Entrevistas

WARP Presenta: Entrevista con Ramón Amezcua y Víctor Pichardo, ANCONADA y el devenir de la experimentación cósmica

Publicado

hace 2 meses

3 de agosto de 2023

Por

Rob

Ramón Amezcua (Bostich, Nortec Collective) y Víctor Pichardo nos entregan una de sus producciones conjuntas más ambiciosas y desafiantes en este momento de sus carreras. ANCONADA es sorprendente y es mágico llegar a pensar en cómo algo tan sencillo y humano sigue impregnado en nosotros y en la música que hace este par de extraordinarios productores, con el transcurso del tiempo, y de cada canción, llegamos a un punto en donde a través de nuestra mente podamos atribuirle emociones e interpretar lo que estamos escuchando como algo hermoso y disruptivo y disonante y cósmico a la vez.

Para Ramón Amezcua, se trata de un proyecto en el que él y Pichardo comparten sus “influencias musicales ligadas a la música clásica de compositores contemporáneos György Ligeti, Béla Bartók y Luciano Berio” y como es que mediante instrumentos analógicos y digitales, arreglos orquestales, improvisaciones y cálidas secuencias electrónicas que desplazan una carga de atmósferas y matices que producen un intenso viaje intenso sin regreso.

Para los que tienen la referencia, mucho de esta colaboración pareciera haber sucedido en el vacío del espacio, siendo la música un soundtrack alterno al filme “2001: A Space Odyssey” de Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick. Y esta referencia es oportuna, ya que el suspenso y especulación sobre el desplazamiento de la humanidad mediante tecnología de Inteligencia Artificial, es meramente superfluo al escuchar esta música creada por dos seres humanos. Anconada deja en claro que la tecnología nunca estará por encima del espíritu creativo de la humanidad.

Así que nos clavamos directo al corazón de estas composiciones y te compartimos en lo que terminó esta odisea musical.

Felicidades por este gran soundtrack de ANCONADA, más allá del nivel de producción y del proceso creativo, me gustaría saber, ¿cuál es para ustedes el corazón de este disco desde un punto de vista más humano?

Víctor: Fue algo curioso por que habíamos hablado sobre hacer algo más de improvisación y más libre, todo se fue canalizando más a un lado experimental, entonces cuando Ramón me manda la primera pista y va totalmente en ese camino y me gusta lo que escuchó por que se asemeja a lo que yo normalmente hago.

Entonces lo primero que pienso es que sí yo me voy en esa misma línea pues va a sonar muy parecido, ¿no? Y es cuando pienso en darle contraste, y en cuanto al lado emocional yo siempre busco eso, que el público sienta algo, lo que sea, por que cada quien lo interpreta a su manera, y en mi caso me deje llevar por lo que me gusta, es como si estuviera pintando una imagen.

Algunas cosas más espaciales, y algunas otras mas melancólicas, al menos esa fue mi percepción de cuando se terminó todo el disco.

Ramón: Coincido con Víctor, creo que todo se dio como una oportunidad de explorar algo mas abstracto, algo que tuviera más impacto, a veces lo mas popular se asimilia y se desecha que es lo que estamos viviendo hoy en día, peor mas que todo la eploracion de atmosferas, sonidos y disonancias o fuera de tono fue una oportunidad de aprovechar esas emociones y sobre ello generar un impacto más profundo en la gente que lo escuhe, a demás de que este material no solo iba a quedra como un registro digital, que se pierde fugazmente como lo que pasa en el streaming, entre tanto mar de lanzamientos, imagínate, creo que son como cuarenta mil estrneos de música electrónica diarios, jajaja.

Y creo que llevarlo al formato análogo de cassette, que puede parecer un formato obsoleto porque mucha gente ya no tiene casetera peor puede quedar como un registro interesante para la posteridad, y quizás en unos años adelante, en 10 o 20, la gente que lo escuche puede conectar con lo que estaba sucediendo en esta época. Fue un material lleno de emociones, cumplimos nuestro objetivo por esa parte.

Justo, creo que vivimos en una era super efímera, y yo también vengo de esta etapa en donde no existía el stremaing, y te daba más tiempo de concéntrate en lanzamientos específicos de artistas o de disqueras, y mi mayor reacción al escuchar ANCONADA fue eso, se siente una emoción, se siente un trabajo muy genuino y el punto alto del disco es la fusión de ustedes dos como artistas de la electrónica de Ramón y la música clásica contemporánea por parte de Víctor…

Ramón: Pues básicamente te diría que Víctor también es como yo, él también es de los pioneros aquí en Tijuana y su participación en este material fue un balance muy importante, y enriquecedor, más de mi parte por que con su aporte académico el disco se fortalece mucho.

