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WARP Presenta: Entrevista con Ramón Amezcua y Víctor Pichardo, ANCONADA y el devenir de la experimentación cósmica

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Ramón Amezcua (Bostich, Nortec Collective) y Víctor Pichardo nos entregan una de sus producciones conjuntas más ambiciosas y desafiantes en este momento de sus carreras. ANCONADA es sorprendente y es mágico llegar a pensar en cómo algo tan sencillo y humano sigue impregnado en nosotros y en la música que hace este par de extraordinarios productores, con el transcurso del tiempo, y de cada canción, llegamos a un punto en donde a través de nuestra mente podamos atribuirle emociones e interpretar lo que estamos escuchando como algo hermoso y disruptivo y disonante y cósmico a la vez.

Para Ramón Amezcua, se trata de un proyecto en el que él y Pichardo comparten sus “influencias musicales ligadas a la música clásica de compositores contemporáneos György Ligeti, Béla Bartók y Luciano Berio” y como es que mediante instrumentos analógicos y digitales, arreglos orquestales, improvisaciones y cálidas secuencias electrónicas que desplazan una carga de atmósferas y matices que producen un intenso viaje intenso sin regreso.

Para los que tienen la referencia, mucho de esta colaboración pareciera haber sucedido en el vacío del espacio, siendo la música un soundtrack alterno al filme “2001: A Space Odyssey” de Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick. Y esta referencia es oportuna, ya que el suspenso y especulación sobre el desplazamiento de la humanidad mediante tecnología de Inteligencia Artificial, es meramente superfluo al escuchar esta música creada por dos seres humanos. Anconada deja en claro que la tecnología nunca estará por encima del espíritu creativo de la humanidad.

Así que nos clavamos directo al corazón de estas composiciones y te compartimos en lo que terminó esta odisea musical.

Felicidades por este gran soundtrack de ANCONADA, más allá del nivel de producción y del proceso creativo, me gustaría saber, ¿cuál es para ustedes el corazón de este disco desde un punto de vista más humano?

Víctor: Fue algo curioso por que habíamos hablado sobre hacer algo más de improvisación y más libre, todo se fue canalizando más a un lado experimental, entonces cuando Ramón me manda la primera pista y va totalmente en ese camino y me gusta lo que escuchó por que se asemeja a lo que yo normalmente hago.

Entonces lo primero que pienso es que sí yo me voy en esa misma línea pues va a sonar muy parecido, ¿no? Y es cuando pienso en darle contraste, y en cuanto al lado emocional yo siempre busco eso, que el público sienta algo, lo que sea, por que cada quien lo interpreta a su manera, y en mi caso me deje llevar por lo que me gusta, es como si estuviera pintando una imagen.

Algunas cosas más espaciales, y algunas otras mas melancólicas, al menos esa fue mi percepción de cuando se terminó todo el disco.

Ramón: Coincido con Víctor, creo que todo se dio como una oportunidad de explorar algo mas abstracto, algo que tuviera más impacto, a veces lo mas popular se asimilia y se desecha que es lo que estamos viviendo hoy en día, peor mas que todo la eploracion de atmosferas, sonidos y disonancias o fuera de tono fue una oportunidad de aprovechar esas emociones y sobre ello generar un impacto más profundo en la gente que lo escuhe, a demás de que  este material no solo iba a quedra  como un registro digital, que se pierde fugazmente como lo que pasa en el streaming, entre tanto mar de lanzamientos, imagínate, creo que son como cuarenta mil estrneos de música electrónica diarios, jajaja.

Y creo que llevarlo al formato análogo de cassette, que puede parecer un formato obsoleto porque mucha gente ya no tiene casetera peor puede quedar como un registro interesante para la posteridad, y quizás en unos años adelante, en 10 o 20, la gente que lo escuche puede conectar con lo que estaba sucediendo en esta época. Fue un material lleno de emociones, cumplimos nuestro objetivo por esa parte.

Justo, creo que vivimos en una era super efímera, y yo también vengo de esta etapa en donde no existía el stremaing, y te daba más tiempo de concéntrate en lanzamientos específicos de artistas o de disqueras, y mi mayor reacción al escuchar ANCONADA fue eso, se siente una emoción, se siente un trabajo muy genuino y el punto alto del disco es la fusión de ustedes dos como artistas de la electrónica de Ramón y la música clásica contemporánea por parte de Víctor…

Ramón: Pues básicamente te diría que Víctor también es como yo, él también es de los pioneros aquí en Tijuana y su participación en este material fue un balance muy importante, y enriquecedor, más de mi parte por que con su aporte académico el disco se fortalece mucho.

