrevista exclusiva que Takaaki Itoh brindó para WARP y CommonSense Records:

DJ Nobu

DJ y productor, y una figura de culto en la escena electrónica global con el estandarte japones muy en alto, con una capacidad real de dibujar y crear sus propios espacios sonoros y con una identidad única. Sus Dj sets son como una catarsis divina y su importancia para esta cultura la explicamos durante este artículo.

Wata Igarashi

Wata Igarashi ha desarrollado un sonido propio y contundente. Combina la euforia y lo psicodélico, una conjugación sonora en la que destaca su música con estructuras cristalinas y una intensidad resplandeciente, el enfoque de Igarashi es aquel que estimula el cuerpo y la mente, al generar energía y comunión.

La visión distintiva del techno de Igarashi se muestra a través de una serie de EPs en Midgar y The Bunker NY, así como en Semantica, Time to Express y Bitta.

Los destacados remixes de Aurora Halal, Volte-Face y Prins Thomas han demostrado aún más su talento como productor. La misma mentalidad hace aparición en sus presentaciones, ya sea en un DJ set o en un live show, su control de frecuencias e intensidades da forma a la pista de baile mientras explora las dimensiones más psicodélicas del Techno.

Te presentamos la entrevista exclusiva que Wata Iagarashi brindó para WARP y CommonSense Records:

Ken Ishii

Ishii es actualmente no de los compositores más innovadores y experimentales que han dejado huella en la escena internacional. El impacto de Ken se debe a que apareció en un momento en que Japón aún no estaba en la encrucijada donde todo lo relacionado con el techno se unía.

El sonido de Ken, que ya publicaba temas en el sello de culto R&S desde 1994, pronto rompió los confines de una audiencia especializada y conquistó al mundo, recibiendo el apoyo de artistas de talla mundial como Dave Clarke, Luke Slater, Thomas Schumacher y muchos otros. más.

Ken Ishii es un vanguardista rebelde peor cauteloso a la hora de producir, su forma de crear música y de presentar dj sets, son una experiencia absolutamente conmovedora.

Haruka

Haruka, residente desde hace mucho tiempo y coorganizador de la legendaria fiesta Future Terror, la reputación de Haruka en Japón también le ha llevado al éxito en el extranjero, a reservas periódicas en toda Asia y a actuaciones en lugares emblemáticos de Europa.

Además de proporcionar mezclas a varios medios musicales para mostrar su sofisticada selección de techno, Haruka también lanzó su sello llamado Protection para explorar los márgenes entre la pista de baile y la música contemporánea.

Su propuesta que conjuga lo más vanguardista del techno con la vieja escuela gracias a sus amalgamas sonoras dinámicas y sorprendentes. Sus sets son un viaje sonoro psicodélico en los que la pista de baile se transforma en una película de ciencia ficción compleja y oscura.

Su historia se remonta a la ciudad de Yamagata en Japón, en donde la mancha urbana convive con la naturaleza en un vínculo lleno de intimidad que invariablemente influenció su estilo para tocar.

La manera en que produce paisajes sonoros tribales y épicos lo ha llevado a tocar en las fiestas underground más importantes del mundo, bagaje que ya lo tiene como uno de los pioneros de la próxima gran revolución del Techno.

En la actualidad, continúa contribuyendo a la comunidad nipona brindando un espacio donde la gente puede reunirse y compartir experiencias musicales únicas, y lo mejor de todo es que podremos experimentar su esencia y figura en carne propia cuando nos visite este fin de semana en CDMX, este viernes 5 de abril en Motolinia 33, dentro del Centro Histórico de la CDMX.

Este viernes 5 de abril viviremos la décimo quinta edición de MENTAL. el concepto con casi 4 años de historia que prioriza la obra artística a través del sonido, enfocada en la expresión auditiva curada 100% por Alejandro Franco y producida por CommonSense Records; y en la que se invita principalmente a talentos relacionados con la producción e industria del Hypnotic/Mental Techno.

Puedes conocer más sobre MENTAL. y la visita de Haruka en este click.

