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Devendra Banhart Devendra Banhart

Cortes Selectos

WARP Presenta: Entrevista con Devendra Banhart: La exploración de nuestros lugares más oscuros

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Por: Salvador Medina y César Augusto Corro

Fotografías por : Mon de León (@mondeleon)

Para nuestro especial de esta semana, platicamos con Devendra Banhart sobre su nuevo disco y la exploración de los lugares más oscuros de su alma para poder crear dicho material.

La música posee una dimensión fisiológica que conforman los elementos rítmicos, una dimensión emocional, conformada por elementos melódicos, y una dimensión racional que equivale a los elementos armónicos, es por eso que la música es una puerta de acceso a nuestra naturaleza espiritual, capaz de abrir esas puertas donde nos encontramos con nuestros miedos más profundos y nuestros lugares más oscuros. Quizá se trate de una resonancia infinitamente imposible de explicar.

En una sociedad como la actual, llena de ruido externo abrumador y enajenante, es difícil mirar dentro, el único lugar donde habita el espíritu. Casi como reflejo, la música actúa como esa puerta donde nos podemos conectar espiritualmente con nosotros mismos, y el lugar donde podemos encontrar esos artistas (guías) que nos faciliten esa tarea. Hablar de alguien como Devendra Banhart, nos lleva a poner sobre la mesa dicho planteamiento.

Un vestido azul y perlas….

Devendra Banhart es sin lugar a duda una de las voces con más vitalidad de la escena folk alternativa, a través de canciones que buscan acercarse a sus raíces, abordando temas como la maternidad, la transmisión de la sabiduría y la fragilidad del mundo actual. El originario de Houston, Texas, pero avecindado durante su infancia en Venezuela, se encuentra estrenando su undécimo álbum, ‘Flying Wig’, una gran colección de 10 canciones que aborda el desamor, el perdón y la melancolía con la excentricidad que sólo él puede.

Producido por Cate Le Bon, quién también tocó el sintetizador, guitarra, percusión, bajo y piano en el álbum, su influencia es palpable, llevando el sonido de Devendra a nuevas alturas y sutilezas. Durante todo el proceso de grabación, vistió un vestido azul y las perlas de su abuela evocando así de forma paralela sus experiencias de la infancia y que al mismo tiempo le refleja una sensación de seguridad para reconocerse y redescubrirse.

Foto por: Mondeleon

Minimalismo y profundidad musical

Luego de dos años de no publicar un material inédito, Banhart estrena Flying Wig (2023) un disco diferente al de sus predecesores, con tintes nostálgicos y profundos que te llevan a un viaje lleno de emociones en los cerca de 50 minutos de duración del disco. Con motivo de este lanzamiento platicamos con el músico venezolano-estadounidense acerca de toda su conexión espiritual y procesos creativos, el impacto de la cultura latinoamericana en su música y su gran deseo de hacer una gira por diversos puntos de México.

“Está caliente, sí, por qué salió del horno hoy”. (Nos dice ante un eufórico saludo, celebrando su nuevo álbum y platicando desde ya ,antes de sentarnos).

En sus últimos dos discos, previos a ‘Flying Wig’, tanto ‘Ape in Pink Marble’ de 2016 y ‘Ma’ de 2019, Devendra llevó un progresivo camino hacia el minimalismo y la profundidad de lo sútil, una suave reinvención que encontró su punto más alto en el álbum instrumental que publicó en el 2021 junto a su colaborador frecuente, el productor Noah Georgeson.

En ese entonces el lanzamiento de Refuge (2021) coincidía con el auge de una nueva escena de ambient en Los Ángeles y una revalorización del género a nivel global. Banhart cree que este nuevo interés tiene que ver con “una sed espiritual y colectiva de beber de las aguas del alma y el corazón”.

Bajo dicha premisa, en esta ocasión Devendra nos vuelve a cautivar con un álbum muy introspectivo, que explora diferentes etapas, tanto musicales como personales. Así nos lo platicaba bajo una sombra que nos protegía del sol de la capital mexicana.