Victor: De hecho, es algo curioso, porque nos han dividido, me he fijado que se menciona que somos distintos, pero tenemos muchos gustos similares en cuanto a la música clásica, por ejemplo, para este disco escuchamos mucho a Ligeti, nos encanta su trabajo. Y a pesar de que yo me he desarrollado mas en el mundo académico, la gente no sabe que también siempre me he dedicado a la electrónica, desde adolescente, incluso es curioso porque muchas de las cosas que hago son electrónicas, peor no suenan así. Un ejemplo es qu epodo usar el sonido de un violín, pero es totalmente sampleo y sintético, mi lado electrónico es un aparte fundamental de mi desarrollo peor esta bien que si de repente nos ubican como mundos diferentes no tengo problema. Incluso siempre ha estado esa broma en el aire de que somos hermanos por el parecido físico jajajaj.

ANCONADA le habla a la música de las esferas y tiene esta parte esencial del universo, y ciertamente escucho mucho de Ligeti en el disco, así como también cosas de la era kosmishe music alemana con gente como Klaus Schulze o Tangerine Dream, ¿cómo teletransportan estas influencias a su mundo creativo?

Víctor: En el caso de Ligeti me parece que su influencia está muy marcada en las primeras dos canciones, y siempre hablamos de él por que es famoso, pero también hay mucha influencia de un compositor italiano que se llama Giacinto Maria Scelsi y en cuanto a las secuencias electrónicas yo estuve escuchando mucho a Jean Michael-Jarre y Vangelis, y se plasma en el disco y también un poquitito de Ktaftwerk, los estuve escuchando mucho también. Creo que esas influencias al menos de mi parte fueron las que canalice en ANCONADA.

Ramón: Para mí 2001 Odisea en el Espacio, recuerdo que desde niño me ponía a bailar con mi hermana las melodías que venían en forma de vals, siempre se me hizo un disco muy adelantado a su época, y de música muy rara, muy sofisticada y muy compleja, no le entendía, peor me merco mucho y al marcar mi vida justo esa fue mi inquietud de buscar más, y durante esa búsqueda encontré a Bela Bartok que fue un compositor esencial de cuando tomé clases de piano.

También Kraftwerk y Tangerine Dream formaron parte de mi educación musical, tengo sus vinilos y se me hace música muy atemporal, que sigue sonando fresca hoy en día y eso se ve reflejado en el disco, desde las secuencias electrónicas hasta lo instrumental y lo experimental, por ejemplo, yo soy muy fan del grupo Nurse With Wound, que están enfocados al ruido y en honor a ese grupo está el nombre de nuestra canción “Nurse”.

Sin duda este proyecto junto con Víctor fue un gran portal para transmitir nuestras influencias, en ese sentido y quedamos muy satisfechos.

Genial, de hecho, cobra mucho sentido para mí ahora que lo mencionan, esta parte de ruido de Nurse With Wound y a lo mejor mucho de la serie Oxygene de Jarre. Por otro lado, ¿qué tan ambicioso fue este proyecto para ustedes desde el punto de creación? Lo digo porque hay canciones muy largas, que van desde los siete hasta los diez minutos de duración

Víctor: En cuanto a la duración de las canciones ese proceso lo dictaminó Ramón, por que el me mandaba las pistas con las improvisaciones y quedaban así, pero así fue genial, a mí me gusta mucho trabajar con obras de 10 minutos, y en aunto a las ambiciones, es curioso puesto que todo se fue dando de una manera muy organica, no le di muchas vueltas y no sabia en realidad en que iba a terminar todo, desde un principio no sabíamos bien por donde íbamos a dirigirnos y por otra parte, la labor de la composición es bastante artesanal, de mucha talacha, de simplemente sentarme a tener una idea que me dirija, cosas que ya hizo Ramón, y sobre eso dibujaba melodías, armonías y secuencias, así se fue trabajando todo eso, fue una gran interacción artesanal. En ese sentido todo fue muy libre. Yo en lo personal no me repito mucho.

Ramón: Fue un proyecto que evolucionó muy rápido, y se basó en la inestabilidad de este equipo tan viejo que tenemos en el estudio, desde los 70 y 80s, de esas décadas, y que en ocasiones te producen algún tipo de incertidumbre de no saber exactamente que es lo que sigue, y estas máquinas te dan tonos inestables y esto para Víctor fue un manjar porque él maneja la música micro tonal y yo por mi parte por la falta de control de este equipo tan viejo encontré muchas disonancias y sonoridades que no son convencionales que fui adaptando, pero no fue anda intencional, fue el sonido que obtuvimos nada más.

También sobre el proceso tuve un acercamiento con la gente de antimateria sonoro, este sello de música ambiental y experimental y me propusieron sacar un material de eso y justo cuando estaba con Víctor haciendo esto les mandamos el material, les encantó y se hizo buen equipo.

Yo creo que así tienen más valides los proyectos, que no se estén sobre produciendo y que no pierdan su esencia, todo fue muy espontaneo y autentico.

