Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Patri.

Con apenas 25 años, y debutando recientemente, Patri es un proyecto originario de Guadalajara que plantea una ambición por parte de su intérprete, inspirándose en la libertad femenina, la pasión, la honestidad sonora y la autenticidad, valores que quedan de maravilla con su propuesta.

Patri es compositora y también cantante, iniciando su carrera musical con el single ‘Modo Miami‘, donde da el banderazo a un camino que, por lo que se escucha, estará potenciado por el sonido más característico del pop y electro-pop de los 80s.

Recientemente Patri estrenó su segundo sencillo, titulado ‘Sentir Lo Mismo‘, un track que explora la libertad sexual y emocional a través de sintetizadores y una producción arriesgada, cautivadora y frenética. Patri además mezcla los elementos ochenteros con un discurso actual que crean una narrativa envolvente para el escucha.

La tapatía busca crear música cargada de emociones complejas, orillándose por los estímulos más humanos como el amor y el desenfreno. Aparte el sonido que Patri utiliza es bastante llamativo, con una pisca de nostalgia ochentera y una pista enérgica de los años actuales.

Originaria de Colombia (Bucaramanga), Elsa Carvajal mejor conocida bajo el nombre de Elsa y Elmar es un proyecto que se ha ganado un lugar dentro de la industria musical debido a sus múltiples éxitos, letras y colaboraciones. Graduada en Berklee College of Music, su estilo musical es una mezcla entre el Synth Pop, Folk e Indie, características que la han llevado a posicionarse entre las principales listas de popularidad en streaming y por supuesto rodearse de un gran número de fans alrededor del globo.

A lo largo de su carrera Elsa, ha ganado el premio de composición en el concurso John Lennon Songwriting (2014), le ha abierto el concierto a Coldplay en Bogotá (2016) y en 2019 fue nominada a los Grammy como “Mejor Nuevo Artista”. Además de ello, ha colaborado con artistas de talla internacional como Francisca Valenzuela, Elliot Moss, Little Jesus y Jesús Navarro, entre muchos otros.

Recientemente la cantante estreno Palacio (2024), producción lanzada bajo la mano de Sony Music, acompañada de 12 piezas en las que aborda diversos temas de la vida cotidiana, vivencias y por supuesto colaboraciones musicales. De esta forma la artista de origen colombiano, se dio a la tarea de escribir un track x track en exclusiva para Warp, mostrando sus más profundas emociones dentro del texto.

Palacio

Palacio es una balada de amor para este nuevo año. Vulnerable pero poderosa. Sencilla pero con la capacidad de llenar totalmente el espacio vacío. Para amar a otros, hay que ponerse en primer lugar, y desde esa posición, compartir el mundo que vive dentro de cada uno de nosotrxs. Nuestro Palacio.

Drogada de emociones

El comienzo del amor es un momento lleno de emociones que corren x nuestras venas y llenan de color la vida con los tintes del amor y la atracción. En Tenerife espero al posible amor de mi vida. Musicalmente, esta canción es un momento para disfrutar totalmente y gozar el momento creativo y liberador que trae el amor.

Visto

Alvaro de Luna me acompañó en este tema que compusimos los dos y habla acerca de esta nueva sensación que surge cuando alguien que nos importa te deja en visto. Musicalmente los dos buscamos un loop casi mántrico que nos permitiera movernos por la complejidad de esta sensación.

Sé xq sé

Considero que para mí esta canción es una especie de neo-soul orgánico. Aquí exploro otra faceta de las situaciones ante las cuales nos vemos enfrentados en la actualidad: ver un celular y encontrar en este los mensajes y las pruebas a una infidelidad.

A Ella

Esta canción trata sobre la sororidad. Le hablo a la nueva pareja de mi ex pareja, y busco advertirle sobre los comportamientos que enfrentará de esta persona. En lugar de desearle algo malo, lo que busco es que sepa de mi experiencia para que no tenga que volver a vivirlo.

