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Entrevistas

WARP Presenta Entrevista con Inhaler: La Nueva Generación Irlandesa

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En este nuevo especial de WARP hablamos con Inhaler, la banda que encabeza a la nueva generación de talentos irlandeses que están cambiando el panorama del Rock en Europa

Fotos: David Barajas

Irlanda siempre se ha caracterizado por ser uno de los lugares que ha sido testigo del nacimiento de numerosas bandas importantes a nivel mundial, las cuales han dejado un legado importante dentro de esta industria, con nombres que abarcan desde The Boomtown Rats con BoB Geldof, The Cranberries liderado por Dolores O´Riordan y bandas como u2, quienes hoy en día siguen revolucionando la forma de hacer shows en vivo. Cada una de ellas forma parte de una generación diferente, con gran impacto musical y cultural que va más allá en cada uno de los años en los que fueron fundados.

Es por ello que con la entrada de una nueva década llegan también propuestas diferentes y frescas, las cuales serán parte de un nuevo legado. Es el caso de Inhaler, la banda de rock originaria de Dublín quienes se integran a una nueva ola musical, conformada por el bajista Robert Keating, el guitarrista Josh Jenkinson, el baterista Ryan McMahon y vocalista Elijah Hewson, hijo de Bono de U2.

Fue en el 2012 cuando la agrupación se formó en el Colegio de St. Andrews en Blackrock,Dublín. Sin embargo fue hasta el año 2015 que decidieron adoptar de manera formal el nombre de Inhaler, a sugerencia de su recién agregado guitarrista Josh. A partir de ello y durante los últimos años, la banda a tenido numerosas participaciones en numerosas ciudades alrededor del mundo incluyendo el Festival Corona Capital el año pasado.

Una combinación de elementos

Un par de horas antes de su presentación en el Auditorio BB, nos encontramos con Inhaler, quienes se encuentran haciendo soundcheck y puliendo los últimos detalles antes de subir a un show con entradas agotadas. Tras unos minutos de espera, los integrantes bajan del escenario y dan un breve respiro en un espacio abierto del lugar, para después saludarnos amablemente e invitarnos a tomar asiento para comenzar a conversar en el interior de su camerino.

Bienvenidos a la Ciudad de México. Felicidades por este nuevo álbum Cuts & Bruises (2023), me encanta la manera en como combinaron diferentes elementos en cada una de las canciones en compañía de diversos temas como parte de las letras. ¿Pueden contarnos acerca de la historia y el proceso creativo detrás de está magnifica producción?

Comenzamos todo este proceso quizá a finales de nuestro primer disco, nos juntábamos entre la gira y hacíamos espacio para platicar acerca de todas nuestras ideas y cosas que solo se visualizaban en nuestra cabeza para así darles forma y sonido. Teníamos alrededor de 40 ideas para el álbum, canciones y un sin fin de cosas, que nos dijimos es momento de grabarlas.

Un álbum mágico y asombroso el cual comienza con una exquisita canción como lo es “Just to Keep You Satisfaced”, el cual lanzaron el video hace un par de meses.Un visual el cual combinan diferentes escenas de conciertos, fans y diversos elementos, todos ellos en blanco y negro… una obra artística muy especial, sobre todo para sus seguidores ¿ cierto ?

Todo ello fue puesto de manera muy especial y de forma muy consiente, teníamos muy claro el como queríamos representar esta canción… el video. Estábamos muy conectados en el estudio y queríamos reflejarlo de cierta manera, representar la historia de lo que es el álbum.

Los días previos a la selección de este material la pasamos muy bien, seleccionando las tomas, nuestros momentos y claro toda la recapitulación de shows tanto antes como después del verano, queríamos hacer sentir a los fans una parte de nosotros.

Una cosecha de éxitos : CDMX

Es ya la tercera vez que visitan México, siendo el 2019 la fecha de su debut aquí, con la promoción de su primera placa It Won´t Always Be Like This (2021) como parte del Festival Corona Capital, en el que de igual forma estuvieron el año pasado. Hoy es una presentación muy especial debido a que es su primer show en solitario en nuestro país ¿ como describirían esta conexión con el público mexicano ?

Siempre es un enorme placer. Debido a que siempre nos traen una enorme energía a nuestros shows, siempre es muy emocionante estar aquí, hemos podido experimentar por parte de nuestros fans mexicanos mucha amabilidad y pasión cuando nos ven, son muy entregados.

En México hay una gran pasión por la música y esta noche será muy especial.

Ve nuestra reseña del concierto de Inhaler ¡Aquí!

¿Cuál es el elemento principal que los hace continuar creando música ? Desde sus primeras canciones hasta ahora….

Todos los logros que hemos tenido desde nuestro primer álbum hasta el día de hoy, vivimos para hacer música y no podríamos imaginarlo de alguna otra manera, siempre estamos creando y componiendo.

Desafíos musicales…

Con dos discos dentro de su trayectoria musical y con estos años de múltiples experiencias ¿ Cuál podrían decir que es su principal reto dentro del trabajo que han hecho con cada una de sus canciones ?

Decidir cuando una canción esta lista, todo ese proceso de reconocer cuando debes finalizarla y hacer caso a todo tu equipo alrededor cuando te dicen: está terminada, para.Es en definitiva una de las cosas más difíciles a las que nos enfrentamos.