Y ya para terminar, me gustaría aprovechar esta oportunidad de platicar con ustedes, dos expertos en la materia musical, básicamente les tocó vivir la era de oro de la música electrónica cuando todo despegó, los inicios, han vivido cada avance tecnológico desde lo análogo, a lo digital y la era del streaming, estas revoluciones de máquinas como la TR-808, los sintetizadores Moogs, Ableton Live, y ahora estamos en esta parte de la Inteligencia Artificial, desde su perspectiva y tomando en cuenta esos factores, me gustaría saber, ¿en dónde se encuentra la música electrónica en este momento y hacia donde va? Si es que aún hay más portales por descubrir…

Víctor: Yo ya llegué a un punto en donde me enfoco en la tecnología y no en el resultado, soy un obsesivo de los plug-ins y de los softwares y veo que es lo que puedo sacra de ahí y aprovecharlo y siempre tengo referencias de compositores que he escuchado y no escucho mucha música nueva. Yo soy un clavado de la computadora y de la tecnología actual, me enfoco mucho en eso. Yo creo que la respuesta de Ramón estará mucho mejor enfocada a tu pregunta por que él tiene más experiencia en ese terreno.

Ramón: Yo creo que los avances en la tecnología te dan ideas nuevas, nuevas tendencias y a mí me tocó vivir esos avances justo cuando era ese paso entre lo análogo y lo digital, por ejemplo en Nortec fuimos de los primeros artistas que empezamos a regalar nuestra música en sitios como Napster, y de hecho nuestro eslogan era el “download es cultura”, y hubo mucha controversia, nos decían que como era posible que íbamos a regalar nuestra música, peor justo ahí es cuando ya no creíamos en la compañía y en nuestros sellos, no sabíamos cual era el futuro de la música y luego llegó el mp3 y el streaming, y ahora la inteligencia artificial en donde nos damos cuenta de que hay un bombardeo de herramientas que salen a cada instante, te ofrecen herramientas para diseño, para música, para todo.

La inteligencia artificial es un arma de dos filos, para la gente que está en un área de confort pues a lo mejor se le hace fácil tener todo ahí a la mano, y te hace tu trabajo, y te hace tu música de una manera automática, le puedes decir que te fusione norteño con electrónica, y te hace Nortec jajajaj. Y por otro lado la puedes tomar como una herramienta a la que te tienes que adaptar porque, si ahora son treinta mil estrenos diarios, el día de mañana habrá cientos de miles, entonces dentro de ese mar de producción va a ser muy difícil resaltar como artista, te vas a perder.

Aquí lo importante s tomarlo como herramienta y adaptarlo a tu trabajo, y darle ese sentido propio de identidad, porque lo que nunca va a morir es la cuestión humana, lo orgánico, el error, cosas que con cosas como al Inteligencia Artificial tienda a la perfección. Acabamos de ver hace poco que toda la gente en Instagram estaba posteando artes muy hermosos e increíbles generados por la IA peor que pasa hoy en día, te insensibilizan y ya no te impresiona, y eso va a pasar con la música o ya está pasando con la música, ya le ponen la voz de Michael Jackson a una de cumbia o escuchas Beethoven en norteño, ya no hay limites y no los habrá. Y cuando tú música tiene ese lado humano, será muy difícil que engañes a alguien.

Cortes Selectos

WARPPresenta: Entrevista con Alan Palomo, World Of Hassle y su nueva etapa

Publicado

hace 2 días

2 de octubre de 2023

Por

Salvador Medina

Alan Palomo, conocido por su trabajo bajo el alías de Neon Indian, se encuentra estrenando su álbum World Of Hassle y pudimos platicar con él al respecto. El inicio de una nueva etapa donde Neon Indian queda atrás y ahora bajo su propio nombre nos seguirá cautivando con su propuesta fresca y sumamente interesante, aportando arte al mundo como solamente él lo sabe hacer.

De forma festiva, alegre y enérgica, Alan Palomo rinde homenaje en World Of Hassle a la música ochentera como Talk Talk y Prefab Sprout en medio de grandes mezclas de sintetizadores, trompetas y ritmos upbeat que sin duda nos ayudan a pintar un gran día Nacido en Monterrey y criado en Texas, Alan siempre ha sido un gran exponente de la música disco, italo disco con french touch, ahora bajo su propio nombre nos trae una nueva colección de música después de 8 años de espera.

