La música a menudo nos ayuda a expresar emociones y al mismo tiempo a liberarlas, quizá esa sea la premisa de The Blaze el virtuoso dúo musical francés de París conformado por los primos Guillaume and Jonathan Alric. Su música suele aparecer en grandes pautas publicitarias, y además son conocidos por sus producciones cinematográficas y la alta calidad de sus videoclips.

The Blaze actualmente se encuentra estrenando ‘Jungle’, su segunda producción discográfica conformada por una excelsa colección de 10 canciones que nos acelera el corazón a través de sus temas etereos y irresistible dinamismo. Un auténtico álbum creado para esos entrañables viajes nocturnos con amigos, o para aquellos momentos que nos marcarán con nostalgia para un eventual futuro, capaces así de crear imágenes a través de su música, una tarea nada sencilla pero que en este proyecto parece ser una cualidad implícita.

Habían mucho motivos de por medio que nos abrieron la oportunidad de platicar con uno de los proyectos más interesantes y prolíficos de la escena electrónica internacional. Sin duda no podíamos deja pasar la oportunidad de charlar además de su nuevo disco, sino de su magia visual e influencia cinematrografica, su próxima gira por México y hasta de “Amores Perros”, Jonathan con un fluido español también nos dejaba ver su gran habilidad con el idioma.

Jonathan Alric: “Estamos muy contentos de regresar. Cada que vamos, sabemos que tenemos una base de fans enorme ahí. Como yo soy mitad peruano y mitad francés, me gusta mucho ir a Latinoamérica. Sé que ahí siempre podemos comer muy rico y divertirnos mucho. Así que está muy padre poder regresar.”

The Blaze presentando su más reciente álbum ‘Jungle’, tendrán un gira en México donde primero estarán en Monterrey como parte de Live Out Festival el 21 de octubre, posteriormente el 22 de octubre se presentarán por primera vez en live act en Guadalajara en el marco de la tercera edición de Día de Campo, un festival diferente que marca un concepto fresco, rodeado de naturaleza, sustentabilidad y una sabrosa experiencia gastronómica. Finalmente estarán en Ciudad de México el 24 de octubre en el Pepsi Center.

Hoy estamos comenzando un nuevo viaje. Muchas felicidades por Jungle, es un gran álbum, un gran trabajo. Hoy, en esta nueva etapa de su vida artística, ¿Qué significa Jungle para ustedes, esta gran colección de 10 canciones? Cuéntenme poquito sobre el proceso artístico que siguieron para construir este gran álbum. 

Guillaume Alric: “Qué representa para nosotros… Bueno, fue nuestro segundo álbum, así que para nosotros no fue tanto un reto, sino que, como el primer álbum, Dancehall, había sido exitoso, intentamos encontrar un nuevo sonido y encontrar una manera diferente de crear música. Por ejemplo, usamos muchos sintetizadores análogos y cosas así. Intentamos encontrar un nuevo sonido, canciones más para bailar, un sonido más adaptado a toda la parte en vivo. Así que este nuevo álbum fue un gran viaje de cinco años. Nos tomó cinco años producir el álbum.“

La música que conforma ‘Jungle’ tiene un dinamismo irresistible y, a menudo, sientes como si la música hubiera entrado en ti y estuviera masajeando tu corteza cerebral, que pareciera estar hecho para indudablemente disfrutarlo en vivo.

Es un gran álbum. Yo creo que la música contiene sueños y esperanzas. Siempre se han escrito historias a través de la música; es tan poderosa que tiene el poder de ser un lenguaje universal. Gracias por esta habilidad artística que tienen para generar música tan poderosa. ¿Qué significa para ustedes la música y el poder compartirla con tantas personas alrededor del mundo?

Jonathan Alric: “Es una pregunta muy grande“.

Jonathan Alric: “Yo creo que una de las partes buenas de ser artista es que generas arte para compartirlo con los demás. Así que, cuando tienes oportunidad de compartir lo que has hecho y la gente lo disfruta tanto como tú disfrutaste hacerlo, es un sentimiento muy interesante. Creo que intentamos que la música que hacemos con The Blaze contenga humanidad, como lo hacemos con los videos. Pero también intentamos que la música sea muy cinematográfica. El hecho de que intentamos poner sentimientos humanos en nuestra música es lo que hace… No sé decir esto en inglés, lo diré en español. Lo que hacemos con la música es intentar poner un montón de humanidad en las historias que hacemos, y todo. Y creo que es eso lo que le gusta y le habla a la gente que nos escucha, porque cada una de esas personas encuentra una parte de ellos mismos en nuestra música. Eso es lo que intentamos hacer con nuestra música“. 

Guillaume Alric: “Es como un lenguaje sin palabras, de cierta manera. Expresar algo abstracto, como las emociones, pero sin palabras, solo con sentirlo. Así que sí, la música es una manera de lenguaje muy interesante, de compartir y expresarse; es muy universal.“

Yo creo que Francia ha sido un país que ha compartido muchísima música con nosotros. Ha marcado nuestras vidas a lo largo de ella. Ha habido grandes manifestaciones musicales que han provenido de ahí. Y creo que la escena francesa actual es increíble. ¿Crees que haber crecido en un ambiente musical tan prolífico influenció la manera en que trabaja la banda?

Guillaume Alric: “Cuando creces en un ambiente donde hay música muy variada, como lo es Francia especialmente, con tanta música, eso te inspira. Pero, honestamente, nos influencian muchísimos tipos de música. Por ejemplo, algunos ritmos los inspiramos en ritmos de Sudamérica. Tenemos algunos ritmos más o menos como salsa, pero lo tocamos con instrumentos electrónicos. Hemos obtenido inspiración de música de todo el mundo. Así que, claro que nos influencia la música que está cerca de nosotros, pero también la que está lejos.“

Sí. En Guadalajara van a tener oportunidad de bailar mucha salsa y mucha cumbia. 

Guillaume Alric: “Sí, la cumbia es música muy buena. Nos encanta.“

Creo que la vida muchas veces trata de esos momentos importantes que marcan nuestras vidas, para bien o para mal. Buscando en las profundidades de su ser, ¿Hay algún momento clave que los haya marcado para convertirse en quienes son hoy? Ustedes son grandes músicos. 