“Si muy cierto, aunque no es tan diferente que en todos los otros álbumes que he hecho, creo que cada álbum está intentando ser más abierto, de explorar los lugares más oscuros de su corazón, de su psyche, entonces cada álbum es una exploración de ese lugar oscuro, de sombra. Aunque yo soy muy inmaduro y muy superficial, sigo intentando de explorar esos lugares que me dan miedo y eso es lo que estoy intentando hacer y cada nuevo álbum es una exploración de esos lugares y de ahí viene cómo las cosas más grises.”

Devendra Banhart navega por sus diferentes identidades y espiritualidades con absoluta vulnerabilidad. Para hacer precisamente eso, Banhart encontró seguridad en un hogar lejos del hogar, explorando temas de existencialismo, renacimiento, identidad y elección.

El detrás de Flying Wig

¿Qué descubriste de ti en este nuevo álbum? ¿Qué hay debajo de esa peluca voladora? 

“La peluca no es como nos escondemos, la peluca voladora en este sentido del álbum es más como un metáfora o un símbolo para la libertad, osea es como cuando tu estas en una vibración tan alta que tu pelo se fue, estaba tan alta la vaina que mi peluca estaba volando, entonces no hay nada que un símbolo de libertad.”

“En contexto a lo que uno puede descubrir, o lo que yo descubrí haciendo el álbum fueron varias cosas. Una cosa es que yo pensaba que tocar en vivo y tocar ante una audiencia y hacer shows era un poquito de fastidio de mi trabajo, lo que de verdad me gusta es escribir, grabar, es lo que de verdad me gusta. Pero cuando no podía tocar shows y que todos estábamos en casa, me di cuenta lo que aprecio eso, lo importante que es poder estar con gente y tocar las canciones, es una gran experiencia y que suerte que puedo hacer eso, entonces empecé a apreciar eso muchísimo.”

“Lo segundo, fue como aceptar algunas paradojas, porque puedo querer una cosa después quiero otra cosa, y me castigo, por querer o sentir cosas tan diferentes, me castigo algunas veces por sentir totalmente claro algo y a su vez no tener completamente idea de nada, entonces creo que con este álbum empecé a lograr aceptar que dos cosas que parecen diferentes o que son muy diferentes, pueden existir en el mismo espacio”.

La Psicodelia mediante sonidos acústicos

Devendra Banhart es uno de los proyectos musicales que se ha caracterizado por evolucionar entre cada una de sus producciones discográficas con sonidos que van desde el Folk, Bluegrass, Rock Psicodélico y géneros similares. Gran parte de su diversidad musical proviene de sus raíces debido a su madre venezolana y su padre estadounidense, llevando al origen de su nombre cuyo significado es sinónimo de Indra, hijo del cielo, relámpago, trueno y lluvia de la mitología hindú, sugerido por Prem Rawat, maestro espiritual de sus padres.

Su carrera como cantautor comenzó en 2002, a la cabeza del movimiento de artistas que exploraban la psicodelia a través de sonidos acústicos y letras campestres, también conocido como “freak folk”. Con un rico repertorio que tomaba tanto de The Beatles y Vashti Bunyan como de Caetano Veloso y Os Mutantes, Banhart se fue abriendo paso en una escena indie en la que prácticamente no había lugar para voces latinoamericanas.

¿Cómo podrías describir todo este proceso evolutivo con más de 20 años de trayectoria? Coronados por un disco excelso, versus el impacto que la cultura latinoamericana en especial ha tenido en ello.

“Bueno actualmente la música latinoamericana está teniendo una gran apreciación, eso se me hace increíble, es como que hay estrellas gigantes, Rosalía por favor es increíble que es mainstream y lo máximo, avant garde y arte. Tenemos a nuestros nuevos heroes y estrellas, Silvana Estrada, por ejemplo también, Natalia Lafourcade, Carla Morrison, entonces creo que estamos en un tiempo de mucha apreciación y respeto para la música latinoamericana y mexicana. Yo siempre me he sentido como una abuelita, la tía, yo estoy feliz en una tinita con mis diez gatos, leyendo mis libros, tomando un té, siempre me he sentido así, desde que tenía 18 me siento bien así jaja.”