“Me siento increíblemente emocionado, me acuerdo cuando descubrí que el ciclo de prensa iba a empezar 4 o 5 meses antes del estreno del disco, en ese entonces sentía como si fuera una eternidad y ya de repente hemos llegado a este momento de ‘World Of Hassle’. Nunca pensé que iba a extrañar tanto estar de gira desde el covid, y de repente empiezas a soñar literalmente de que vas de una ciudad a otra, vas a tocar en Nueva York, en México, ya ahora es una realidad, y es algo increíblemente especial y más cuando en el 2020 no teníamos la seguridad si eso iba a continuar, pero finalmente aquí estamos de regreso después de 8 años.“

8 años de mucho aprendizaje, desde el VEGA INTL. Night School del 2015, su brillante tercer LP bajo el sobrenombre de Neon Indian, hasta llegar a ser al momento un músico que domina de mayor manera todo lo que hace, conceptualizando sus ideas y reinventando su brand. Una celebración acompañada de frases como “Esto no es un lugar, es un estado de ánimo” canta junto a Mac Demarco en su canción Nudista Mundial ’89, adornando todas esta grandes piezas con funk de alta categoría, percusiones, saxofones y demás arreglos extraordinarios.

“En esta ocasión como estoy sacando música bajo mi nombre y no como “Neon Indian”, quería lanzar unas cuantas canciones previas al lanzamiento como para que la gente se empiece a acostumbrar con el cambio y darles tiempo para que se den cuenta que es el mismo personaje de Neon Indian, pero ya listo para sacar discos bajo su propio nombre.“

¿Que tan complicado podría ser precisamente esta transición entre Neon Indian y sacar música bajo tu nombre?

“Definitivamente la transición me está costando trabajo porque en esta década nueva, la época del algoritmo que ahora estamos como atrapados en un “echo chamber”, es complicado descubrir música nueva en ese sentido, porque el editorial o la publicaciones que estaban enfocadas a música independiente para sobrevivir tienen que sacar las mismas grandes historias para generar clics.“

“Yo supe que me iba a costar trabajo, mi hermano siempre dice “la persona que fuiste hace 10 ya fue, ya no puedes ayudarlo, ya no existe”, pero puedes ayudar a la persona que vas hacer en 10 años, y que crees que esa persona te preguntaría para que hagas ahorita, y pienso que empezar a utilizar mi nombre es una manera de traer la marca o el brand de todo lo que hago bajo un mismo nombre, integrarlo todo, porque para sobrevivir hoy en día debes hacer un poco de todo, productor, compositor, dirigir, ser una personalidad, involucrarte en todo, en el arte y porque no esconderme tras un nombre sino ya ser Alan.“

¿Cómo fue para ti trabajar con artistas como Mac Demarco y Flore Benguigui en esta nueva etapa de tu carrera artística?

“Honestamente lo de Mac fue algo muy orgánico porque empezó todo cuando estaba haciendo unas grabaciones con mi banda y estaba buscando un piano en particular de los 70’s un Yamaha, y mi tecladista me mencionó que Mac tenía uno, así que me puse en contacto con él, nos invitó a grabar en su estudio y además de que nos dejó utilizar el espacio, terminó siendo el ingeniero así que fue realmente muy generoso con su tiempo y su talento y básicamente le presente la idea con esos tres puntos: primero te encanta México, segundo nunca te han escuchado cantar en español y tercero a los dos nos gusta el italo-disco, entonces porque no hacemos algo.“

“En el caso de Flore, fue una introducción con unos amigos de una banda que se llama Pearl & the Oysters, básicamente fue una reacción a que en los últimos años he visto que ha surgido una escena nueva en ese país de bandas nuevas como L’impératrice, La Femme, Lewis Ofman, Claire Laffut, me encanta como que encontraron su nostalgia para sus propios años 80’s y la influencia del french touch sigue ahí pero ya no son samples como Daft Punk, ahora están verdaderamente tocando la música y eso para mí fue algo valiente e increíblemente refrescante. Tu vas a ver en vivo a L’impératrice y es un gran espectáculo y esa oportunidad de grabar con ella fue algo increíble y surreal porque durante covid precisamente estuve escuchando mucho su último disco.“

En el pasado, Palomo empapaba su voz con reverberación y capas de texturas, dejando que los ritmos hicieran el trabajo pesado. En World of Hassle, su canto ocupa un lugar central y es un álbum donde además abundan los placeras más simples de la música.

¿Qué tan retador puede ser encontrar nuevos caminos de inspiración y comunicación para poder crear arte nuevo y lograr conectar con tanta gente?

“Mira, la verdad es que yo siempre tengo que curar muy cuidadosamente lo que estoy consumiendo cuando estoy grabando o componiendo, porque inevitablemente va ser parte de eso, películas que estoy viendo, lo que estoy leyendo, lo veo como algo post moderno. Grabar un disco como la forma que Tarantino hace una película, no esconde la referencia al contrario la celebra, y siempre estuve muy interesado en películas de los 80’s y 90’s porque todos los directores de la época tienen su propia versión de Nueva York, cada quién lo ve de forma diferente, su propio concepto y creo que este álbum es como un homenaje a eso.“

“Para World of Hassle en términos contemporáneos me estaba sintiendo como saliendo de covid y estabamos reintroduciendonos a mundo nuevo, raro, de alguna manera el mundo cambió y fue como imaginarlo como una publicación o una revista que está tratando de procesar esta información nueva y este mundo nuevo, es por eso que vez como nombres de artículos en la portada, pero también sí estaba influenciado por un cliché ochentero de las bandas de rock, de que tienes una crisis en tus 30 y tratas de hacer un disco influenciado por la nostalgia, o el jazz.“

Como fanatico del cine, y sobre todo del cine musical, de grandes puestas en escena donde el arte expresa a traves de la música, lo que se ve, la atmosfera que se crea alrededor, esto ¿Cómo crees que pueda repercutir en tu nueva etapa en vivo?