Guillaume Alric: “Para mí los momentos especiales que te llevan a elegir ser artista en tu vida son mucho sobre cuando la música te tocó desde niño. Para mí, quizá fue cuando era niño que vi a alguien tocando la batería frente a mí y me impresionó muchísimo. Fue la primera vez que sentí que quería tocar la batería y hacer música. Quizá tenía unos diez años, o algo así. Pero esa fue la primera vez que sentí que quería tocar un instrumento.“

¿Y para ti, Jonathan?

Jonathan Alric: “Para mí, son varias cosas. Yo diría que, del lado del cine, tuve la suerte de tener un hermano que también hace cine y siempre me ha empujado a… Me acuerdo cuando me mostró Amores Perros, de Iñárritu. Me quedé como “¡Fuck! ¿Qué es eso? Es demasiado intenso”. Y con eso, poco a poco, mi hermano me empujó a hacer cine. Y he hecho eso. Pero para la música es diferente, porque yo empecé con el cine, y siempre he tenido la suerte de escuchar mucha música de parte de mis papás. Por ejemplo, mi papá escuchaba mucha música clásica y yo me acuerdo que dibujaba historias de pequeño mientras escuchaba música, porque cuando escuchaba música me llegaban muchas ideas a la mente. Y eso fue el inicio. Lo que es interesante fue que no quería hacer ni cine ni música, más bien quería contar historias. Y las dos cosas me permiten contar historias a mi manera, creo.“

Es increíble, gracias por la respuesta. Es increíble que nos cuentes esto. ¿Es por eso que, a través de tu hermano, quizá tu proyecto musical, The Blaze, tenga una orientación cinematográfica?

Jonathan Alric: “Sí, sí. Porque estuve en una escuela de cine en Bruselas, así que fue muy importante para mí, siempre quise ser director de cine. Y después de eso, los videoclips me parecieron un medio interesante para empezar a hacer cine. Y tenía tantas ganas de hacer cine, que la gente dice que nuestros videoclips son muy cinematográficos. Porque yo no quería hacer videoclips como los de MTV donde solo aparece una chica linda o un chico cantando. Sino que buscaba algo más cinematográfico.” 

Contar historias profundas. 

Jonathan Alric: “Exacto.” 

El cine francés también es increíble. 

Jonathan Alric: “¡El mexicano es mejor! jaja”

Muchas gracias. Amores Perros es, quizá, una de las mejores películas en la historia del cine mexicano. 

Jonathan Alric: “Sí, sí, es muy buena.“

Está increíble verlos pronto aquí en México. Su nuevo álbum merece alcanzar cada rincón posible del mundo. ¿Cómo se siente llegar tan lejos de su tierra, por ejemplo Guadalajara? Se ha creado mucha expectativa alrededor de este lujo de poder escucharlos aquí. 

Guillaume Alric: “Creo que ya hemos ido a Guadalajara, quizá fuimos para un set de DJ. No recuerdo bien. Pero sí va a ser la primera vez que toquemos nuestro show en vivo. Siempre preferimos tocar en vivo para nuestro público. Así que no podemos esperar para estar allá y dar nuestro show en vivo a Guadalajara.“

Muchísimas gracias por venir. Yo vivo en Guadalajara, así que sería un placer verlos ahí. 

Guillaume Alric: “Sí, también para nosotros lo sería.“

Última pregunta, Jonathan. ¿Dónde aprendiste a hablar tan bien el español? jaja

Jonathan Alric: “Porque mi mamá es peruana. Y viví un poco de tiempo en Perú, cinco años. Tengo a toda mi familia en Perú.“

¡Guau! Increíble. Tienes un universo multicultural en tu creatividad muy increíble. 

Jonathan Alric: “Si claro, eso ayuda bastante con el arte y con todo lo que tiene que ver con eso; es algo que te inspira.“

Muchas gracias por su tiempo, ha sido un placer platicar con ustedes. Nos vemos pronto. 

Guillaume Alric: “Gracias a ti.”

Jonathan Alric: “Gracias.“

Muchas felicidades por su nuevo álbum, ¡hicieron un gran trabajo!

Guillaume Alric: “Muchas gracias, hermano.“

Jonathan Alric: “Gracias.“

Un agradecimiento especial al equipo de Día de Campo por brindarnos la oportunidad de charlar con The Blaze. No te pierdas la tercera edición de uno de los festivales con mayor proyección en el país. Una fiesta de feliz melancolía y comunión, una experiencia audiovisual y de sabores. Un día (de campo) que durará toda la vida. The Blaze encabeza esta reunión donde todss son bienvenidss a disfrutar la música y celebrar la vida bajo el cielo abierto.

Encuentra tus boletos disponibles aquí.

Fotografías de David Barajas (@daviddbarajas)

Te presentamos esta conversación muy especial entre Warp y Little Jesus por los diez años de la banda y la historia detrás de su concierto más importante hasta la fecha.

“Me siento en otro planeta y no sé si voy a volver” dice Little Jesus en la última canción de la que, quizá, sea su canción más épica y emblemática. 

Han pasado ya diez años desde que emprendieron esa travesía que es la música y, lo que parecía un idilio, hoy los valida como la banda mexicana más importante de su generación.

Desde sus canciones que sonaban a romcoms, la fantasía dandy interespacial del que ha sido su mejor disco hasta el momento, un concierto con orquesta, abrirle a los Rolling Stones, homenajes al cine, poesía y un Auditorio Nacional.

Para este especial de WARP Magazine nos hemos sentado a platicar con ellos sobre esos diez años, el show más grande de sus vidas, su percepción sobre el estado actual de la industria y la posibilidad de irse de  este planeta para no volver.

Se ha cumplido prácticamente una década desde que iniciaron formalmente como banda y, por lo tanto, desde el lanzamiento de su álbum debut; así que me gustaría saber: si sus versiones de 2013-2014 concieran a sus versiones actuales, ¿qué creen que pasaría?

“Seguramente sí se sentirían orgullosos y felices de los caminos que tomamos. Incluso, tal vez, no creerían muchas de las cosas que han pasado desde entonces.

Al final creo que esas versiones nuestras de hace diez años fueron las que se rifaron para estar en donde estamos; y gracias a eso, ahora somos personas más independientes, que siguen haciendo música y que entendieron lo importante que debe ser la música por encima de otras cosas en este negocio.