Victor: De hecho, es algo curioso, porque nos han dividido, me he fijado que se menciona que somos distintos, pero tenemos muchos gustos similares en cuanto a la música clásica, por ejemplo, para este disco escuchamos mucho a Ligeti, nos encanta su trabajo. Y a pesar de que yo me he desarrollado mas en el mundo académico, la gente no sabe que también siempre me he dedicado a la electrónica, desde adolescente, incluso es curioso porque muchas de las cosas que hago son electrónicas, peor no suenan así. Un ejemplo es qu epodo usar el sonido de un violín, pero es totalmente sampleo y sintético, mi lado electrónico es un aparte fundamental de mi desarrollo peor esta bien que si de repente nos ubican como mundos diferentes no tengo problema. Incluso siempre ha estado esa broma en el aire de que somos hermanos por el parecido físico jajajaj.

ANCONADA le habla a la música de las esferas y tiene esta parte esencial del universo, y ciertamente escucho mucho de Ligeti en el disco, así como también cosas de la era kosmishe music alemana con gente como Klaus Schulze o Tangerine Dream, ¿cómo teletransportan estas influencias a su mundo creativo?

Víctor: En el caso de Ligeti me parece que su influencia está muy marcada en las primeras dos canciones, y siempre hablamos de él por que es famoso, pero también hay mucha influencia de un compositor italiano que se llama Giacinto Maria Scelsi y en cuanto a las secuencias electrónicas yo estuve escuchando mucho a Jean Michael-Jarre y Vangelis, y se plasma en el disco y también un poquitito de Ktaftwerk, los estuve escuchando mucho también. Creo que esas influencias al menos de mi parte fueron las que canalice en ANCONADA.

Ramón: Para mí 2001 Odisea en el Espacio, recuerdo que desde niño me ponía a bailar con mi hermana las melodías que venían en forma de vals, siempre se me hizo un disco muy adelantado a su época, y de música muy rara, muy sofisticada y muy compleja, no le entendía, peor me merco mucho y al marcar mi vida justo esa fue mi inquietud de buscar más, y durante esa búsqueda encontré a Bela Bartok que fue un compositor esencial de cuando tomé clases de piano.

También Kraftwerk y Tangerine Dream formaron parte de mi educación musical, tengo sus vinilos y se me hace música muy atemporal, que sigue sonando fresca hoy en día y eso se ve reflejado en el disco, desde las secuencias electrónicas hasta lo instrumental y lo experimental, por ejemplo, yo soy muy fan del grupo Nurse With Wound, que están enfocados al ruido y en honor a ese grupo está el nombre de nuestra canción “Nurse”.

Sin duda este proyecto junto con Víctor fue un gran portal para transmitir nuestras influencias, en ese sentido y quedamos muy satisfechos.

Genial, de hecho, cobra mucho sentido para mí ahora que lo mencionan, esta parte de ruido de Nurse With Wound y a lo mejor mucho de la serie Oxygene de Jarre. Por otro lado, ¿qué tan ambicioso fue este proyecto para ustedes desde el punto de creación? Lo digo porque hay canciones muy largas, que van desde los siete hasta los diez minutos de duración

Víctor: En cuanto a la duración de las canciones ese proceso lo dictaminó Ramón, por que el me mandaba las pistas con las improvisaciones y quedaban así, pero así fue genial, a mí me gusta mucho trabajar con obras de 10 minutos, y en aunto a las ambiciones, es curioso puesto que todo se fue dando de una manera muy organica, no le di muchas vueltas y no sabia en realidad en que iba a terminar todo, desde un principio no sabíamos bien por donde íbamos a dirigirnos y por otra parte, la labor de la composición es bastante artesanal, de mucha talacha, de simplemente sentarme a tener una idea que me dirija, cosas que ya hizo Ramón, y sobre eso dibujaba melodías, armonías y secuencias, así se fue trabajando todo eso, fue una gran interacción artesanal. En ese sentido todo fue muy libre. Yo en lo personal no me repito mucho.