“Definitivamente en el estilo, si la banda ya estaba cansada de tener que vestir como les digo, creo que esta vez me van a odiar jaja. Pero para mí sí siempre debe de haber como un elemento visual, vez épocas icónicas de ciertos artistas y siempre creo que las épocas están muy marcadas como por la ropa que vestían, cómo interpretaban en vivo y eso definitivamente para mí es ahora como una época sofistipop, vamos a tener saxofonistas en algunas ciudades, cantantes de backup, no sé tu ves películas como de conciertos y quiero ofrecer un espectáculo a esos niveles, obviamente como a mi presupuesto jaja porque quizá nos vaya a costar un poco de tiempo, una gira o dos para verdaderamente hacerle saber a los fans que estoy aquí, presente, quiero un show de calidad.“

¿Qué representa para ti la música y poderla compartir con tantas personas alrededor del mundo y además poder conectar con muchos de ellos?

“Definitivamente desempeño muchos papeles en todo lo que hago, el Alan que esta en el estudio, el que esta en el escenario y la relación que tiene con mi vida personal, estoy obsesionado con el trabajo siempre estoy haciendo algo, cuando no hago música dirijo videos, haciendo cortos, componiendo para cine o involucrado en otros proyectos. A mí me gusta más el estudio porque ahí es donde las posibilidades de la música están todas presentes, no hay algo más intimidante que una página vacía o una página en blanco, es donde están todas las posibilidades.“

“Ya para cuando llego al escenario es como el finish cut, es cuando la película llega al cine, ya para ese entonces ya no me pertenece a mí, sino cuando la gente empieza a interpretar como sus propios narrativos y encuentra su relación personal con la música, pero para mi la cosa más pura son esos momentos en el estudio, cuando empiezas a encontrar esa idea que te funciona y es para mí la definición de felicidad.“

“La felicidad no es algo constante sino algo como a lo que llegas y tiene sus propios momentos, y no hay nada más feliz como ver una idea que se está desarrollando en frente de ti.“

una gran colección de 13 himnos veraniegos repletos de sintetizadores, en donde Palomo muestra su increíble talento sobre instrumentales animados que encuentran consuelo en momentos explosivos de felicidad pop. En World Of Hassle, Palomo quería asegurarse de que nunca más olvidemos su nombre, y sin duda lo ha logrado.

Entrevistas

WARPPresenta: Entrevista con Matías Aguayo, contracultura y versatilidad musical como enfoque principal

Publicado

hace 7 días

27 de septiembre de 2023

Por

César A. Corro

La escena techno universal esta compuesta por un incontable número de artistas y grupos, que año con año se agregan a este exquisito género musical que durante los últimos años ha crecido de forma titánica. Matías Aguayo es uno de los proyectos musicales que desde hace poco más de 20 años es parte de ella, considerado como uno de los principales exponentes no solo del techno si no de la música electrónica.

Matías Aguayo, DJ y productor chileno-alemán, esta de regreso en suelo azteca con motivo de su Aguayofest, del cual nos contó todos los detalles al respecto, su reciente lanzamiento titulado El Camarón (2023), así como una recapitulación sobre lo mejor de estos últimos años de trayectoria musical compartiendo su música alrededor del mundo.

Aguayofest: diversas sonoridades en un mismo espacio

Hola Matías, veo que recién vas llegando a la Ciudad de México…Bienvenido. Este año (2023) ha sido el tuyo, debido a que recién lanzaste El Camaron (2023) un EP de remixes con elementos musicales muy variados, de igual forma hace unas semanas anunciaste Aguayofest el cual se llevará acabo el 29 de septiembre ¿Podrías contarnos de todo ello al respecto?…

Así es recién voy llegando al hotel, aún no hago ni el check-in (risas). Me siento muy bien a pesar de que los tiempos para la música electrónica se han vuelto complicados en muchos sentidos, estoy agradecido de poder estar haciendo muchas cosas, estar de gira y sumar nuevos artistas y gente al sello, ha sido muy bello ver esto.

Acabo de terminar un trabajo en el que trabajé en una obra de teatro en París, una antigua sala de opera legendaria por allá de 1900, en la cual estuve trabajando haciendo la música en el escenario a lado de la gran pianista clásica Gianni de Luca y gente muy talentosa en Francia, sumando a todo ello el Aguayofest. Este último proyecto es como un sueño para mí, debido a que arme un line up relacionado a mi historia musical y ofreciendo una alternativa a la gran dominante del mainstream.