También les molestarían algunas cosas de nosostros (risas). Dirían que somos mamones porque ahora usamos muchos pedales y nos pintamos el pelo”.

Así como ustedes, Paul McCartney es un músico que al salir de gira explora un gran porcentaje de su catálogo: desde que estaba con los Beatles, Wings, como solista… Y, ahora que va a salir en un nuevo tour, comentaba que hacer esa revisión del pasado siempre es una tentación porque tus nuevas habilidades y experiencias te hacen querer alterar ese pasado sonoro.

Ahora que tuvieron el show más grande su carrera en el Auditorio Nacional y que están en la que tal vez sea su gira más importante hasta el momento, ¿han sentido esa tentación?

“Para nosostros ha sido justo lo contrario: en ese proceso que mencionas para ese show y esta gira más bien hemos querido respetar la esencia natural de aquellas canciones que ya tienen diez, once años.

Por ejemplo, con Berlín, que fue nuestro primer sencillo y nuestro primer éxito, ya había llegado un punto en el que nos daba hueva tocarla porque nos parecía muy plana y larga; pero ahora que estamos escuchando todo el material de nuevo, nos reconciliamos con ella porque al final fue la rola que nos hizo darnos cuenta que esto podía ser algo real y que también hizo que la gente lo notara”.

¿Cuál fue la parte más divertida de preparar ese show y esta gira?

“Tocar, literal. Hemos tocado tanto que, regularmente, solo ensayamos una o dos veces antes de salir a girar; pero para este tour sí nos hemos juntado varias veces y al final nosostros empezamos esto para tocar y hacer música, entonces finalmente lo estamos haciendo.

Igual es divertido el contraste entre tocar las rolas del principio de nuestra carrera con las más nuevas. Como has dicho: hay diez años de distancia entre ellas y está cool encontrar la evolución pero también las cosas que siempre han estado presentes.

Además ha sido divertido ensayar en torno al show de luces que planeamos específicamente para el Auditorio. Es algo que nunca habíamos hecho y que creo marcó un antes y un después en nuestra vida como banda en vivo.

Y fue desafiante porque cuando tocas en la mayoría de los venues, la gente te ve hacia arriba y  no es realmente consciente de todo lo que pasa en el escenario; pero el el auditorio es al revés: te ven de arriba hacia abajo.

Generalmente con nuestra energía basta para mantener a tope el show pero queríamos probar cosas nuevas y ofrecer algo diferente para una fecha tan importante”.

Si ese show fuera una película, ¿cuál sería?

“Al Diablo Con El Diablo (risas). Como que tuvo muchos tonos y cameos y referencias pero fue esencialmente divertido”.

Ahorita que mencionaban el placer que les ha producido el volver a ensayar porque eso representa hacer aquello por lo que eligieron esta profesión, me hizo recordar esa conversación entre Lorde y David Byrne en la que dicen que están cansados de este momento de la industria en el que se trata de absolutamente todo, menos de hacer música.

¿Qué opinan al respecto?

“Justamente apenas comentábamos que lo más difícil en estos diez años ha sido mantenerse aislado de todo aquello que tiene qué ver con la industria pero no con hacer música.

Y afortunadamente ya se ha puesto sobre la mesa el tema del estrés consecuente de la presión de vender boletos, conseguir streams, quedar bien con las plataformas, conseguir followers en todas las redes… 

Al final creo que la clave de todo está en no olvidar por qué empezamos a hacer esto y no dejar de disfrutar”.

¿Consideran que toda esa presión los ha orillado a crearse un personaje como método de protección?

“(Risas) Sí, creo que es inevitable preocuparse a partir de esa presión y justamente el personaje que inventas es aquel al que no le importa nada más que la música y el bienestar de la banda y de la gente que la rodea.

Y es más complicado ahora que somos independientes otra vez porque inevitablemente te das cuenta de todo, entonces se vuelve más importante el personaje del wey que vive en una burbuja en la que solo le interesa tocar la guitarra y elegir sus pedales”.

Supongo que debe ser todavía más complicado cuando como público promovemos esa misma presión, ¿no? Que sacan una canción nueva y ya hay gente pidiendo por otra y otra y otra…

“Sí. Es como en los shows: que apenas empezamos y a la segunda rola ya piden Azul o TQM y es como de wey, obviamente las vamos a tocar pero disfruta el camino para llegar ahí.

O cuando sacamos nueva música y no se parece a las canciones favoritas de algunas personas y nos reclaman (risas); entonces es cuando pensamos: bueno, si no te gusta la música nueva y sí la vieja, pues ve a la música vieja y sé feliz con ella, ahí va a estar siempre y lo agradecemos mucho; pero nosostros evolucionaremos y seguiremos haciendo cosas diferentes.

Y entiendo a otros músicos que ceden a esa presión porque al final son comentarios del público que es el que compra, te da plays… Te sientes un poco secuestrado, ¿sabes?”.

Obviamente ha cambiado su manera de hacer música por los recursos, la experiencia, las relaciones artísticas… Pero, ¿ahora lo disfrutan de manera diferente?

“Sí, definitivamente,  sobre todo por los recuersos. Antes componíamos con lo que podíamos, que casi siempre eran guitarras eléctricas sin conectar acostados en nuestras camas; pero ahora ya somos más ñoños y para cualquier idea queremos que el micrófono tal, que el sintetizador tal, que la guitarra en ciertas condiciones…

Y es cuando da nostalgia que antes hicimos magia en condiciones tan rústicas o elementales y ahora podemos hacer magia también con mil elementos a disposición”.

Se ha vuelto chocante intentar etiquetar la música en géneros, así que, en lugar de eso, me gustaría pedirles que describan su música en una experiencia. Ejemplo: en estos momentos la música de Little Jesus es como subirse a un cohete y estrellarse en la luna.

¿Cómo lo definirían?

Creo que es como la experiencia de comer: que lo puedes disfrutar con todos los sentidos y sabes que te va a dejar satisfecho y que lo vas a disfrutar.

También diría que nuestra música es música de ciudad. No son sonidos que se inspiren en experiencias naturales, sino de calles, aglomeraciones… Como un día en el que tienes que despertar temprano y sabes que te dormirás tarde porque tienes muchas cosas qué hacer y recorres el DF de norte a sur, de este a oeste, usas varios transportes, ves a varias personas.