Ramón: Fue un proyecto que evolucionó muy rápido, y se basó en la inestabilidad de este equipo tan viejo que tenemos en el estudio, desde los 70 y 80s, de esas décadas, y que en ocasiones te producen algún tipo de incertidumbre de no saber exactamente que es lo que sigue, y estas máquinas te dan tonos inestables y esto para Víctor fue un manjar porque él maneja la música micro tonal y yo por mi parte por la falta de control de este equipo tan viejo encontré muchas disonancias y sonoridades que no son convencionales que fui adaptando, pero no fue anda intencional, fue el sonido que obtuvimos nada más.

También sobre el proceso tuve un acercamiento con la gente de antimateria sonoro, este sello de música ambiental y experimental y me propusieron sacar un material de eso y justo cuando estaba con Víctor haciendo esto les mandamos el material, les encantó y se hizo buen equipo.

Yo creo que así tienen más valides los proyectos, que no se estén sobre produciendo y que no pierdan su esencia, todo fue muy espontaneo y autentico.

Y ya para terminar, me gustaría aprovechar esta oportunidad de platicar con ustedes, dos expertos en la materia musical, básicamente les tocó vivir la era de oro de la música electrónica cuando todo despegó, los inicios, han vivido cada avance tecnológico desde lo análogo, a lo digital y la era del streaming, estas revoluciones de máquinas como la TR-808, los sintetizadores Moogs, Ableton Live, y ahora estamos en esta parte de la Inteligencia Artificial, desde su perspectiva y tomando en cuenta esos factores, me gustaría saber, ¿en dónde se encuentra la música electrónica en este momento y hacia donde va? Si es que aún hay más portales por descubrir…

Víctor: Yo ya llegué a un punto en donde me enfoco en la tecnología y no en el resultado, soy un obsesivo de los plug-ins y de los softwares y veo que es lo que puedo sacra de ahí y aprovecharlo y siempre tengo referencias de compositores que he escuchado y no escucho mucha música nueva. Yo soy un clavado de la computadora y de la tecnología actual, me enfoco mucho en eso. Yo creo que la respuesta de Ramón estará mucho mejor enfocada a tu pregunta por que él tiene más experiencia en ese terreno.

 

Ramón: Yo creo que los avances en la tecnología te dan ideas nuevas, nuevas tendencias y a mí me tocó vivir esos avances justo cuando era ese paso entre lo análogo y lo digital, por ejemplo en Nortec fuimos de los primeros artistas que empezamos a regalar nuestra música en sitios como Napster, y de hecho nuestro eslogan era el “download es cultura”, y hubo mucha controversia, nos decían que como era posible que íbamos a regalar nuestra música, peor justo ahí es cuando ya no creíamos en la compañía y en nuestros sellos, no sabíamos cual era el futuro de la música y luego llegó el mp3 y el streaming, y ahora la inteligencia artificial  en donde nos damos cuenta de que hay un bombardeo de herramientas  que salen a cada instante, te ofrecen herramientas para diseño, para música, para todo.

La inteligencia artificial es un arma de dos filos, para la gente que está en un área de confort pues a lo mejor se le hace fácil tener todo ahí a la mano, y te hace tu trabajo, y te hace tu música de una manera automática, le puedes decir que te fusione norteño con electrónica, y te hace Nortec jajajaj. Y por otro lado la puedes tomar como una herramienta a la que te tienes que adaptar porque, si ahora son treinta mil estrenos diarios, el día de mañana habrá cientos de miles, entonces dentro de ese mar de producción va a ser muy difícil resaltar como artista, te vas a perder.

Aquí lo importante s tomarlo como herramienta y adaptarlo a tu trabajo, y darle ese sentido propio de identidad, porque lo que nunca va a morir es la cuestión humana, lo orgánico, el error, cosas que con cosas como al Inteligencia Artificial tienda a la perfección. Acabamos de ver hace poco que toda la gente en Instagram estaba posteando artes muy hermosos e increíbles generados por la IA peor que pasa hoy en día, te insensibilizan y ya no te impresiona, y eso va a pasar con la música o ya está pasando con la música, ya le ponen la voz de Michael Jackson a una de cumbia o escuchas Beethoven en norteño, ya no hay limites y no los habrá. Y cuando tú música tiene ese lado humano, será muy difícil que engañes a alguien.

 

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WARP Presenta Entrevista con Mon Laferte: independencia, designio de Dios

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Esta no es una entrevista convencional. En una época en la que parece que la única forma válida y relevante para hablar de un disco o un artista en su prime es desde la inmediatez, Mon Laferte y WARP han elegido tomarlo con calma para que uno de los discos más importantes de la Chilena-mexicana madure y vaya tomando su justo lugar en el tiempo y el espacio.