Cortes Selectos

WARP Presenta Entrevista con Apocalyptica: cerrando un círculo místico con Metallica

Publicado

el

Por

Esta es una entrevista cargada de sentimiento, memorias y perseverancia. Han pasado más de 30 años desde que Apocalyptica se formó y como toda nueva banda tenían un sueño y una banda a quien miraban como referente. Tocar covers de Metallica los puso en el mapa mundial y hoy ese círculo se cierra de manera increíble, logrando que James Hetfield, Rob Trujillo y Cliff Burton (en espíritu) colaboren en su nuevo álbum ‘Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2’.

Apocalyptica nunca ha traicionado su espíritu y mejor aún, han innovado con los años, añadiendo baterías, cantantes e incluso guitarras para seguir desarrollando un sonido cuando sea necesario y llenando sus composiciones al siguiente nivel.

Actualmente siguen siendo un referente del metal global, y siguen celebrando grandes shows alrededor del mundo con una base de fans que se ha mantenido leales y constantes y que siempre responden a un nuevo llamado.

Y este nuevo llamado es realmente especial, ya que cierran un circulo desde donde todo comenzó, logrando que el mismísimo James Hetfield, Rob Trujillo y una colaboración espiritual con el fallecido Cliff Burton, cobren vida y sea una realidad que ha dejado contentos a todos los fans.

Es una etapa de ensueño para la banda y platicamos acerca de ello con el gran Perttu Kivilaakso, en done también nos contó por su gran amor por la Ciudad de México en donde han hecho giras sold out.

Felicidades por el nuevo disco, ¿qué tan difícil fue escoger las canciones que formarían parte de Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2 y como fue el proceso?

“Perttu: Todo sucedió hace como un año de que empezamos a platicar sobre este proyecto, aunque en realidad el proyecto como tal ha estado durante muchos años en nuestra mente, sobre todo porque aún existía una gran cantidad de canciones que no habíamos tocado.

Personalmente “Blackened” fue la primera canción que escuché de Metallica y me enamoré de ella para siempre, y desde que tenemos Apocalyptica soñé con algún día hacer una versión de ese tema.

Y ahora solo se sintió el momento perfecto, hemos estado de gira desde hace dos años y queremos seguir en ese ambiente, y pensamos en este disco que fue grabado en Los Ángeles, y nos tomó aproximadamente 3 meses, como de julio a septiembre y la producción estuvo a cargo de Joe Barresi, un excelente productor con el que ya hemos trabajado, tiene una mente muy creativa y es excelente descubriendo sonidos.

Volviendo al disco otra canción que era muy obvia es “Ride The Lightning” pero amo muchas canciones y hay muchos hits que tienen y que yo recuerdo siempre escucharlos de joven, y para esa selección escuché todos sus discos y para mi fu un viaje al pasado muy importante, despertaron varias memorias lindas en mí.

Yo siempre fui muy apasionado por la música y eso sigue existiendo en Apocalyptica, aun tenemos es pasión de seguir tocando canciones, así que es interesante porque tenemos esa pasión de la adolescencia, pero ahora en este disco hemos puesto todo lo que hemos aprendido durante todos estos años, la producción, la estructura y un sonido más distintivo, como usar los chelos y las posibilidades son infinitas. Todo fue más maduro.”

En el disco hay grandes colaboraciones y me gustaría empezar por la de Rob Trujillo en “The Four Horsemen”, es una bestia que domina su instrumento en el mejor de los sentidos. ¿Cómo fue el acercamiento con él y por qué escogieron esa canción en especial?

Perttu: Rob es uno de los mejores bajistas que han existido, su aporte a Metallica es muy grande y como persona es un fantástico ser humano, muy simpático y muy amable.

Básicamente queríamos que Metallica también se involucrara y fuera parte de esto a diferencia del pasado, que solamente trabajábamos en las canciones solos, esta vez nos acercamos a ellos para preguntarles si estaban interesados y la respuesta fue positiva.

Y entre esas conversaciones Rob sugirió que si en algún momento necesitábamos el sonido de un bajo el estaba más que contento de aportar y para nosotros fue un honor, nos voló la cabeza el solo hecho de pensar que alguien de Metallica trabaje con nosotros, y que venga al estudio y que haga su magia es indescriptible.  

“The Four Horsemen” era perfecta para el estilo de Rob y siempre he creído que los bajistas en la historia de Metallica han aportado mucho más que un simple acompañamiento, han aportado melodía y tácticas fenomenales, estamos muy contentos de que haya sucedido.”