Me imagino te tomo tiempo armar este line-up, al decidir quién entraba o quien salía, incorporando gente talentosa como Mabe Fratti y otros artistas. ¿Planeas extender Aguayofest para algunas partes de México, algunos puntos importantes del resto de país?

Eso no lo sé todavía, necesito ver la reacción del público en está primera edición. Existe la idea de ampliar de alguna manera este concepto en el que juntamos artistas que tienen algo en común pero no está tan definido a través del genero musical por decirlo de esta manera. Tenemos gente como Mabe Fratti que vienen en un contexto más experimental en conjunto con Justin Strauss que es uno de los DJs más antiguos que conozco y ha vivido toda la historia del dance en Nueva York, sumado a estos artistas se encuentra DJ Otto quién tiene un ritmo muy especifico del tribal que me gusta e inspiro mucho.

Esto que te comento es para que el público se de una idea de la variedad de géneros musicales que podrán encontrar dentro del Aguayofest, diversos talentos con diferentes toques y sonoridades musicales.

Experiencias musicales

Las experiencias son algo muy importante que nos marca a todo ser humano con el paso de los años, a medida que vamos viviendo y experimentando ¿Cuál consideras ha sido la mejor parte dentro de estos últimos años de trayectoria musical?

Lo mejor ha sido reinventarme y extenderme a otros lugares. Trabajar con diversos tipos de personas, salirme de la burbuja de lo que significa la electrónica, esto ha sido un elemento muy importante, son muchos encuentros musicales.

El rencuentro con Latinoamérica es otro de ellos, en el sentido de que yo me he concentrado mucho en estar presente en Chile, Argentina, Ecuador, Colombia y ahora en México con este festival. Siempre me encuentro tratando de reconstruir esta contracultura alternativa a todas estas tendencias tan comerciales, poder haber armado este circuito en Latinoamérica y tocar en lugares que no son tan obvios, cosechar los frutos de todo ello se siente muy bonito, es algo muy especial poder hacerlo y compartirlo con una comunidad de diferentes generaciones.

Aunado a todos estos logros también vienen diversos retos ¿Cuales podrías decir fueron los principales desafíos a los que te enfrentaste al hacer música?

Tuve mucha suerte cuando comencé hacer música, debido a que crecí en un contexto en donde uno podía operar bastante libre según yo. En mis comienzos no existía esa perspectiva profesional, que es la que ayuda a ir por ciertos caminos pero que también crea mucho miedo de experimentar, cumplir esas expectativas que se creen que la gente tiene.

Otro contexto muy importante es que nosotros no teníamos tanta música saliendo todo el tiempo, nosotros teníamos que inventar, experimentar y eso es lo que nos daba un poco más de libertad. Es importante mencionar que también me enfrente a limitaciones, había un techno muy rápido mientras que yo hacia algo más lento por lo que mi música nos encajaba, por ello hoy en día sigo creyendo en artistas que piensan y operan de una manera distinta, por lo que hay que ofrecer esos espacios que se oponen a una normatividad musical que siempre domina.

Es por ello que actualmente me encuentro trabajando en un enfoque comunitario que para mi es el sello discográfica titulado Cómeme, recién me está apoyando Paurro con todos los nuevos lanzamientos y proyectos. Eso es mi enfoque toda la gente y trabajo que esta por salir con este proyecto, es muy importante por ahí, además del tema de salir y buscar otro contexto fuera de los espacios comunes establecidos.

Cortes Selectos

WARPPresenta: Entrevista con The Blaze, un viaje etéreo y sublime al subconsciente

Publicado

hace 1 semana

25 de septiembre de 2023

Por

Salvador Medina

La música a menudo nos ayuda a expresar emociones y al mismo tiempo a liberarlas, quizá esa sea la premisa de The Blaze el virtuoso dúo musical francés de París conformado por los primos Guillaume and Jonathan Alric. Su música suele aparecer en grandes pautas publicitarias, y además son conocidos por sus producciones cinematográficas y la alta calidad de sus videoclips.

The Blaze actualmente se encuentra estrenando ‘Jungle’, su segunda producción discográfica conformada por una excelsa colección de 10 canciones que nos acelera el corazón a través de sus temas etereos y irresistible dinamismo. Un auténtico álbum creado para esos entrañables viajes nocturnos con amigos, o para aquellos momentos que nos marcarán con nostalgia para un eventual futuro, capaces así de crear imágenes a través de su música, una tarea nada sencilla pero que en este proyecto parece ser una cualidad implícita.

Habían mucho motivos de por medio que nos abrieron la oportunidad de platicar con uno de los proyectos más interesantes y prolíficos de la escena electrónica internacional. Sin duda no podíamos deja pasar la oportunidad de charlar además de su nuevo disco, sino de su magia visual e influencia cinematrografica, su próxima gira por México y hasta de “Amores Perros”, Jonathan con un fluido español también nos dejaba ver su gran habilidad con el idioma.