Autopoiética vio la luz a finales del año pasado y fue, quizá, el último blockbuster para la música en español en 2023. Un álbum contundente, ecléctico y con un mensaje claro de Mon a partir de su testimonio personal en este negocio: seguirán cuestionando los logros de las mujeres en la industria; pero son las mismas mujeres quienes deciden que deje de importar.

A cuatro meses desde dicho lanzamiento, Mon Laferte da un nuevo paso igual de trascendental: su regreso a la independencia como modelo de negocio. 

En ese marco y dentro del mes de la mujer, exploramos con ella Autopoiética, lo que ve ella de su carrera en retrospectiva, sus nuevas inquietudes artísticas y lo que cree sobre la manera de componer de las mujeres.

Por la manera en que se mueve el negocio ahora, pareciera que un disco que apenas tiene meses de vida en realidad tiene años de haber sabido. Autopoiética es quizá uno de los dos discos más importantes de tu carrera hasta el momento. ¿Cómo ha envejecido en tu cabeza como la creadora principal?

“Entiendo a lo que te refieres pero afortunadamente yo lo siento muy fresco todavía. Generalmente, cuando las artistas sacamos material llevamos trabajándolo desde años antes y al sacarlo puede que lleguemos cansadas de él, con ganas de ya pasar a otra cosa; sin embargo con Autopoiética todavía no me pasa.

Todavía disfruto al escucharlo y es la primera vez que me pasa con mis discos”.

Además ahora va a entrar en una segunda etapa de su vida porque vas a sacarlo de gira… ¿Ya llegaste a esta tentación de querer cambiarle cosas, agregarle, quitarle en el proceso de adaptarlo al en vivo?

“Aún no pero seguramente llegaré porque siempre me pasa. Te digo: todavía lo amo pero con las nuevas cosas que estoy escuchando, la manera en que funcione o no en los shows, ocasionará que me lleguen nuevas ideas sobre él y habrá cosas que sí modifique para las versiones en vivo. 

Es una etapa nada más. Tarde o temprano vuelvo a estar conforme y me convenzo de que si tome esas decisiones en el momento clave, fue por algo”

No conforme con iniciar la gira, acabas de sacar una canción inédita apenas unos meses después del disco, lo cual podría ser atípico a los ojos de muchas personas.

Sí; pero fíjate que no es en el afán de deslindarse de Autopoiética. Pertenecen al mismo universo sonoro, solo que la nueva canción explora otras latitudes de ese universo. 

Tiene texturas más oscuras y minimalistas. Está muy inspirada por el Trip Hop y la hemos sacado porque ahora soy artista independiente de nuevo y simplemente tenía ganas de hacerlo, sin tener que esperar al <<mejor momento>>”.

Justo hablando de tu independencia, ¿cuál es tu percepción actual de la Música y del negocio de la Música con toda la experiencia que cargas?

Pues creo que creo que llegamos al alcance máximo de lo que puede ser la democratización de la producción músical, y fuera de lo que pueda significar en términos de negocio, lo que creo que es realmente importante es que la gente tenga libertad de decir y hacer lo que quiera con el quehacer artístico.

Que obvio que en esa dinámica habrá cosas mejor manufacturadas que otras por el talento y los recursos; pero que exista la posibilidad de que cada vez más gente haga Música ya es valioso. 

Sí, claro, desde la independencia tocan hacer más cosas y cada vez tiene qué ver más con actividades fuera del trabajo de estudio y el escenario; pero si lo pensamos, siempre ha sido así, multidisciplinario.

Estoy segura que la mayoría de artistas musicales se inspira de otras cosas que no son la Música y es probable que así haya sido así desde que se instauró como una actividad formal.

Ahora la industria se ha metido en ese flujo creativo pero pues, eso lo que hace la industria siempre. Yo lo veo normal”.

Retomando algunas ideas de Autopoiética sobre la visión de las mujeres dentro de la Música, me gustaría preguntarte si tú consideras que existen diferencias entre la manera en que escriben ustedes y los hombres…

De manera concreta no sé existen diferencias como tal; pero seguro sí, y no solo entre hombre y mujeres sino entre mujeres blancas y racializadas, entre hombres cía y hombres trans… Recordemos que cada cabeza es un mundo y, por lo tanto, su composición también.