Tienen otra colaboración mística y fantástica en “The Call of Ktulu” nada más y nada menos que con Cliff Burton en espíritu, evidentemente, lo cual se me hace un homenaje muy bello hacia su persona y hacia su legado, ¿cómo hicieron posible esta canción?

Perttu: Es alguna hermoso, me dan escalofríos cada vez que pienso en ello y la primera vez que escuché la canción terminada.

Nos mandaron un demo original de la canción que nos permitía trabajar y construir sobre las melodías de Cliff, sabes, dibujar nuestro mundo sobre ello, y sentirnos conectados, es una gran canción y como lo mencionas, tener esta experiencia en espíritu la verdad sí me hizo llorar un par de veces cuando estábamos terminando la canción.

Espero que también sea algo muy sentimental para los fans de Metallica y los nuestros y de todos los que siguen recordando a Cliff Burton, desde que se fue nunca lo he olvidado y su legado durará por siempre.

Esta es una experiencia que no olvidaré y es algo especial para todos que puedan escuchar de nuevo el bajo de Cliff en una canción y en una versión de Apocalyptica.”

Yo creo que sin duda los fans la van a amar, y es definitivamente la canción más espiritual de su nueva disco y por supuesto fue un detalle hermoso de su parte grabar esto. Y bueno, tenemos ya involucrados a Rob Trujillo y por otra parte a Cliff Burton y, por último, tenemos al legendario James Hetfield colaborando con ustedes, prestando su voz en una nueva versión del clásico “One”, que no solo es una de las mejores canciones de metal de la historia si no de la música en general, y esto definitivamente es un sueño para todos, y de cierta manera se cierra un círculo maravilloso para ustedes, ¿cómo pasó todo eso?

“‘One’ es una canción muy importante en mi vida, específicamente porque el ‘And Justice For All’ fue el primer disco que tuve de Metallica en mi vida, y por supuesto la primera vez que la escuché recuerdo haber perdido la cabeza, somo cuando sientes que estás escuchando la mejor música posible del mundo, era algo que jamás había escuchado antes.

Y por supuesto en 1998 ya habíamos hecho una versión de “One” pero siempre estuve repensando la idea de que debíamos llevar la canción a un punto cinematográfico, la canción en sí misma ya es así por sí sola, personalmente vienen muchas imágenes a mi mente cuando la escucho, para mí es música cinematográfica, y fue por eso que empecé a trabajar en una versión que fuera diferente a la de Metallica y a la nuestra que tuviera esos tintes épicos que un mundo como el cine te puede ofrecer.

La canción va creciendo cada vez más y más, y hay una gran orquestación al respecto e incluimos muchos sintetizadores, sonidos minimalistas cinematográficos y el sonido de explosiones, y este nuevo intro también fue pensando para llevarla al en vivo en un show, y al final quedó en una versión que dura casi 10 minutos.

Y eso no era todo, me parecía que el ingrediente final perfecto es que tuviéramos un narrador cinematográfico en la canción, que contará la historia sin necesariamente cantar, y es hí cuando pensamos en James Hetfield.

James siempre nos pareció el arquetipo ideal de músico con el que nos gustaría trabajar, es increíble en muchos sentidos, pero pensar que podría hacerse realidad era algo inimaginable.

Así que antes de tener esa posibilidad pensamos en muchas maneras de hacerlo, contemplamos tener a un actor/narrador con una gran voz que hiciera el trabajo y entre todo este proceso, James se enteró de lo que teníamos en mente y básicamente se acercó a nosotros, y literalmente nos dijo “hey, por qué no me lo han pedido a mí, creo que sería lo mejor” jajajaja.

Y fue algo mágico que James estuviera dispuesto a hacerlo, como lo mencionaste antes, es un sueño para nuestros fans y para nosotros, y evidentemente James tiene una voz increíble y sabe como usarla, tiene años de experiencia, incluso para esta parte del spoken word.

Definitivamente estamos orgullosos y espero que a la gente le encante la colaboración tanto como nos encantó a nosotros.”