Incluso diríamos que también puede ser un viaje en carretera, en el que tampoco tienes contacto con la naturaleza porque vas sobre ruedas, con tu música, y ves las pistas, los otros coches, los cambios entre lugares que recorres; el cambio entre el día y la noche porque carretera día es diferente a carretera noche… Y acabas en un hotel”.

Me gusta que lo definan de esa manera porque siempre he creído que Little Jesus suena a la Ciudad de México y, como alguien que ama profundamente esta ciudad, siento que así como el Monterrey, Tijuana, Oaxaca, Tabasco, etc tienen sus propios sonidos, está chido que una banda proyecte a lo que suenan estas calles.

Para mi última pregunta:

Hace unos días que el gobierno de Estados Unidos acepto la existencia de evidencia extraterrestre: si un comité interestelar hiciera un intercambio cultural en el que les ofrecen irse a tocar por todos los planetas pero con la única condición de no poder volver a la tierra, ¿se irían?

“Si pudiera llevarme a mis personas más queridas y cercanas y a ese sintetizador que también parece nave espacial, sí, definitivamente. Nosotros siempre creímos que había vida en otros planetas, así que sería consecuente con eso”.

Todo aquel que haya crecido obsesionado con la música y haya llegado en algún punto a apreciar la bella vulnerabilidad sonora que resplandece en las reverberancias, ensordecedoras, del shoegaze, ha caído víctima del aura de nostálgica juventud que carga Rachel Goswell, la vocalista, guitarrista y tecladista de Slowdive.

Su voz, susurrante, es sinónimo de uno de los géneros musicales más románticos que hayan existido. Congelada en el tiempo, las imágenes, los vídeos musicales y las pocas grabaciones que se conservaron de los shows noventeros de Slowdive nos la mostraban, siempre vestida de negro y con la mirada, fija en el suelo. Tímida juventud, eran unos adolescentes cuando inició el proyecto… y también lo fueron cuando terminó.

Sus canciones, melancólicas melodías de bases congeladoras, incertidumbre adolescente, pero con arreglos cálidos que irrumpen con la violencia de la fuerza del Sol. Las piezas de Rachel siempre han sido un abrazo para la juventud sensibilizada.

Durante décadas, tras el resurgir del interés por la banda que hablaba a la juventud porque hablaba desde la juventud, su figura se mantuvo intacta en nuestra cabeza, como si se tratara de un cuento de hadas. El tipo de chica que te escribiría poemas y que verías a lo lejos, caminando hacia los suburbios, mientras ambos salen de sus clases de secundaria. Los susurros de la banda, el tiempo no pasa.

“Justo antes de Glastonbury, mi hijo me miró de arriba abajo y me dijo -no estoy acostumbrado a verte así. Esto es bastante extraño-“, me señaló la misma Rachel en una videollamada vía ZOOM, una mujer sentada frente a la ventana, llena de verde, de vida, al otro lado del cristal. Ella es risueña y habla con pasión de aquellos días, pero también del presente éxito de la banda. Sus ojos se iluminan cuando describe el redescubrimiento del proyecto y lo bien recibidos que han sido desde su regreso.

Hoy, Slowdive ya no habla de amores románticos, ni de ensoñadores paseos a los lados de los ríos, riendo en compañía de amigos. Hoy, más de veinticinco años después de su separación, se han reunido para hablar sobre el paso del tiempo y desarrollar su visión de la muerte en everything is alive (2023), su quinto álbum de estudio.

Sin embargo, algo se mantiene vivo dentro del espíritu de la banda, algo que se percibe y que solamente se puede describir como juvenil. En su momento, Neil Halstead describió que la banda seguía conectando con las adolescencias porque la banda se desarrolló cuando eran unos adolescentes. Hoy, esta hipótesis queda echa añicos al ver que su principal público de sus nuevos álbumes siguen siendo las juventudes.

“Tal vez no sea solo una sensación de adolescencia, tal vez sea solo una sensación de Slowdive. Quiero decir, esa es la única forma”, dice Rachel, agregando que vio hace poco a un niño de 14 años en la primer fila de su concierto en Auckland. “Luego miras los conciertos y predominantemente son adolescentes y eso solo me recuerda a mí a esa edad cuando solía ir a shows y estar justo en la primera fila junto con Neil, en Londres”, agrega con nostalgia, accediendo a memorias que compartió junto a su compañero de banda.

Ellos, cómo toda gran historia de conexión y amor juvenil, se conocieron cuando eran apenas unos niños. Literalmente -the girl next door-, ambos pasearon por los parques, fueron a la escuela juntos y luego al instituto, formaron una banda e incluso se enamoraron durante algún tiempo. Cosas de la juventud.

“Cuando The Velvet Underground se reformó, tenían alrededor de 40 años, una edad similar a la nuestra cuando nos reformamos, y es un poco extraño pensarlo, ¿sabes?”, afirmó cuando le dije que es increíble que hoy en día Slowdive es mucho más popular que nunca. Su mito, tras su ausencia, se acrecentó a tales niveles que hoy juntan millones de reproducciones en Spotify, son dignos de presentarse en el escenario principal del Festival de Glastonbury y acaban de obtener su primer álbum Top 10 en el Reino Unido, pues everything is alive (2023) debutó en el sexto sitio.

Es un brinco extraordinario para una agrupación que no logró un solo Top 100, ni tocar en un festival, cuando lanzó sus álbumes clásicos, mismos que fueron vapuleandos por la crítica e ignorados por el gran público. No llegaron a probar ni un poco de las mieles del reconocimiento que se venía.

Hoy, son una de las bandas más influyentes del mundo y su presencia sonora y estética se ve tanto en Reino Unido, cómo en Estados Unidos, e incluso dentro de la industria independiente de México. En específico, la imagen de Rachel Goswell ha sido imitada en incontables proyectos de Dreampop, Shoegaze y Grunge del mundo. Seductora, su mirada sigue imprimiendo algo relevante al mundo onírico de la banda.

Poco antes de su presentación en Glastonbury, su hijo “insistió en ver el concierto a través de un teléfono. Es sordo y tiene necesidades adicionales. Así que es bastante extraño. Lo vio a través de la cámara del teléfono”.