La música como pausa espiritual, a todos los dramas que hay allá afuera, a todo lo que nos hace daño, las adversidades del día a día, la música nos da esa pausa y tranquilidad. Considero que has tenido una trayectoria muy apegada a la espiritual, a la meditación ¿Qué tan complejo puede ser hacer esa conexión, o encontrar esa inspiración de integrar estos elementos a tus procesos creativos?

No hay mucha división entre esas dos cosas, más bien los dos se apoyan, yo lo veo como una calle donde hay dos casas y una de ellas es como el mundo físico, el mundo del arte, las artes plásticas, y la otra casa es como este mundo de la metafísica, de la práctica espiritual sea cual sea tu práctica. En la realidad son la misma cosa, para mí, una no puede existir sin la otra, y es muy importante integrar esas dos cosas, es como pensar que hay otro mundo allá donde todo es mejor y fantasía, y me parece que todo debe ser muy concreto, meditar es una cosa muy simple pero muy difícil.

“Apaga tu teléfono, cierra tu computadora, siéntate, cierra los ojos, intentar apagar la mente, porque vas a ver que es más fácil decirlo que hacerlo, es una cosa más simple pero difícil de hacer. Ahí uno se empieza a conocer un poco más, ese era el punto, si yo me conozco mejor a mí, te conozco mejor a ti, son cosas muy integrales.”

Foto por: Mondeleon

Un multifacético Banhart

Dentro del amplio legado artístico que brindas, tanto musicalmente hablando, tus libros de arte, tu poesía, es como tener tres artes bailando en un mismo ente, conviviendo entre sí, ¿qué tan retador puede ser encontrar esas nuevas expresiones de comunicación, y qué es lo que más disfrutas de ser Devendra?

“Gracias querido. Bueno, mira si no es interesante ¿para qué hacerlo? Todavía es interesante para mí, todavía es una exploración, una aventura, cada vez que aprendo algo nuevo, pinto una cosa nueva, escribo una letra nueva, o un nuevo acorde, veo que siempre hay tanto que aprender, y tiene que ver no solamente con tu identidad sino con todo lo que te hace perderte ¿En qué te puedes perder? Y eso es una pregunta muy subjetiva, todos tenemos esa cosa donde nos podemos perder, y muchas veces el mundo no quiere que hagamos esa cosa.”

“Muchas veces nuestra familia o la sociedad o nuestra comunidad no quiere que nos perdamos en esa cosa, y eso te debería dar una clave que es una cosa que deberías perseguir, porque siempre debe de existir un poco de sacrificio.”

Un gran amor por México y Latinoamérica

¿Qué es México para ti? Por ahí en alguna época de tu vida, creo que hay una historia muy linda que me gustaría poder platicar contigo, hay una canción que le escribiste a Cihuatlán, ese rinconcito entre Jalisco y Colima, yo soy del sur de Jalisco, nací en Ciudad Guzmán, muy cerquita de ahí, y bueno me parece que es un lugar que adoptó tu mamá con mucho cariño.

“Sí, sí, es una canción que cantaba sobre ese lugar, siempre se metió en mi mente ese lugar, como wow como un lugar mítico, y la mitología se puede sentir más que en ningún otro lugar como en México, siempre he sentido que los dioses y las diosas están durmiendo abajo de estas calles, y que son parte de las ramas de esos árboles grandes y se siente como un lugar muy conectado con la mitología”.

“Veo a esos dioses mayas por todos lados, hasta en la arquitectura se puede ver eso ¿sabes? Y no es una mitología muerta, sino que está viva o está durmiendo, siempre a punto de despertar”.

Gracias por arrancar esta nueva etapa artística ‘Flying Wig’ en México.