Definitivamente, aparte el vídeo original fue muy impactante en su momento y cuenta una historia en particular, desde ese punto de vista, ¿cuál fue tu visión y manera de reinterpretar visualmente la canción para esta obra cinematográfica?

“Queríamos crear una historia pensada en un mundo apocalíptico en donde todo esta destruido pero al mismo tiempo que tuviera actores con una gran carga emocional, desde un punto humano, por ejemplo una de las protagonistas está en su casa esperando el regreso de alguien o esperando por algo, y por otro lado otro de los protagonistas nos lleva por tierras destruidas también quizás buscando vidas, o personas o su hogar,  pero el video no es así de claro, dejamos también un poco de misterio para que el espectador quede atrapado en esa experiencia.

Y por otro lado el vídeo también representa lo que es la guerra, que es algo salvaje, pero que al mismo tiempo todo ese escenario ya atmósfera te motiva a ir al límite para encontrar esperanza y la letra de “One” está construida para eso también, es perfecta.

Siempre hay un poco de luz cuando crees que todo está perdido, a mí en lo personal me encanta el cine de mundos apocalípticos, y curiosamente terminamos trabajando en el video de “One” con un tipo de Los Ángeles que ha hecho sonido para las películas de Marvel, así que fue una gran experiencia estar en el estudio con esta persona, con la que no estamos acostumbrados, fue algo de lo que aprendí mucho, en la parte creativa fue un desafío grandioso.

Y aunque al principio no se tenían planes de sacar un video esta era una oportunidad que no podíamos dejar pasar, tener a James y regalarnos una experiencia de esta magnitud tenía que suceder.”

Y hablando de fans, aquí en México tienen un sequito muy fiel y pasional y que se renueva cada que vienen, y la última vez tuvieron un tour prácticamente sold out por distintos estados, ¿cómo se sienten respecto a eso y cómo describirían esta relación que existe entre México y Apocalyptica a través de todos estos años?

“Es de lo mejor, a mí me encanta, la relación ha sido la mejor desde nuestros inicios, incluso México fue el primer país al que fuimos a tocar fuera de Finlandia y Alemania, nos abrieron las puertas de una manera muy hermosa y significativa y siempre nos encanta ir a tocar.

El último tour fue increíble, tocamos 15 conciertos por todo México, y sin duda puedo decirte que ha sido uno de los mejores tours que hemos tenido en nuestra carrera, porque por primera vez tocamos en ciudades a las que no habíamos ido antes fuera de la Ciudad de México, como Guadalajara y Monterrey, y todo es espectacular, nos encanta la comida, nos encanta el paisaje, es uno de los lugares más hermosos que existen, espero que podamos ir pronto ahora con este nuevo disco, me muero de ganas.

Estamos pensando en hacer una presentación especial en el Auditorio Nacional, aunque no es seguro, pero sé que estamos trabajando en ello apara poder lograrlo, ya sea ahí o en algún otro lugar porque ¡México es lo mejor!”

Continue Reading

Cortes Selectos

Sonidos del Futuro: Swaggerboyz, trap disruptivo con identidad zenteniall

Publicado

el

Por

Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Swaggerboyz.

Si hay algo que caracterice a la generación Z es su apego a los estímulos digitales, y no es por nada, pues muchos de los que nacimos después del año 2000 crecimos y hasta nos criamos de alguna forma con todo lo que teníamos al alcance de un clic. Esto no solo habla de una generación dependiente a la conectividad, sino también a un momento en la historia humana donde la identidad se ha regido en torno a estándares creados dentro de las sociedades digitales.

Hay quienes plasman esta identidad “zenteniall” a través de memes, maneras de conversar, formas de vida más concordantes con la poca preocupación y otros más que lo plasman en el arte. Y es el arte de los artistas zenteniall puede ser muy variado, al igual que toda la información que la generación procesa en su día a día en internet.

Existe un caso particular en la zona emergente argentina, pues dos chicos, Stiffy y Agusfortnite2008 (ese es su nombre artístico) rompen las barreras del trap convencional que se viene haciendo en su país para darle un sello distintivo con un único lema vigente: La diversión.

Música de ascensor

Swaggerboyz es un proyecto conjunto de los ya mencionados Agusfortnite2008 y Stiffy, dos jóvenes que trascienden el trap en una materia sonora más disruptiva y que realmente no sigue ninguna regla del género.