Lento Violento

En Septiembre de 2023 fui a España e Italia con 3 muy buenos amigos. Paseamos, comimos y compartimos el final del verano. Lento violento es el género que Gigi de Agostino inventó y en honor a él le puse el nombre a esta canción. Habla sobre irse de fiesta a cualquier discoteca, besar cualquier boca, e imaginar vidas que no son la tuya.

Querer así

Palacio, explora la vida y la muerte y todo lo que sucede entre estos dos polos a nivel general. Aquí exploro tanto en la parte musical como en las letras la inminente realidad de que todas aquellas personas que queremos, morirán en algún punto. La sorpresa, el dolor y el amor son emociones que están presentes en esos momentos y por lo tanto en este tema.

Policarpa

Policarpa, fue mi perra, que partió de este mundo para permitirme seguir viviendo. Es una historia mágica que sucedió durante la grabación de Palacio. Yo no sabía que era feliz hasta que la vi partir.

Gracias smyav lqm!!!

Este interludio es privado y la voz en él dijo lo que yo quería.

Gigante

Este tema lo escribí en Madrid. Fue la última canción del disco que compuse. He admirado la escena musical de España por mucho tiempo, y me pareció un chistoso que la primera vez que tuve la oportunidad de sentarme a componer con Victor Martinez este haya sido el tema que surgió. Sentirme pequeña en un mundo de gigantes.

Ké maL

Pogo emocional. Punk espiritual. “Lo mejor es enemigo de lo bueno” puede verse de dos maneras: ya sea que lo que tenemos es suficiente, ó que a veces la mejor decisión es la más dolorosa.

Entre las piernas

Más de la mitad de la gente de este planeta sangra una vez al mes y nadie habla mucho de ello. Es por esta razón, que hace un tiempo, muy premenstrual y junto a Natalia Lacunza decidimos escribir esta canción.

Espera la entrevista con Elsa y Elmar próximamente…

Jon Hopkins es uno de los productores más sofisticados de la actualidad, su música sigue planteando nuevos retos en sus escuchas y ha sido una fuerza constante en la escena electrónica durante años, abarcando múltiples géneros y cruzando portales sonoros en diferentes territorios musicales junto con otros artistas, y por supuesto inspirando a otros. En esta entrevista tocamos a fondo el núcleo central de sus nuevas composiciones.

Jon Hopkins nos entrega RITUAL, su nuevo disco recién estrenado con grandes estados de ánimo musicales y con un ambiente melódico, contemplativo, sensible y efervescente.

RITUAL es un disco que ilustra perfectamente un punto calmante e inquietante en una noche llena de caos y todas las composiciones se sienten como un latido constante desde el corazón.

Respecto a eso, platicamos con Hopkins acerca de su proceso creativo, el arte en general, sus colaboradores, los retos que sigue viviendo, además de viajar al pasado para platicar sobre el décimo aniversario del icónico álbum ‘Immunity’, su relación con Brian Eno y música concreta experimental de compositores puntuales del siglo XX, además de sus recuerdos cuando visitó MUTEK MX en el lejano 2012.

Muchas gracias por esta plática Jon, es un lujo, y quiero felicitarte por el lanzamiento de este nuevo disco RITUAL, un nombre hermoso, sin duda. Me gustaría saber cómo fue concebido, ¿por qué proceso mental y creativo pasaste para llegar al final del viaje y sentirte feliz con el resultado?

La semilla de todo fue una instalación que sucedió en Londres en el 2022 llamada “Dream Machine”, que involucraba grupos de 30 personas alineadas en circulo y escuchando música con luces estroboscópicas y flashes en donde todo esto crea estimulaciones visuales en el cerebro de las personas. Yo fui el comisionado para hacer la música original de esa instalación y todo comenzó con una pieza musical de 15 minutos, y hace un año sentí que podía desarrollar esa pieza y convertirla en un álbum, claro que no quería hacerlo todo igual, quería hacerlo diferente, quería ver a donde me llevaba porque sentí que tenía mucho potencial.