Jonathan Alric: “Estamos muy contentos de regresar. Cada que vamos, sabemos que tenemos una base de fans enorme ahí. Como yo soy mitad peruano y mitad francés, me gusta mucho ir a Latinoamérica. Sé que ahí siempre podemos comer muy rico y divertirnos mucho. Así que está muy padre poder regresar.”

The Blaze presentando su más reciente álbum ‘Jungle’, tendrán un gira en México donde primero estarán en Monterrey como parte de Live Out Festival el 21 de octubre, posteriormente el 22 de octubre se presentarán por primera vez en live act en Guadalajara en el marco de la tercera edición de Día de Campo, un festival diferente que marca un concepto fresco, rodeado de naturaleza, sustentabilidad y una sabrosa experiencia gastronómica. Finalmente estarán en Ciudad de México el 24 de octubre en el Pepsi Center.

Hoy estamos comenzando un nuevo viaje. Muchas felicidades por Jungle, es un gran álbum, un gran trabajo. Hoy, en esta nueva etapa de su vida artística, ¿Qué significa Jungle para ustedes, esta gran colección de 10 canciones? Cuéntenme poquito sobre el proceso artístico que siguieron para construir este gran álbum.

Guillaume Alric: “Qué representa para nosotros… Bueno, fue nuestro segundo álbum, así que para nosotros no fue tanto un reto, sino que, como el primer álbum, Dancehall, había sido exitoso, intentamos encontrar un nuevo sonido y encontrar una manera diferente de crear música. Por ejemplo, usamos muchos sintetizadores análogos y cosas así. Intentamos encontrar un nuevo sonido, canciones más para bailar, un sonido más adaptado a toda la parte en vivo. Así que este nuevo álbum fue un gran viaje de cinco años. Nos tomó cinco años producir el álbum.“

La música que conforma ‘Jungle’ tiene un dinamismo irresistible y, a menudo, sientes como si la música hubiera entrado en ti y estuviera masajeando tu corteza cerebral, que pareciera estar hecho para indudablemente disfrutarlo en vivo.

Es un gran álbum. Yo creo que la música contiene sueños y esperanzas. Siempre se han escrito historias a través de la música; es tan poderosa que tiene el poder de ser un lenguaje universal. Gracias por esta habilidad artística que tienen para generar música tan poderosa. ¿Qué significa para ustedes la música y el poder compartirla con tantas personas alrededor del mundo?

Jonathan Alric: “Es una pregunta muy grande“.

Jonathan Alric: “Yo creo que una de las partes buenas de ser artista es que generas arte para compartirlo con los demás. Así que, cuando tienes oportunidad de compartir lo que has hecho y la gente lo disfruta tanto como tú disfrutaste hacerlo, es un sentimiento muy interesante. Creo que intentamos que la música que hacemos con The Blaze contenga humanidad, como lo hacemos con los videos. Pero también intentamos que la música sea muy cinematográfica. El hecho de que intentamos poner sentimientos humanos en nuestra música es lo que hace… No sé decir esto en inglés, lo diré en español. Lo que hacemos con la música es intentar poner un montón de humanidad en las historias que hacemos, y todo. Y creo que es eso lo que le gusta y le habla a la gente que nos escucha, porque cada una de esas personas encuentra una parte de ellos mismos en nuestra música. Eso es lo que intentamos hacer con nuestra música“.

Guillaume Alric: “Es como un lenguaje sin palabras, de cierta manera. Expresar algo abstracto, como las emociones, pero sin palabras, solo con sentirlo. Así que sí, la música es una manera de lenguaje muy interesante, de compartir y expresarse; es muy universal.“

Yo creo que Francia ha sido un país que ha compartido muchísima música con nosotros. Ha marcado nuestras vidas a lo largo de ella. Ha habido grandes manifestaciones musicales que han provenido de ahí. Y creo que la escena francesa actual es increíble. ¿Crees que haber crecido en un ambiente musical tan prolífico influenció la manera en que trabaja la banda?

Guillaume Alric: “Cuando creces en un ambiente donde hay música muy variada, como lo es Francia especialmente, con tanta música, eso te inspira. Pero, honestamente, nos influencian muchísimos tipos de música. Por ejemplo, algunos ritmos los inspiramos en ritmos de Sudamérica. Tenemos algunos ritmos más o menos como salsa, pero lo tocamos con instrumentos electrónicos. Hemos obtenido inspiración de música de todo el mundo. Así que, claro que nos influencia la música que está cerca de nosotros, pero también la que está lejos.“

Sí. En Guadalajara van a tener oportunidad de bailar mucha salsa y mucha cumbia.