Con bases instrumentales cargadas de referencias a la cultura zenteniall, memes y lenguaje que solo existe en los canales digitales, Swaggerboyz crearon un universo tan peculiar como extraño en sí mismo, que ha causado el repudio como la admiración de muchos internautas. Y digo “internautas” porque este tipo de proyectos no podrían darse a conocer en otro lado por la naturaleza conceptual del propio proyecto.

Sean buenos o malos, porque aquí no estamos para definir eso, Swaggerboyz es la nueva forma de crear un trap saturado, enérgico y potente que, seguramente a modo de meme, conecta con una audiencia joven que solamente quiere alocarse y disfrutar del momento, y qué mejor que con un proyecto que “peca” de ser “fácil” material de consumo para los jóvenes más arraigados a la identidad digital.

Continue Reading

Cortes Selectos

Departamento de Justicia de Estados Unidos demanda para que Live Nation se separe de Ticketmaster por monopolio

Publicado

el

Se argumenta que Live Nation ha adoptado estrategias que afectan negativamente a la industria del entretenimiento en vivo, incluidos artistas, seguidores, lugares y nuevas empresas que buscan ingresar a la industria.

El Departamento de Justicia ha tomado medidas legales el jueves al presentar una demanda para desmantelar Live Nation. La acusación alega que la empresa matriz de Ticketmaster ha perjudicado a los consumidores y ha violado las leyes antimonopolio al ejercer un control excesivo sobre la industria de los espectáculos en vivo.

El caso, presentado en el Distrito Sur de Nueva York y respaldado por los fiscales generales de 29 estados y Washington, D.C., señala que Live Nation ha implementado prácticas que perjudican a todos los sectores de la industria del entretenimiento en vivo, desde los artistas y los seguidores, hasta los lugares y las nuevas empresas que buscan ingresar al negocio.

El fiscal general Merrick Garland afirmó en un comunicado de prensa:

“Live Nation ha basado su dominio monopolístico en conductas ilegales y anticompetitivas que afectan a los aficionados, los artistas, los promotores más pequeños y los operadores de locales. Como resultado, los seguidores pagan más, los artistas enfrentan restricciones en sus oportunidades de conciertos, los promotores independientes son excluidos y los lugares tienen menos alternativas reales en cuanto a la venta de entradas. Es momento de poner fin a Live Nation”.

Entre las acusaciones dirigidas contra Live Nation se encuentran las siguientes:

  • Ha colaborado con Oak View Group, una empresa de gestión de sedes, para persuadir a sus clientes a firmar acuerdos exclusivos con Ticketmaster. Oak View, cofundada por Irving Azoff, un influyente ejecutivo en el mundo del entretenimiento y ex presidente de Live Nation, supervisa numerosos estadios a nivel mundial. Hasta el momento, Oak View no ha respondido a las solicitudes de comentarios al respecto.
  • Ha intentado eliminar a la competencia en el negocio de la promoción de conciertos mediante intimidaciones y adquisiciones de grupos que percibía como una amenaza para sus intereses.
  • Ha establecido acuerdos “exclusivos” a largo plazo con sedes, impidiendo que estas busquen alternativas en la gestión y utilicen múltiples plataformas de venta de entradas.
  • Se ha posicionado como la plataforma de venta de entradas predeterminada para muchos artistas debido al control que Live Nation ejerce sobre una gran parte de las sedes donde desean presentarse.

Tanto Live Nation como Ticketmaster han negado las acusaciones de monopolio, señalando la creciente competencia en la venta de entradas en línea, especialmente en el mercado de reventa a través de empresas como StubHub y Vivid Seats. Además, Ticketmaster ahora ofrece este tipo de entradas.

Ticketmaster ha enfrentado críticas por parte de seguidores y artistas durante años, pero la controversia alcanzó su punto más alto en 2022 tras los problemas en la venta de entradas para la gira Eras Tour de Taylor Swift. Posteriormente, el Comité Judicial del Senado llevó a cabo una audiencia sobre el papel de la empresa en el sector de la venta de entradas.