Era imposible no verla. Ahí arriba, sobre el escenario, Rachel cargó con el mismo misticismo que se mantuvo impreso en cada una de sus fotografías de cuando Slowdive era una pequeña banda de pop experimental.

Esos retratos que se convirtieron después en imágenes de culto viven en ella, como si fuera Dorian Gray, mientras sigue destilando su particular aura de perfección juvenil junto a sus compañeros de grupo, tocando esta música nostálgica y ensordecedora al mismo tiempo que roba suspiros. ¿Será aquella aura una de las razones por las cuales miles de adolescentes luchan por estar en la primer fila de un concierto de Slowdive, esperando recibir una pequeña mirada de Rachel?

Ser la rockstar favorita de tu hijo

Hola, Rachel, ¿estás emocionada por este nuevo álbum, el primero en seis años? Casi se siente como si fuera como un segundo regreso, ¿verdad?

Sí, es un poco así, ¿verdad? Es gracioso porque realmente no se siente como seis años, pero obviamente ha sucedido mucho en ese tiempo. Va a ser bueno compartir lo que ha sucedido en los últimos seis años

Bueno este año  ya ha sido muy bueno hasta ahora. Acabamos de regresar de Australia y hemos hecho algunos festivales. Así que ha sido agradable volver a tocar de nuevo.

¿Y cómo te sientes hacerca de este próximo álbum? ¿Estás emocionada de compartirlo finalmente?

Sí, definitivamente, definitivamente. No puedo creer que finalmente esté saliendo. Estoy emocionada de que la gente lo escuche. Ni siquiera falta mucho tiempo, ¿verdad?

Faltan unas dos semanas.

Algo así. Sí. Todo se volvió un poco loco, ocupado después, ya sabes, del anuncio de este álbum. Públicamente, de todos modos, durante los últimos años, ahora simplemente se está volviendo un poco loco.

Bueno, para preparar esta entrevista, vi el documental de Pitchfork y allí, me sorprendió bastante cuando Neil dijo que Slowdive conecta con los adolescentes porque ustedes eran adolescentes en ese momento, y transmiten una especie de sensación y una especie de atmósfera que era importante para que los jóvenes la tuvieran. Me preguntaba, bueno, para mí, el álbum homónimo entrega el mismo tipo de sentimientos, como la misma especie de atmósfera de una manera diferente, pero el tono emocional principal está ahí.

Y quiero preguntarte, bueno, él justificó que podían crear esa sensación porque eran adolescentes en ese momento. Pero cuando regresaron, eran adultos, así que quiero saber cómo lograron obtener esa sensación para transmitir esta emoción de adolescente, esa especie de juventud.

No sé, en realidad, creo. Tal vez no sea solo una sensación de adolescente, tal vez sea solo una sensación de Slowdive. Quiero decir, esa es la única forma. ¿Cómo más lo cuantificas?

Pero ciertamente no nos gusta proponernos hacer algo específico cuando hacemos música. Sabes, es simplemente la sensación de la banda y supongo que la forma en que siempre hemos sido, y eso ha sido muy evidente este año en los shows, que todavía tenemos a muchos jóvenes que vienen a vernos tocar, muy jóvenes.

En Auckland, creo que había un niño de 12 años frente a mí y a Christian, lo cual fue sorprendente. Nunca he visto a nadie más que a nuestros propios hijos a esa edad. Así que es bastante extraño. Pero luego miras la primera fila y predominantemente son adolescentes y eso solo me recuerda a mí a esa edad cuando solía ir a conciertos y estar justo en la primera fila. Nick y yo solíamos ir a muchos conciertos juntos en Londres. Y está bien, pero luego, ya sabes, obviamente también hay adultos allí. Así que es muy intergeneracional.

Simplemente no podría decirte por qué todavía es así con las nuevas cosas, pero obviamente está conectando con los jóvenes y eso es bueno.

Tengo esta creencia de que hablar con un adolescente o con jóvenes es más importante porque están más abiertos a aprender sobre experiencias, ¿verdad? Así que causas una impresión más grande en ellos que en un adulto.

Supongo que tiene sentido. Sí, supongo que es un poco extraño. No sé. Pienso en cuando era adolescente, estoy pensando en las bandas que amaba. Y no creo que hubiera ninguna banda mayor que yo.

Digo, fue como The Velvet Underground. Creo que estábamos discutiendo esto el otro día: Cuando The Velvet Underground se reformó, tenían alrededor de 40 años, una edad similar a la nuestra cuando nos reformamos, y es un poco extraño pensarlo, ¿sabes?

No sé en qué año se reformaron, obviamente, cuando éramos mucho más jóvenes, ellos eran una banda que escuchábamos y había sido una parte de nuestra influencia original, supongo, cuando comenzamos a hacer música juntos.

Sí, es como pensar en… Es como que ahora miro cosas en línea de mujeres que tienen 20 años más que yo, que están en sus 70 u 80 años. Y supongo que lo maravilloso de lugares como Instagram es que algunas de esas mujeres están allí y que no son tu típica mujer de 70 u 80 años, lo que te imaginas que te convertirás en esa edad con tus cabellos teñidos de azul y tus horribles ropas de abuela. Pero hay mujeres mayores, inadaptadas o tatuadas que siguen siendo extrañas.

He visto fotografías de la década de 1930 de un grupo de mujeres. Quiero decir, parece que podrían haber estado en la era del grunge de los años 90. Y es extraño a medida que envejeces, cuando te vuelves más consciente de muchas cosas de las que no lo eres cuando eres joven, creo, o en mi experiencia, pero digo que tal vez la generación más joven ahora está mirando a las bandas de nuestra edad y las ve de manera bastante diferente.

Sí, recuerdo bien que cuando era adolescente, Slowdive fue una de las influencias más grandes en los circuitos musicales en los que participaba. Había muchas bandas mexicanas de shoegaze y grunge en ese momento que eran muy populares. Así que, para mí, fue como, sí, es interesante porque también es una conexión con mis años de adolescente, pero no soy de tu generación.

Sí, me entrevistaron el otro día y estábamos hablando de esto, y estábamos hablando de Nick Cave. Y él decía que sus conciertos ahora tienen a muchas personas más jóvenes también. Y creo que es un muy buen ejemplo de un artista que realmente retribuye a sus fanáticos, como The Red Hand File.