Así que es por eso que invité a varios colaboradores a trabajar conmigo como 7RAYS, Ishq, Vylana y Cherif Hashizume, cada quien vino con distintas visiones y todo se gestó gracias a muchos jams y varias sesiones de improvisación. Yo les mandaba algo y luego ellos devolvían la grabación y agregaba cosas, hasta que 7RAYS venía aquí al estudio de vez en cuando a trabajar conmigo y después de 5 meses ya estaba terminado, no fue en general un proceso tan largo comparado con mis otros discos.

Fue como si se cristalizara esta estructura tan perfecta en donde creas un drone y luego trabajas en una melodía ambiental y luego alcanza un clímax más ruidoso o como quieras llamarlo, yo lo veo como esta idea de escalar una montaña y no ves llegar la cima peros sabes que hay una cima al final y tienes que seguir, y la recompensa al final es una cálida sección de ambient, eso es cómo describiría todo el proceso de RITUAL.

He visto algunas fotos en tu cuenta de Instagram sobre unas listening parties especiales del nuevo disco y todas en lugares de Sidney y Berlín con un ecosistema muy cultural, por así decirlo, ¿este nuevo tour está diseñado para lugares así al rededor del mundo?

No, para nada, no está diseñado para ninguna estructura en particular, pero sí me involucré mucho en ello, estas experiencias de escucha fueron como si estuviera escribiendo el guion de una película de algún modo, ¿sabes?

Lo platiqué con mi equipo y pensamos que algún lugar de la naturaleza con monitores estaría genial para la experiencia, pero lamentablemente concretarlo no era posible. Así que escogimos lugares que tuvieran esta parte de una experiencia con un sonido inmersivo en modo Dolby ATMOS que es como se grabó el disco, tiene muchos canales de sonido y la gente en realidad está ahí dentro del sonido siendo uno mismo, ese fue el criterio.

De lo contrario es como reproducir un sonido en mono-estéreo o escucharlo en tu sistema de audio en casa en Alta Fidelidad, no hay mucha diferencia, y a mí lo que me encanta es esta experiencia en donde la calidad de sonido importa mucho y es el único motor de enfoque y eso hace la experiencia inolvidable.

No habrá visuales, no es un show visual, si no que más bien queremos la que la gente pueda involucrarse con la música imaginándolos.

Siempre has sido un artista que se preocupa por el diseño de sus álbumes y vinilos, y en ese sentido siempre estás en un camino constante de innovación, ¿para este nuevo disco RITUAL cuál fue el motor de inspiración?

La idea del arte del disco se me ocurrió platicando con un amigo, y simplemente de ahí salió el título, lo anoté en una hoja de papel y me pareció muy apropiado y después empecé a diseñar la fotografía pensando en que el mundo está ahí y la luz cobra vida en el sentido de que para mí ojalá la música abra nuevos mundos en las personas, es al menos mi visión personal.

Y sobre los vídeos, en el que ya se estrenó básicamente quería de alguna manera traducir la música en forma de energía humana tal y como sale en el vídeo desde un punto artístico, es algo realmente extraordinario. Yo creo que la música solita dicta la forma y la dirección de todo esto y estoy muy complacido con el resultado.

Genial, me encanta tu trabajo, y la siguiente pregunta es desde una perspectiva muy personal, pero todo lo que haces en cuanto a técnica de composiciones exclusivamente me recuerda mucho a la escuela que dejaron Phillip Glass, Steve Reich, John Cage o Terry Riley y muchos más, ¿alguna vez te adentraste a este tipo de música?

Wau, es muy interesante, primero que nada muchas gracias por decírmelo, es un cumplido muy agradable, y sí, claro, no soy un experto en todos sus trabajos y es imposible recordar el nombre de todas las composiciones, pero recuerdo haber estado en el colegio y escuchar algunas piezas de Phillip Glass y quedar muy intrigado, sobre Steve Reich cuando escucho sus composiciones más famosas ahora, me gusta, porque me hacen recordar algunas de las cosas de lo que más me gusta del techno. Y con Terry Riley me encanta “In C”, en especial una versión que hizo con muchos músicos me parece algo sensacional. Sin duda todos estos compositores son unos genios absolutos.