Obviamente hay virtud en hacer las cosas universales pero estoy seguro que, por ejemplo, hay elementos desde mi formación como chilena mexicana, que ahora es artista independiente, madre, etcétera, son particulares de mi escritura y que jamás van a abarcar 100% la realidad de alguien más porque es la mía.

¿Qué comes? ¿Dónde fue que creciste? ¿Eres devoto religioso? ¿Tienes buena relación con tu madre? Creo que esas preguntas definirían mejor nuestra identidad de composición”.

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Cortes Selectos

WARP Presenta Entrevista con Protomartyr: críticas, Tik Tok y Punk

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Por Melina Ángeles

No hay plazo que no se cumpla y antes de la primera visita de Protomartyr a la Ciudad de México, platicamos con la banda de Post Punk y Noise para hablar de cómo responder a las críticas, la manera en que las nuevas generaciones se acercan a la música hecha con guitarras y las expectativas sobre nuestro país.

Parece tan lejano aquel 2010 cuando Protomartyr se formó como una banda, desde entonces no han cesado de componer post punk de nicho y de ofrecerles al público verdaderas joyas musicales. Con seis álbumes de estudio, casi una veintena de sencillos y sus diversas presentaciones en NPR Music: Tiny Desk, KEXP y Blogothéque, Protomartyr ha construido una sólida carrera musical que le permite ser la influencia de nuevas generaciones.

Su más reciente álbum Formal Growth in the Desert (2023) fue lanzado en junio del año pasado bajo el sello Domino Records y tiene una duración aproximada de 37 minutos, además del increíble trabajo instrumental, algunos miembros de la banda estuvieron involucrados en la producción del mismo.

Originarios de Detroit, Joey Casey y compañía presentan una visión oscura e histriónica del mundo a través de sus líricas y guitarras estridentes. Protomartyr se ha caracterizado por ser una agrupación altamente crítica con los problemas del día a día, desde una relación de dos amantes o lo simbólico de las situaciones cotidianas hasta la desesperación que existe ante la inminente extinción de una especie como el tigre.

Tuvimos la oportunidad de platicar con Joey Casey, vocalista de la banda, previo a su llegada a la Ciudad de México; dentro del marco de la primera edición de Pitchfork Music Festival CDMX que se llevará a cabo del 3 al 6 Marzo en distintas sedes.

Casey nos contó lo emocionante que es para ellos tocar en vivo por primera vez en nuestra ciudad, algunas ideas iniciales sobre su nuevo álbum y las ventajas de la música on streamig para las nuevas generaciones.


¡Hola, Joey! ¿Como estás? ¿Cómo te está yendo?¿Qué tal tu semana?

Bueno, te diré… Ahora estoy en Detroit, está nevando y está muy frío. Estoy deseando ir a México”.

¿Puedes constarnos un poco sobre su nuevo álbum? ¿Cuál es la idea
principal? ¿De dónde proviene el título?


”Bueno, la idea detrás del disco era que habíamos salido de COVID y todavía éramos una banda, lo cual era sorprendente, y decidimos ir hacia donde nos llevara el espíritu y eso nos llevó a canciones que quizás eran más melódicas que las que habíamos hecho en el pasado.

Tal vez incluso algunas canciones más cortas que las que hemos hecho en los dos últimos discos, y simplemente hacer lo que nos diera la gana y esperar que sonara bien… Que a veces no es una buena manera de empezar un disco.

El título viene de un cuadro que me gustaba del desierto con unos burros encima y me gustan los burros, y pensé que encapsulaba el tema de pasar de la oscuridad y la tristeza de esos años bajo COVID a avanzar hacia algo positivo. Así que funcionó de esa manera”.


¿Cómo se sienten de ser parte de un festival como Pitchfork?

”Llevamos años intentando tocar en México y, en concreto en Ciudad de México, así que para mí es perfecto que por fin sea así porque con un festival, no llevas necesariamente todo el peso.

La gente puede venir a ver a otra persona y escucharte y puede que les gustes o puede que te odien, nunca se sabe. Muchos amigos de otras bandas han tocado en la Ciudad de México y dicen que el público es grandioso y la única vez que hemos tocado en México fue en Tijuana una vez hace años, y eso fue grandioso porque era un club punk más pequeño pero todos vinieron y fue una especie de agradable sentimiento de comunidad.

Y espero que sea así, pero a una escala mucho mayor. Y que la gente que tal vez
ha estado con nosotros durante años, va a decir: ¡oh, por fin están aquí! Así que es una, es una oportunidad. Es una oportunidad para nosotros”.