Sí, eso hace. Quiero decir, me suscribí a eso cuando él comenzó a hacerlos y son fantásticos. Y realmente ofrece como un salvavidas a muchas personas más jóvenes y comparte sus experiencias y su sabiduría y sus pensamientos sobre dónde está en su vida ahora. Quiero decir, lo encuentro bastante fascinante.

Podrías hacer eso.

Oh, no sé. No soy Nick Cave. Creo que él y Dave Grohl, específicamente, son esos dos artistas, las dos personas que realmente dan mucho a sus fanáticos. De una manera que, quiero decir, tal vez haya otros artistas que lo hagan, pero son los que más noto, de todas formas, la forma en que interactúan con sus fanáticos, creo que es realmente bastante especial.

No sé si sería bueno en eso. No soy tan filosófica como Nick Cave, no creo. Pero no sé. Probablemente no sería tan bueno.

¿Le escribiste a través de los Red Files?

No, sigo pensando en escribirle porque sé que he oído que no le gusta, no entiende la música shoegaze. No le gusta.

Y tampoco le gustan los sombreros, piensa, ya sabes, que los sombreros son algo inútil. Así que alguien ya le ha escrito, y a mí me gustan los sombreros y cosas así, y creo que él es un muy buen escritor. Y alguien ya le hizo la pregunta, ¿por qué no te gustan los sombreros? Y él respondió a esa pregunta.

Estoy muy tentado de escribirle y simplemente decirle, ¿por qué no te gusta el shoegaze? Quiero decir, en el gran esquema de las cosas, considerando las preguntas que le hacen y que él responde, quiero decir, eso es realmente una baja prioridad, obviamente.

Pero estaría fascinado de escuchar su respuesta porque tengo una amiga que es sombrerera. Ella hace sombreros y es una gran fan de Nick Cave, y estábamos lamentándonos después de que envió este correo electrónico hace aproximadamente un año, creo. Diciendo, -oh, Dios mío, no le gustan los sombreros y no le gusta el shoegaze-. Pero de todos modos lo amamos. No importa.

Es imposible no quererlo.

Lo sé, lo sé. Él es una de esas joyas genuinas de la vida, creo. Realmente se preocupa por las personas y la humanidad, y eso es algo hermoso, pienso, en cualquier persona.

Bueno, ahora que estamos hablando de shoegaze, siempre tengo esta confusión acerca de los géneros. Porque creo que uno de los más confusos que jamás haya existido es el dream pop. No sé cómo describir cuál es la diferencia entre shoegaze y dream pop.

No lo sé. No lo sé. También he estado haciendo esta pregunta a las personas porque no sé la respuesta. No puedo ayudarte. No lo sé. He preguntado a algunos entrevistadores esto y, como, ¿cuál es la diferencia?

Porque a veces veo, obviamente tenemos la etiqueta de shoegaze, pero a veces veo que se refieren al dream pop en cosas sobre nosotros. Y luego me confundo mucho. Me pregunto, ¿cuál es la diferencia entre los dos? No lo sé. Pregúntale a Neil. Él tampoco lo sabrá.

Así que sería gracioso porque supongo que todo el mundo tiene esa pregunta en mente, ¿verdad? Es como un género que no debería existir, como el dream pop. Solo di shoegaze y ya está.

Bueno, sí, quiero decir, debe haber alguna especie de diferencia. Pero no sé cuál es. ¿Es que las, no sé, ¿son las voces más altas en el dream pop? ¿Es más pop?

La gente dice que es más pop, pero no sé. Sí, para mí, es como que hay canciones pop en Slowdive.

Sí, sí, sí. Quiero decir, creo que generalmente siempre tenemos las canciones pop más pegajosas que Slowdive puede tener. Siempre hay una o dos por disco que encajan en esa categoría.

Cuando escribes esas canciones, las más populares, ¿lo hacen conscientemente o simplemente surgen tal como son?

Tendrías que hacerle esa pregunta a Neil porque él escribe las canciones. Pero creo que siempre hay un elemento pop en Neil en algún momento, ya sabes, y canciones como ‘Alison’, ‘When the Sun Hits’, ‘Star Roving’, ‘Sugar for the Pale’ o ‘kisses’ en este disco y ‘alife’ también.

Esas son, ya sabes, cuando estás grabando, siempre hay un punto en el que, ya sabes, ciertas canciones serán las que vayan a la radio o sean los sencillos, aunque eso no existe tanto en estos días. Pero siempre hay pistas obvias que encajan en eso y creo que él escribe, ya sabes, canciones pop bastante buenas. Sí, melodías bastante buenas.

Cuando regresaron como Slowdive y crearon un álbum, en mi opinión, muy clásico de Slowdive. Y bueno, mencionaste hace un rato que quizás era ese sentimiento que está en la banda, ¿verdad  Pero también he escuchado muchos discos de Mojave 3 y son muy diferentes a Slowdive en cuanto al enoque instrumental y hasta estructural. Así que quiero saber, cuando grabaron el álbum homónimo, ¿tenían en mente hacer un disco del tipo Slowdive?

Porque lo es. Sí, no creo que con ninguno de estos discos haya habido mucha presión de que “debe sonar como Slowdive”. De hecho, creo que con el primer álbum con el que regresamos, fue muy, sabes, no teníamos ninguna presión para hacer un nuevo disco.

Solo la presión que tal vez nos impusimos. Pero realmente, en ese momento, fue bueno, estoy alimentando a mi hijo aquí mientras hablo. Fue muy en plan, entremos en un estudio y veamos qué sucede y, si nos gusta, lo publicaremos; y si no, no diremos más al respecto. Sabes, obviamente, disfrutamos del proceso y ese disco salió.

Pero, sabes, creo que por defecto, cuando juntas a los cinco en una habitación, siempre sonará hasta cierto punto como Slowdive. Quiero decir, ¿cómo no podría ser así? Eso es lo que sucede cuando somos los cinco.

Este disco es un poco diferente, obviamente, con los elementos más electrónicos. Estas canciones nacieron de muchas demos que Neil había escrito cuando pensaba en hacer un disco en solitario. No sé si lo ha terminado ahora, pero quiero decir, obviamente, llegamos al punto de que deberíamos hacer otro disco y fueron estas canciones las que nos presentó.