“Para nosotros es un placer, y toda la gente de mi grupo que viene conmigo nunca han estado en México, entonces estamos muy emocionados y quiero verlo todo de nuevo”

“Me gustaría que me pregunten cuando vamos hacer una gira propia de México, quiero hacer como 20 shows, yo quiero tocar en todos los lugares posibles de México, y yo no puedo escoger, no puedo escoger. Por favor invítenme a tocar, es un sueño para nosotros. Queremos hacer una cosa propia por favor, ayúdenme, Oaxaca es un sueño, wow hay tantos lugares, esa es mi cosa, se los ruego que podamos tocar más en México, yo encantado.”

Foto por: Mondeleon

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Los cinco estrenos musicales de la semana que debes escuchar

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Esta semana los estrenos latinoamericanos tomaron gran relevancia, además de psicodelia, regresos en el hip hop y el jazz canadiense dieron mucho para escuchar toda esta semana. Pero vamos por partes.

Dime Precioso de Alex Anwandter

El chileno nos ofreció hace apenas unos meses El Diablo en el Cuerpo (2023), uno de los mejores discos del año pasado y que puso en alto el talento de los artistas sudamericanos en el mundo. Ahora con Dime Precioso (2024) Anwandter se sumerge en el house de los 90s.

Frog in Boiling Water de DIIV

Los aliens neoyorquinos están de regreso con este LP que es directamente una metáfora del colapso de la sociedad contemporánea, algo así como una crítica al capitalismo, definiéndonos como la etapa más abrupta de ese proceso donde todo está por terminar de golpe.

GRASA de Nathy Peluso

Nathy ha cimentado uno de los proyectos más interesantes e irreverentes de Argentina durante los últimos años; GRASA (2024) es un paso más en este camino donde la artista se deja llevar sobre el rap, ritmos tropicales y hasta baladas, mostrando, líricamente, su momento más personal.

Dark Times de Vince Staples

Dándose una despedida de Def Jam Recordings, Vince estrenó este nuevo material. El material ejemplifica y condena la segregación racial que ha vivido el artista y toda la comunidad afroamericana: “Soy negro, y por ser negro tenemos nuestras cosas que podrían matarnos”.

https://www.youtube.com/watch?v=sdUw60y7Nk8}

Mid Spiral Chaos de BADBADNOTGOOD

Si bien BADBADNOTGOOD ha sido capaz de crear un estilo único que lo define, éste siempre termina siendo compartido con otras voces y producciones al tratarse de colaboraciones. Este nuevo EP, el trío presenta la esencia más pura de su ser al mostrar un jazz visceral, limpio y más que honesto a través de la instrumentalización.

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WARP Presenta Entrevista con Apocalyptica: cerrando un círculo místico con Metallica

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Esta es una entrevista cargada de sentimiento, memorias y perseverancia. Han pasado más de 30 años desde que Apocalyptica se formó y como toda nueva banda tenían un sueño y una banda a quien miraban como referente. Tocar covers de Metallica los puso en el mapa mundial y hoy ese círculo se cierra de manera increíble, logrando que James Hetfield, Rob Trujillo y Cliff Burton (en espíritu) colaboren en su nuevo álbum ‘Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2’.

Apocalyptica nunca ha traicionado su espíritu y mejor aún, han innovado con los años, añadiendo baterías, cantantes e incluso guitarras para seguir desarrollando un sonido cuando sea necesario y llenando sus composiciones al siguiente nivel.

Actualmente siguen siendo un referente del metal global, y siguen celebrando grandes shows alrededor del mundo con una base de fans que se ha mantenido leales y constantes y que siempre responden a un nuevo llamado.

Y este nuevo llamado es realmente especial, ya que cierran un circulo desde donde todo comenzó, logrando que el mismísimo James Hetfield, Rob Trujillo y una colaboración espiritual con el fallecido Cliff Burton, cobren vida y sea una realidad que ha dejado contentos a todos los fans.

Es una etapa de ensueño para la banda y platicamos acerca de ello con el gran Perttu Kivilaakso, en done también nos contó por su gran amor por la Ciudad de México en donde han hecho giras sold out.