 

Immunity cumplió 10 años en 2023 y es sin duda un disco muy importante para tu carrera, desde entonces has inspirado a muchos nuevos jóvenes productores alrededor del mundo y el disco tiene un legado importante, ¿qué recuerdos tienes de esa etapa que aún sigan siendo valiosos para ti?

Quizás mi mayor enseñanza es que no volvería ha hacer las cosas exactamente así otra vez, jajaja. Pero, estoy muy feliz con el sonido y las composiciones y estoy muy agradecido con el impacto que tuvo, pero como experiencia fue algo muy complicado.

Sobre todo, porque siento que la tecnología que hay ahora no existía en ese momento, y estaba tratando de hacer música que sonará orgánica, viva e improvisada de alguna manera. Ableton en esa época no tenía las suficientes herramientas de audio y no lo pude usar como quería, así que usé Logic, pero Logic no está diseñado para eso, así que sentí que estaba luchando contra la tecnología todo el tiempo, y no tuve ningún colaborador, yo lo grabé todo y lo mezclé y trabajé personalmente en cada sonido del disco, y así se sumaron muchos detalles que sentí que nunca me recuperé al cien por ciento, tomó mucho de mi energía ese proceso.

Y algo que aún sigo recordando con mucho cariño es cuando compuse el riff principal de “Open Eye Signal”, estaba trabajando con el maravilloso sintetizador MS-20 de Korg, y recuerdo esa sensación de alegría y entusiasmo al crearla, jamás la he olvidado, fue como si mi alma saliera viva de mi cuerpo. Así que no todo es tan malo, por supuesto que hay memorias increíbles también.

Uno de nuestros héroes musicales en Warp Magazine es Brian Eno y uno de nuestros héroes modernos eres tú, y así todo se conecta porque trabajaste con él en el pasado, ¿cuéntame qué tal estuvo esa experiencia?

Fue un sueño absoluto para mí, lo conocí en un estudio del este de Londres, él se encontraba leyendo el periódico y fue un encuentro agradable. Durante ese tiempo y esos encuentros improvisábamos mucho en el estudio y él se quedaba con la mayoría de las grabaciones y trabajaba con ellas y construía y así surgieron los discos que se publicaron.

Él me enseño a sacarle vida a la música y hacer que las cosas se sientan vivas en la electrónica y que sonará así con ese enfoque, y al mismo tiempo asegurarme de sentir alegría y disfrutar el proceso, son enseñanzas que sigo aplicando conmigo hasta el día de hoy.

Vivimos en un mundo super saturado, todo pasa muy rápido en internet, en las plataformas de streaming y ahora ciertamente estamos en la era de la Inteligencia Artificial, pero tu música sigue sonando muy humana, ¿qué hace Jon Hopkins en un día normal para desconectarse de todo eso y enfocarse en su arte o simplemente pasar un momento relajado?

Hay muchas cosas que puedes hacer, la primera es no mirar tu teléfono muy seguido, la otra cosa que hago es meditar, y otra cosa que me gusta es la de pasar tiempo con mis amigos, salir a comer o cenar, y por supuesto disfrutar de los pequeños grandes placeres que te regala la naturaleza, como lo dices todo es una locura y creo que para romper esa fragmentación de atención depende de cada uno de nosotros y este nuevo disco en el que trabajé también va enfocado en esa dirección.

Finalmente quiero compartir contigo que tuve la oportunidad de verte la primera vez que viniste a MUTEK MX en el 2012 junto con Nathan Fake, Luke Abbott y Scuba y fue grandioso, ¿qué recuerdas de aquella experiencia y del festival en general?

Fue maravilloso, me encanta MUTEK Montreal que ya lo conocía y luego fui a México, que era uno de mis sueños. Creo que estuve 3 días en la ciudad y me sentí muy bien y me encantó la comida y recuerdo al público muy ruidoso y entusiasmado, y era algo que siempre en el extranjero se comenta de México y fue increíble comprobarlo. Espero volver pronto.