Guillaume Alric: “Sí, la cumbia es música muy buena. Nos encanta.“

Creo que la vida muchas veces trata de esos momentos importantes que marcan nuestras vidas, para bien o para mal. Buscando en las profundidades de su ser, ¿Hay algún momento clave que los haya marcado para convertirse en quienes son hoy? Ustedes son grandes músicos.

Guillaume Alric: “Para mí los momentos especiales que te llevan a elegir ser artista en tu vida son mucho sobre cuando la música te tocó desde niño. Para mí, quizá fue cuando era niño que vi a alguien tocando la batería frente a mí y me impresionó muchísimo. Fue la primera vez que sentí que quería tocar la batería y hacer música. Quizá tenía unos diez años, o algo así. Pero esa fue la primera vez que sentí que quería tocar un instrumento.“

¿Y para ti, Jonathan?

Jonathan Alric: “Para mí, son varias cosas. Yo diría que, del lado del cine, tuve la suerte de tener un hermano que también hace cine y siempre me ha empujado a… Me acuerdo cuando me mostró Amores Perros, de Iñárritu. Me quedé como “¡Fuck! ¿Qué es eso? Es demasiado intenso”. Y con eso, poco a poco, mi hermano me empujó a hacer cine. Y he hecho eso. Pero para la música es diferente, porque yo empecé con el cine, y siempre he tenido la suerte de escuchar mucha música de parte de mis papás. Por ejemplo, mi papá escuchaba mucha música clásica y yo me acuerdo que dibujaba historias de pequeño mientras escuchaba música, porque cuando escuchaba música me llegaban muchas ideas a la mente. Y eso fue el inicio. Lo que es interesante fue que no quería hacer ni cine ni música, más bien quería contar historias. Y las dos cosas me permiten contar historias a mi manera, creo.“

Es increíble, gracias por la respuesta. Es increíble que nos cuentes esto. ¿Es por eso que, a través de tu hermano, quizá tu proyecto musical, The Blaze, tenga una orientación cinematográfica?

Jonathan Alric: “Sí, sí. Porque estuve en una escuela de cine en Bruselas, así que fue muy importante para mí, siempre quise ser director de cine. Y después de eso, los videoclips me parecieron un medio interesante para empezar a hacer cine. Y tenía tantas ganas de hacer cine, que la gente dice que nuestros videoclips son muy cinematográficos. Porque yo no quería hacer videoclips como los de MTV donde solo aparece una chica linda o un chico cantando. Sino que buscaba algo más cinematográfico.”

Contar historias profundas.

Jonathan Alric: “Exacto.”

El cine francés también es increíble.

Jonathan Alric: “¡El mexicano es mejor! jaja”

Muchas gracias. Amores Perros es, quizá, una de las mejores películas en la historia del cine mexicano.

Jonathan Alric: “Sí, sí, es muy buena.“

Está increíble verlos pronto aquí en México. Su nuevo álbum merece alcanzar cada rincón posible del mundo. ¿Cómo se siente llegar tan lejos de su tierra, por ejemplo Guadalajara? Se ha creado mucha expectativa alrededor de este lujo de poder escucharlos aquí.

Guillaume Alric: “Creo que ya hemos ido a Guadalajara, quizá fuimos para un set de DJ. No recuerdo bien. Pero sí va a ser la primera vez que toquemos nuestro show en vivo. Siempre preferimos tocar en vivo para nuestro público. Así que no podemos esperar para estar allá y dar nuestro show en vivo a Guadalajara.“

Muchísimas gracias por venir. Yo vivo en Guadalajara, así que sería un placer verlos ahí.

Guillaume Alric: “Sí, también para nosotros lo sería.“

Última pregunta, Jonathan. ¿Dónde aprendiste a hablar tan bien el español? jaja

Jonathan Alric: “Porque mi mamá es peruana. Y viví un poco de tiempo en Perú, cinco años. Tengo a toda mi familia en Perú.“

¡Guau! Increíble. Tienes un universo multicultural en tu creatividad muy increíble.

Jonathan Alric: “Si claro, eso ayuda bastante con el arte y con todo lo que tiene que ver con eso; es algo que te inspira.“

Muchas gracias por su tiempo, ha sido un placer platicar con ustedes. Nos vemos pronto.

Guillaume Alric: “Gracias a ti.”

Jonathan Alric: “Gracias.“

Muchas felicidades por su nuevo álbum, ¡hicieron un gran trabajo!

Guillaume Alric: “Muchas gracias, hermano.“

Jonathan Alric: “Gracias.“

Un agradecimiento especial al equipo de Día de Campo por brindarnos la oportunidad de charlar con The Blaze. No te pierdas la tercera edición de uno de los festivales con mayor proyección en el país. Una fiesta de feliz melancolía y comunión, una experiencia audiovisual y de sabores. Un día (de campo) que durará toda la vida. The Blaze encabeza esta reunión donde todss son bienvenidss a disfrutar la música y celebrar la vida bajo el cielo abierto.

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