Felicidades por el nuevo disco, ¿qué tan difícil fue escoger las canciones que formarían parte de Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2 y como fue el proceso?

“Perttu: Todo sucedió hace como un año de que empezamos a platicar sobre este proyecto, aunque en realidad el proyecto como tal ha estado durante muchos años en nuestra mente, sobre todo porque aún existía una gran cantidad de canciones que no habíamos tocado.

Personalmente “Blackened” fue la primera canción que escuché de Metallica y me enamoré de ella para siempre, y desde que tenemos Apocalyptica soñé con algún día hacer una versión de ese tema.

Y ahora solo se sintió el momento perfecto, hemos estado de gira desde hace dos años y queremos seguir en ese ambiente, y pensamos en este disco que fue grabado en Los Ángeles, y nos tomó aproximadamente 3 meses, como de julio a septiembre y la producción estuvo a cargo de Joe Barresi, un excelente productor con el que ya hemos trabajado, tiene una mente muy creativa y es excelente descubriendo sonidos.

Volviendo al disco otra canción que era muy obvia es “Ride The Lightning” pero amo muchas canciones y hay muchos hits que tienen y que yo recuerdo siempre escucharlos de joven, y para esa selección escuché todos sus discos y para mi fu un viaje al pasado muy importante, despertaron varias memorias lindas en mí.

Yo siempre fui muy apasionado por la música y eso sigue existiendo en Apocalyptica, aun tenemos es pasión de seguir tocando canciones, así que es interesante porque tenemos esa pasión de la adolescencia, pero ahora en este disco hemos puesto todo lo que hemos aprendido durante todos estos años, la producción, la estructura y un sonido más distintivo, como usar los chelos y las posibilidades son infinitas. Todo fue más maduro.”

En el disco hay grandes colaboraciones y me gustaría empezar por la de Rob Trujillo en “The Four Horsemen”, es una bestia que domina su instrumento en el mejor de los sentidos. ¿Cómo fue el acercamiento con él y por qué escogieron esa canción en especial?

Perttu: Rob es uno de los mejores bajistas que han existido, su aporte a Metallica es muy grande y como persona es un fantástico ser humano, muy simpático y muy amable.

Básicamente queríamos que Metallica también se involucrara y fuera parte de esto a diferencia del pasado, que solamente trabajábamos en las canciones solos, esta vez nos acercamos a ellos para preguntarles si estaban interesados y la respuesta fue positiva.

Y entre esas conversaciones Rob sugirió que si en algún momento necesitábamos el sonido de un bajo el estaba más que contento de aportar y para nosotros fue un honor, nos voló la cabeza el solo hecho de pensar que alguien de Metallica trabaje con nosotros, y que venga al estudio y que haga su magia es indescriptible.  

“The Four Horsemen” era perfecta para el estilo de Rob y siempre he creído que los bajistas en la historia de Metallica han aportado mucho más que un simple acompañamiento, han aportado melodía y tácticas fenomenales, estamos muy contentos de que haya sucedido.”

Tienen otra colaboración mística y fantástica en “The Call of Ktulu” nada más y nada menos que con Cliff Burton en espíritu, evidentemente, lo cual se me hace un homenaje muy bello hacia su persona y hacia su legado, ¿cómo hicieron posible esta canción?

Perttu: Es alguna hermoso, me dan escalofríos cada vez que pienso en ello y la primera vez que escuché la canción terminada.

Nos mandaron un demo original de la canción que nos permitía trabajar y construir sobre las melodías de Cliff, sabes, dibujar nuestro mundo sobre ello, y sentirnos conectados, es una gran canción y como lo mencionas, tener esta experiencia en espíritu la verdad sí me hizo llorar un par de veces cuando estábamos terminando la canción.

Espero que también sea algo muy sentimental para los fans de Metallica y los nuestros y de todos los que siguen recordando a Cliff Burton, desde que se fue nunca lo he olvidado y su legado durará por siempre.

Esta es una experiencia que no olvidaré y es algo especial para todos que puedan escuchar de nuevo el bajo de Cliff en una canción y en una versión de Apocalyptica.”