He escuchado que les gustan las películas… ¿Les gustaría hacer una banda sonora algún día?


”Creo que uno de nuestros sueños no cumplidos es poner la banda sonora a una película, y siempre lo digo, si necesitas una banda sonora y tienes dinero, llámanos por favor (Risas)”.


Me gustaría hablar sobre cómo manejan las criticas…


Tiempo pasado. Siempre dicen es lo mismo. Siempre. Bueno, por lo general lo que la gente en las bandas dice es: yo no leo los comentarios y no me afecta…

Te van a definir. Te van a decir cuál es tu sonido, lo sepas o no. Y lo que más odio es que recibimos críticas que dicen: <<Esto no suena lo suficientemente post punk>>
Y nunca fue nuestra intención sonar de cierta manera… Por lo general la definición de la gente de lo que es post punk es muy limitada, y voy a decir, bastante estúpida.

Así que me enfado bastante con las malas críticas, especialmente si están bien escritas, me las puedo tomar un poco mejor, como si tuvieran un buen punto de vista, porque a veces tienen muy buenos puntos de vista, pero muchas veces no, quiero decir, Internet no es el lugar más inteligente de la Tierra. Así que bueno, esa es la verdad, a veces las personas son crueles”.


¿Si pudieras cambiar algo sobre la escena Punk?¿Que sería?

”Bueno, soy bastante mayor, así que no me gustaría cambiar la escena punk, creo que debería ser principalmente para los jóvenes, así que no me gustaría cambiarla demasiado.

Así que, como viejo, digo, en cuanto a los jóvenes, ya sabes, a los jóvenes fans del Punk, que escuchen cosas nuevas. No, no solo escuchen cosas viejas y piensen en el canon o cuales son los cien mejores discos punk de todos los tiempos… Escucha cosas nuevas y raras”.

¿Cuál es el mayor reto a la hora de presentar su música a las nuevas generaciones?

Me siento mal por la generación más joven porque siento que había diferentes maneras (y todavía hay diferentes maneras si las buscas) de descubrir la música y ahora, parece que solo se limita a la transmisión.

Y no quiero ser esa persona mayor que dice: “están escuchando música en Tik Tok”. Ya soy lo suficientemente viejo para darse cuenta de que no entiendo muy bien. Y creo que los jóvenes saben más de historia de la música que nosotros.

Realmente pueden escuchar estos discos que eran muy difíciles de escuchar cuando yo estaba creciendo, hoy en día, puedes explorar toda la historia de géneros muy pequeños de forma gratuita. Creo que es una ventaja, y espero que salga buena música, porque estos chicos toman influencias de todas partes. Y por supuesto, espero que a ellos, les encante Protomartyr.

Pero no hay nada peor que una persona mayor tratando de cortejar o impresionar a los jóvenes. SÍ, Cuando eres joven no tienes la oportunidad de ir a todos los shows en vivo, es más accesible el streaming.

Sí, cuando estás creciendo, realmente no consigues, hay un montón de espectáculos a los que no consigues ir hasta que eres mayor y para entonces tienes que pasar todo el día trabajando.

Así que me gusta tocar en los espectáculos para todas las edades, ese tipo de cosas dan la oportunidad a la gente de que les gusta la música, de que vengan a verte”.

¿Qué es lo que más te gusta de estar de gira?

”Conocer sitios nuevos y probar comida, esa es una de las razones por las que seguimos de gira, nos encanta, nos encanta ir a nuevos lugares y ver cosas”.

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Cortes Selectos

WARP Presenta Entrevista con Royal Blood: Una nueva era para la banda

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Royal Blood el dúo formado en Worthing Inglaterra, han sido declarados por diversos medios especializados a nivel mundial como los salvadores del Rock.

Desde sus inicios en 2011 la banda se ha caracterizado por combinar Hard Rock, Blues Rock y Garage Rock en sus diferentes materiales de estudio que van desde su trabajo homónimo Royal Blood (2014) hasta su más reciente material discográfico titulado Back to the Water Below (2023) con el que han decidido experimentar diferentes sonidos y matices musicales.

Con motivo de este lanzamiento y su próxima visita a México platicamos con el dúo inglés, desde su estudio de grabación quienes nos contaron los por menores de este exitoso disco, el como tomaron un sonido diferente respecto a sus trabajos anteriores y los desafíos que han enfrentado desde la formación de la banda en 2011.

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