La demanda presentada el jueves se suma a una serie de importantes iniciativas antimonopolio que se han llevado a cabo durante la presidencia de Joe Biden, quien ha hecho de la eliminación de supuestos monopolios una prioridad en su mandato. En julio de 2021, firmó una orden ejecutiva para fomentar la competencia. Entre las acciones más destacadas de este tipo tomadas por su administración, el Departamento de Justicia presentó una demanda en marzo contra Apple, acusándola de ejercer un poder monopolístico en el mercado de teléfonos inteligentes, una acusación que la gigante tecnológica ha negado.

Biden ha afirmado que, aunque es un “orgulloso capitalista”, cree que “el capitalismo sin competencia no es capitalismo, sino explotación”.

Aunque Ticketmaster y Live Nation se fusionaron en 2010, controlando aproximadamente el 70% del mercado de venta de entradas y de sedes para eventos en vivo, ambas empresas han disputado esa cifra.

Durante el último año, se han propuesto varios proyectos de ley para abordar las preocupaciones de los seguidores. La semana pasada, la Cámara de Representantes aprobó la Ley de Transparencia en las Tarifas de Venta de Entradas para Eventos Clave (Ticket, en inglés), que requeriría que los vendedores revelaran de antemano todos los costos y tarifas al poner las entradas a la venta.

Live Nation ha respaldado esta medida y ha expresado su apoyo a reformas en la venta de entradas, como la legislación contra los bots y la prohibición de la especulación de entradas.

Recientemente, más de 250 artistas firmaron una carta en apoyo a la Ley Fans First, presentada en el Senado en diciembre. Esta ley tiene como objetivo mejorar la transparencia de precios y la protección al consumidor, así como prevenir que los malos actores cobren precios exorbitantes. También fortalecería la Better Online Ticket Sales Act, aprobada en 2016 para prohibir que los revendedores utilicen software para comprar entradas al por mayor.

Dan Wall, vicepresidente ejecutivo de asuntos corporativos y regulatorios de Live Nation, respondió a las quejas sobre la venta de entradas y los precios en una publicación en el sitio web de Live Nation en marzo. Mientras tanto, los grupos de defensa del consumidor se mostraron complacidos a principios de año con la noticia de que el Departamento de Justicia planeaba demandar a Live Nation.

“El caso contra esta empresa resalta la gravedad de la situación y la urgencia de tomar medidas para proteger a los seguidores”, afirmó Mark Meador, presidente de la Coalición por la Equidad de los Aficionados y experto republicano en antimonopolio, en abril.

“Este será un paso crucial para responsabilizar a Ticketmaster y Live Nation por sus prácticas empresariales monopolísticas y anticompetitivas, que han minado la libre competencia en el mercado de la venta de entradas para eventos en vivo y han perjudicado a millones de seguidores”, agregó.

Ticketmaster ha defendido su posición argumentando que son los artistas y sus equipos quienes establecen las condiciones de distribución de las entradas. En su página web titulada “Verdades sobre la venta de entradas”, Ticketmaster explicó que los artistas son responsables de fijar el precio nominal de los boletos. Además, en colaboración con managers, agentes y promotores, son los artistas quienes deciden en qué lugares actuar, cuándo poner las entradas a la venta y cómo venderlas.

Respecto a las comisiones de servicio, tema que ha recibido numerosas críticas por parte de los seguidores, la empresa indicó que estas son establecidas por las salas, las cuales también se llevan la mayor parte de los ingresos. Ticketmaster afirmó que “una parte” de los ingresos de estas tarifas se destina a la empresa de venta de entradas y al pago de las comisiones de las tarjetas de crédito.

Continue Reading

Portada

Advertisement

Cortes Selectos

Copyright © 2023-2024 WARP Todos los derechos reservados WARP │ México. Para publicidad, acciones editoriales, producción, desarrollo y gestión de contenidos especiales: contacto@warp.com.mx Ir a Aviso de privacidad El uso y / o registro en cualquier parte de este sitio constituye la aceptación de nuestro Acuerdo de usuario y la Política de privacidad y Declaración de cookies. Sus derechos de privacidad basados en Ciudad de México. El material de este sitio no puede ser reproducido, distribuido, transmitido, almacenado en caché o utilizado de otra manera, sin acreditar la fuente.nea. Opciones de anuncios.