Yo creo que sin duda los fans la van a amar, y es definitivamente la canción más espiritual de su nueva disco y por supuesto fue un detalle hermoso de su parte grabar esto. Y bueno, tenemos ya involucrados a Rob Trujillo y por otra parte a Cliff Burton y, por último, tenemos al legendario James Hetfield colaborando con ustedes, prestando su voz en una nueva versión del clásico “One”, que no solo es una de las mejores canciones de metal de la historia si no de la música en general, y esto definitivamente es un sueño para todos, y de cierta manera se cierra un círculo maravilloso para ustedes, ¿cómo pasó todo eso?

“‘One’ es una canción muy importante en mi vida, específicamente porque el ‘And Justice For All’ fue el primer disco que tuve de Metallica en mi vida, y por supuesto la primera vez que la escuché recuerdo haber perdido la cabeza, somo cuando sientes que estás escuchando la mejor música posible del mundo, era algo que jamás había escuchado antes.

Y por supuesto en 1998 ya habíamos hecho una versión de “One” pero siempre estuve repensando la idea de que debíamos llevar la canción a un punto cinematográfico, la canción en sí misma ya es así por sí sola, personalmente vienen muchas imágenes a mi mente cuando la escucho, para mí es música cinematográfica, y fue por eso que empecé a trabajar en una versión que fuera diferente a la de Metallica y a la nuestra que tuviera esos tintes épicos que un mundo como el cine te puede ofrecer.

La canción va creciendo cada vez más y más, y hay una gran orquestación al respecto e incluimos muchos sintetizadores, sonidos minimalistas cinematográficos y el sonido de explosiones, y este nuevo intro también fue pensando para llevarla al en vivo en un show, y al final quedó en una versión que dura casi 10 minutos.

Y eso no era todo, me parecía que el ingrediente final perfecto es que tuviéramos un narrador cinematográfico en la canción, que contará la historia sin necesariamente cantar, y es hí cuando pensamos en James Hetfield.

James siempre nos pareció el arquetipo ideal de músico con el que nos gustaría trabajar, es increíble en muchos sentidos, pero pensar que podría hacerse realidad era algo inimaginable.

Así que antes de tener esa posibilidad pensamos en muchas maneras de hacerlo, contemplamos tener a un actor/narrador con una gran voz que hiciera el trabajo y entre todo este proceso, James se enteró de lo que teníamos en mente y básicamente se acercó a nosotros, y literalmente nos dijo “hey, por qué no me lo han pedido a mí, creo que sería lo mejor” jajajaja.

Y fue algo mágico que James estuviera dispuesto a hacerlo, como lo mencionaste antes, es un sueño para nuestros fans y para nosotros, y evidentemente James tiene una voz increíble y sabe como usarla, tiene años de experiencia, incluso para esta parte del spoken word.

Definitivamente estamos orgullosos y espero que a la gente le encante la colaboración tanto como nos encantó a nosotros.”

Definitivamente, aparte el vídeo original fue muy impactante en su momento y cuenta una historia en particular, desde ese punto de vista, ¿cuál fue tu visión y manera de reinterpretar visualmente la canción para esta obra cinematográfica?

“Queríamos crear una historia pensada en un mundo apocalíptico en donde todo esta destruido pero al mismo tiempo que tuviera actores con una gran carga emocional, desde un punto humano, por ejemplo una de las protagonistas está en su casa esperando el regreso de alguien o esperando por algo, y por otro lado otro de los protagonistas nos lleva por tierras destruidas también quizás buscando vidas, o personas o su hogar,  pero el video no es así de claro, dejamos también un poco de misterio para que el espectador quede atrapado en esa experiencia.

Y por otro lado el vídeo también representa lo que es la guerra, que es algo salvaje, pero que al mismo tiempo todo ese escenario ya atmósfera te motiva a ir al límite para encontrar esperanza y la letra de “One” está construida para eso también, es perfecta.