Creo que había alrededor de unas 30 pistas diferentes, algunas más desarrolladas que otras, y las redujimos a unas 14 con las que estábamos trabajando, para luego reducirlo aún más a las ocho que están en el disco. Así que, ya sabes, es un proceso bastante lento. Y él estuvo trabajando en estas canciones probablemente durante un año antes de que escucháramos algo.

Recuerdo que al principio, la primera canción que escuchamos fue ‘shanty’, que obviamente es muy diferente con el arpeggiator y la electrónica, y Nick en nuestra banda es muy tradicional en la música que le gusta. Siempre bromeamos diciendo que la única banda que realmente ama es The Cure. Le gustan otras bandas, pero es, ya sabes, no es realmente fan de la música electrónica o cosas más experimentales, mientras que Neil obviamente sí lo es, Simon lo es, obviamente. Simon hace muchas cosas diferentes. Christian también hace muchas cosas diferentes.

Pero recuerdo que con la música electrónica, Nick decía más o menos que no suena a Slowdive, y recuerdo que Neil decía que no tenía que sonar como Slowdive, solo tenía que ser buena. Y tiene razón, ya sabes, no hubo como esa presión. Si acaso, tal vez Neil pudo haberse resistido un poco por eso. Pero quiero decir, es claramente un disco de Slowdive.

Sí, creo que sí. Pero también tiene elementos diferentes. Así que tiene algunas cositas diferentes.

Es interesante porque he leído comentarios sobre esa canción en particular, y la comparan exactamente con dos cosas que dijiste aquí. Algunos la comparan un poco con la era de Pornography de The Cure debido a la guitarra.

Sí, definitivamente fue un punto de referencia. Sí, es un gran disco.

Sí, es genial. En mi opinión, el mejor disco de The Cure.

Excepto por Disintegration.

Disintegration también es genial. Para mí, están al mismo nivel, pero me gusta más Pornography. Creo que es más obscuro de alguna manera.

Sí, sí. Definitivamente es un álbum más intenso. Mucho más oscuro que Pornography.

Sí. Bueno, el otro ejemplo al que la gente compara esta canción es Pygmalion, ¿verdad? Que es como un álbum electrónico y también suena a Slowdive.

Sí, creo que es una mezcla de todas esas cosas. Es curioso, he visto la referencia a Pygmalion bastante seguido. Y obviamente, debido a los elementos electrónicos en el álbum.

Slowdive definitivamente funciona como una democracia en todo lo que hacemos. Es decir, lo que sucede es lo que decide la mayoría. Básicamente, eso incluye qué mezclas terminan en el álbum.

Las canciones que terminan en el álbum, lo que elegimos tocar en vivo. Cada decisión relacionada con Slowdive se toma por mayoría. A veces, los cinco estamos de acuerdo. Y eso es genial. Pero todos somos personas muy diferentes. Entonces, muchas veces puede que solo tres estemos de acuerdo y los otros dos sean un poco como yo.

Simplemente lo tomas con calma y sigues adelante. Y creo que si Neil hubiera tenido control total sobre este álbum, habría sido mucho más electrónico de lo que es.

Eso es lo que sucede cuando grabas Pygmalion, ¿verdad? Que fue casi como un álbum de Neil de alguna manera.

Sí, más entonces, porque en ese momento, la banda estaba bastante fracturada. Sabes, Simon ya se había ido. Nick y Christian simplemente no estaban interesados y no les gustaba lo que Neil estaba haciendo.

Ironicamente, ahora Simon dice que ese es su álbum favorito de Slowdive y no está en él. Y se fue porque pensaba que lo estaban reemplazando por una máquina de batería.

Pero yo estaba bastante neutral. Estuve en el estudio durante la mayor parte de la grabación de ese álbum. Sabes, y creo que, probablemente, por eso Neil y yo seguimos con Mojave 3. Todavía había ese deseo de hacer música, sin importar cuán difícil se volviera.

Quiero decir, para Pygmalion, no teníamos dinero. A nadie en la discográfica le caíamos bien y nadie quería vernos en vivo. Simplemente seguí adelante con ello. Y no culpo a Nick y Christian por no querer hacerlo más, porque ya no era divertido en ese momento. Fue bastante oscuro y difícil en ciertos momentos.

Slowdive es muy diferente. Somos muy diferentes ahora. Han pasado treinta años y es simplemente diferente. Nos llevamos mucho mejor. Obviamente, ahora la banda es bastante exitosa y podemos salir y hacer shows. Es muy diferente a como era en ese entonces, de una manera buena. 

Y ahora, ya sabes, el próximo año serán… diez años desde que volvimos y ya estamos juntos más tiempo de lo que estuvimos originalmente. Y lo disfrutamos, así que seguimos haciéndolo mientras lo disfrutamos y tenemos salud.

Eso es genial. Ahora que estábamos hablando de la conexión con los adolescentes, la conexión con la juventud, quiero saber qué piensan tus hijos sobre tu música.

Bueno, mi hijo es sordo, así que no puede escuchar nuestra música en absoluto. No tiene audición. Así que no podría decirte qué piensa al respecto. Ha estado en dos conciertos y obviamente puede sentir las vibraciones de la música. No se ha ido corriendo en esos conciertos. Se quedó allí y lo miró y luego fue detrás del escenario.

Más recientemente, justo antes de Glastonbury, me estaba mirando de arriba abajo y decía: “No estoy acostumbrado a verte así. Esto es bastante extraño”. E insistió en ver el concierto a través de un teléfono. Es sordo y tiene necesidades adicionales. Así que es bastante extraño. Lo vio a través de la cámara del teléfono.

No sé qué piensan los hijos de los otros miembros de la banda. No sé si les gusta especialmente Slowdive. Sabes, algunos de ellos están en esa edad en la que están empezando a venir a los conciertos.

Creo que Christian, uno de sus, quiero decir, los niños son obviamente mucho más conscientes ahora de lo que hacen sus padres. Dicen: “Vale, lo entienden” y lo ven en, no sé, TikTok o lo que sea, ven cosas de Slowdive. Y dicen: “Voy a ver esto”. Y algunos de sus amigos de la escuela les gusta Slowdive.

Pero Christian dijo que fue a recoger, creo, a su hijo hace poco. Y había otro niño de su año que decía: “He oído la banda de tu papá y son una mierda”. Y él decía: “No sé”. Y había otro niño de su año que decía: “He oído la banda de tu papá y son una mierda”. 

Así que es bastante divertido. Quiero decir, supongo que tienen que lidiar con las consecuencias de lo que hacen sus padres. Así que, sí, algunos vienen a los conciertos y realmente lo disfrutan. Y a algunos les gusta. Supongo que a algunos no les importa.

Debe ser una cosa extraña. Debe ser extraño para los niños ver a sus padres haciendo eso, ¿sabes?

Sí, es cierto. Es extraño. No podía creerlo. Sí. Tener una posición así. Y tal vez más tarde, tener amigos que usan la camiseta de la banda de tu papá o algo así sería un poco extraño.

Y también es divertido cuando las canciones de Slowdive aparecen en videojuegos o cosas así. Luego hubo algo, no recuerdo qué era, algo como de adolescentes en Netflix.

Eso ha estado pasando recientemente. Obviamente, no lo he visto porque no está dirigido a mí. Pero ‘Don’t Know Why’ es la última canción que suena en el último episodio de la serie, como la gran escena final. Y la hija de Nick estaba como toda emocionada, al igual que todas sus amigas. Tiene 12 años.

Así que eso. Y creo que eso es bastante divertido. Así que solo vivo a través de los hijos del resto de la banda. Y escucho lo que dicen. Es divertido.

Sí, es divertido. Sí. Bueno, tengo una pregunta, comenzaste a reaprender tus canciones cuando ocurrió esta reunión en el Primavera Sound a través de videos de YouTube. Y quiero saber, ¿qué has aprendido de tus canciones, de tu propio espectáculo a lo largo de estos años, desde que las volviste a aprender hasta el presente, que te haya hecho quizás cambiar un poco tu enfoque en dar conciertos?

Creo que somos mucho más seguros ahora que cuando regresamos originalmente. Y obviamente, estamos acostumbrados a tocar para mucha más gente, lo que definitivamente no estábamos cuando volvimos por primera vez.

Personalmente, para mí, estoy donde no estaría cuando tenía 20 años haciendo conciertos. Ahora soy muy consciente de que las personas han pagado dinero para venir a vernos y quieren presenciar un buen concierto, por eso es realmente importante que tengamos un buen espectáculo, que hagamos lo mejor cuando tocamos en vivo, realmente.

Y la diferencia ahora es que tengo monitores in-ear, así que puedo escucharme adecuadamente. Mientras que en ese entonces, definitivamente no podía. Sabes, siempre era una lucha por encima de las guitarras y baterías. Eso también es muy diferente. Creo que somos un poco más concienzudos.

Digo. Hasta ahora, nunca hemos utilizado pistas de respaldo, así que siempre somos una banda en vivo cuando tocamos. Y siempre habrá en algún momento algún elemento de desorganización. Alguien hará algo mal. Entonces, siempre hay ese elemento de que no sabes exactamente cómo va a ir realmente.

Dependes de que todos puedan escucharse adecuadamente. Y en realidad, el resto de la banda está a punto de usar monitores in-ear. He estado tratando de que los usen durante los últimos años. Estaba diciendo que para mí fue un cambio de vida en términos de hacer shows en vivo. Tengo mi propia mezcla, mientras que, sabes, definitivamente hay momentos en los que los demás luchan con X, Y, Z en cada concierto. Y ahora que todos han tenido sus moldes hechos, solo estamos esperando.

Así que la gira por Estados Unidos que comenzamos en septiembre será la primera vez que todos estén usando monitores in-ear. Así que eso será interesante. Será mucho más silencioso en el escenario como resultado, creo. Lo cual solo puede ser algo bueno, probablemente.

Sé que Slowdive fue muy maltratado por la prensa del Reino Unido en los años 90. Pero ahora que han llegado a ser un acto musical muy respetado, aclamado e incluso influyente, ¿tienes otros sentimientos acerca de la prensa?

No, quiero decir, realmente no tengo ninguno. Quiero decir, todo lo que pasó en ese momento fue solo un pequeño grupo de periodistas en el Reino Unido que no nos gustaba, pero tenían una enorme cantidad de poder. Una cantidad enorme de poder, obviamente, porque no había internet y cosas así, y ahora es muy diferente.

Realmente no tengo una opinión en ningún sentido. Quiero decir, ya sabes, lo maravilloso es que ahora todos pueden formar su propia opinión sobre cualquier banda simplemente buscándola en la plataforma que prefieran y eso es genial. No dependes de la opinión de una sola persona.

Ahora puedes experimentar más, ¿verdad? Ahora que puedes tener toda la música en tu computadora o en tu teléfono celular, no necesitas depender de eso.

Sí, es mejor. Exactamente. Es mucho mejor. Quiero decir, cuando yo estaba creciendo, obviamente no había internet. Leía las revistas de música, Melody Maker, NME, Stounds. Las compraba todas las semanas y las leía de principio a fin y decidía qué bandas iba a comprar en función de las críticas en esos periódicos.

Realmente tenían influencia y realmente dictaban las modas musicales en el Reino Unido. Así que es completamente diferente. Creo que, ya sabes, Internet es una bendición y una maldición por razones obvias.

Pero creo que en lo que respecta a nuestra música, ha sido una bendición. Sí. Bueno, aquí estamos, tres décadas después, hablando de esos primeros discos y a punto de lanzar uno nuevo.

Entonces, ya sabes, gracias. Gracias a todos los que nos han escuchado y descubierto y siguen escuchándonos. Bueno, sabes, no estaríamos aquí sin todos los demás, en realidad.

Estoy muy emocionado por escuchar tu nuevo álbum. Realmente me encantó el último, creo que es uno de los mejores regresos de la historia.

Aww muchas gracias. ¿Y aún no has escuchado este?

No, no lo he escuchado.

Pensé que te lo habrían dejado escuchar. Bueno, deberías preguntarles. Deberías pedirlo tontito. Deberías escucharlo si estás haciendo una entrevista.

Veremos. Bueno, muchas gracias, Rachel.

Gracias. Cuídate.