Siempre hay un poco de luz cuando crees que todo está perdido, a mí en lo personal me encanta el cine de mundos apocalípticos, y curiosamente terminamos trabajando en el video de “One” con un tipo de Los Ángeles que ha hecho sonido para las películas de Marvel, así que fue una gran experiencia estar en el estudio con esta persona, con la que no estamos acostumbrados, fue algo de lo que aprendí mucho, en la parte creativa fue un desafío grandioso.

Y aunque al principio no se tenían planes de sacar un video esta era una oportunidad que no podíamos dejar pasar, tener a James y regalarnos una experiencia de esta magnitud tenía que suceder.”

Y hablando de fans, aquí en México tienen un sequito muy fiel y pasional y que se renueva cada que vienen, y la última vez tuvieron un tour prácticamente sold out por distintos estados, ¿cómo se sienten respecto a eso y cómo describirían esta relación que existe entre México y Apocalyptica a través de todos estos años?

“Es de lo mejor, a mí me encanta, la relación ha sido la mejor desde nuestros inicios, incluso México fue el primer país al que fuimos a tocar fuera de Finlandia y Alemania, nos abrieron las puertas de una manera muy hermosa y significativa y siempre nos encanta ir a tocar.

El último tour fue increíble, tocamos 15 conciertos por todo México, y sin duda puedo decirte que ha sido uno de los mejores tours que hemos tenido en nuestra carrera, porque por primera vez tocamos en ciudades a las que no habíamos ido antes fuera de la Ciudad de México, como Guadalajara y Monterrey, y todo es espectacular, nos encanta la comida, nos encanta el paisaje, es uno de los lugares más hermosos que existen, espero que podamos ir pronto ahora con este nuevo disco, me muero de ganas.

Estamos pensando en hacer una presentación especial en el Auditorio Nacional, aunque no es seguro, pero sé que estamos trabajando en ello apara poder lograrlo, ya sea ahí o en algún otro lugar porque ¡México es lo mejor!”

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Sonidos del Futuro: Swaggerboyz, trap disruptivo con identidad zenteniall

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Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Swaggerboyz.

Si hay algo que caracterice a la generación Z es su apego a los estímulos digitales, y no es por nada, pues muchos de los que nacimos después del año 2000 crecimos y hasta nos criamos de alguna forma con todo lo que teníamos al alcance de un clic. Esto no solo habla de una generación dependiente a la conectividad, sino también a un momento en la historia humana donde la identidad se ha regido en torno a estándares creados dentro de las sociedades digitales.

Hay quienes plasman esta identidad “zenteniall” a través de memes, maneras de conversar, formas de vida más concordantes con la poca preocupación y otros más que lo plasman en el arte. Y es el arte de los artistas zenteniall puede ser muy variado, al igual que toda la información que la generación procesa en su día a día en internet.

Existe un caso particular en la zona emergente argentina, pues dos chicos, Stiffy y Agusfortnite2008 (ese es su nombre artístico) rompen las barreras del trap convencional que se viene haciendo en su país para darle un sello distintivo con un único lema vigente: La diversión.

Música de ascensor

Swaggerboyz es un proyecto conjunto de los ya mencionados Agusfortnite2008 y Stiffy, dos jóvenes que trascienden el trap en una materia sonora más disruptiva y que realmente no sigue ninguna regla del género.

Con bases instrumentales cargadas de referencias a la cultura zenteniall, memes y lenguaje que solo existe en los canales digitales, Swaggerboyz crearon un universo tan peculiar como extraño en sí mismo, que ha causado el repudio como la admiración de muchos internautas. Y digo “internautas” porque este tipo de proyectos no podrían darse a conocer en otro lado por la naturaleza conceptual del propio proyecto.

Sean buenos o malos, porque aquí no estamos para definir eso, Swaggerboyz es la nueva forma de crear un trap saturado, enérgico y potente que, seguramente a modo de meme, conecta con una audiencia joven que solamente quiere alocarse y disfrutar del momento, y qué mejor que con un proyecto que “peca” de ser “fácil” material de consumo para los jóvenes más arraigados a la identidad digital.

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