Muchas veces tienes demasiado material por tocar, por mezclar que te ves inmerso en un gran proceso lleno de maquetas, letras y es una parte muy difícil dar esa pincelada final a la melodía… debido a que te encuentras muy emocionado por el siguiente álbum y debes decidir continuar.

Por último muchachos, tengo un par de preguntas más ¿Cuál es el siguiente paso para Inhaler?

Hacer otro álbum y regresar (risas) y claro agradecer a todos nuestros fans por seguirnos, nosotros estaremos encantados de regresar cada vez más a México.

La segunda y última pregunta antes de irnos Elijah. ¿Cuál podrías decir que es el mejor consejo que tu padre te he dado para dedicarte hacer música?

Claro. Nunca hubo ninguna presión por parte de él para que yo me dedicará hacer música ni nada por el estilo, debido que para él la música es algo muy serio, de la forma en que lo es para mi también y lo será siempre, así que me dijo:

“Tómalo muy enserio y sé bueno en ello” .

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WARP Presenta Entrevista con Apocalyptica: cerrando un círculo místico con Metallica

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Esta es una entrevista cargada de sentimiento, memorias y perseverancia. Han pasado más de 30 años desde que Apocalyptica se formó y como toda nueva banda tenían un sueño y una banda a quien miraban como referente. Tocar covers de Metallica los puso en el mapa mundial y hoy ese círculo se cierra de manera increíble, logrando que James Hetfield, Rob Trujillo y Cliff Burton (en espíritu) colaboren en su nuevo álbum ‘Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2’.

Apocalyptica nunca ha traicionado su espíritu y mejor aún, han innovado con los años, añadiendo baterías, cantantes e incluso guitarras para seguir desarrollando un sonido cuando sea necesario y llenando sus composiciones al siguiente nivel.

Actualmente siguen siendo un referente del metal global, y siguen celebrando grandes shows alrededor del mundo con una base de fans que se ha mantenido leales y constantes y que siempre responden a un nuevo llamado.

Y este nuevo llamado es realmente especial, ya que cierran un circulo desde donde todo comenzó, logrando que el mismísimo James Hetfield, Rob Trujillo y una colaboración espiritual con el fallecido Cliff Burton, cobren vida y sea una realidad que ha dejado contentos a todos los fans.

Es una etapa de ensueño para la banda y platicamos acerca de ello con el gran Perttu Kivilaakso, en done también nos contó por su gran amor por la Ciudad de México en donde han hecho giras sold out.

Felicidades por el nuevo disco, ¿qué tan difícil fue escoger las canciones que formarían parte de Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2 y como fue el proceso?

“Perttu: Todo sucedió hace como un año de que empezamos a platicar sobre este proyecto, aunque en realidad el proyecto como tal ha estado durante muchos años en nuestra mente, sobre todo porque aún existía una gran cantidad de canciones que no habíamos tocado.

Personalmente “Blackened” fue la primera canción que escuché de Metallica y me enamoré de ella para siempre, y desde que tenemos Apocalyptica soñé con algún día hacer una versión de ese tema.

Y ahora solo se sintió el momento perfecto, hemos estado de gira desde hace dos años y queremos seguir en ese ambiente, y pensamos en este disco que fue grabado en Los Ángeles, y nos tomó aproximadamente 3 meses, como de julio a septiembre y la producción estuvo a cargo de Joe Barresi, un excelente productor con el que ya hemos trabajado, tiene una mente muy creativa y es excelente descubriendo sonidos.

Volviendo al disco otra canción que era muy obvia es “Ride The Lightning” pero amo muchas canciones y hay muchos hits que tienen y que yo recuerdo siempre escucharlos de joven, y para esa selección escuché todos sus discos y para mi fu un viaje al pasado muy importante, despertaron varias memorias lindas en mí.

Yo siempre fui muy apasionado por la música y eso sigue existiendo en Apocalyptica, aun tenemos es pasión de seguir tocando canciones, así que es interesante porque tenemos esa pasión de la adolescencia, pero ahora en este disco hemos puesto todo lo que hemos aprendido durante todos estos años, la producción, la estructura y un sonido más distintivo, como usar los chelos y las posibilidades son infinitas. Todo fue más maduro.”

En el disco hay grandes colaboraciones y me gustaría empezar por la de Rob Trujillo en “The Four Horsemen”, es una bestia que domina su instrumento en el mejor de los sentidos. ¿Cómo fue el acercamiento con él y por qué escogieron esa canción en especial?

Perttu: Rob es uno de los mejores bajistas que han existido, su aporte a Metallica es muy grande y como persona es un fantástico ser humano, muy simpático y muy amable.

Básicamente queríamos que Metallica también se involucrara y fuera parte de esto a diferencia del pasado, que solamente trabajábamos en las canciones solos, esta vez nos acercamos a ellos para preguntarles si estaban interesados y la respuesta fue positiva.

Y entre esas conversaciones Rob sugirió que si en algún momento necesitábamos el sonido de un bajo el estaba más que contento de aportar y para nosotros fue un honor, nos voló la cabeza el solo hecho de pensar que alguien de Metallica trabaje con nosotros, y que venga al estudio y que haga su magia es indescriptible.  

“The Four Horsemen” era perfecta para el estilo de Rob y siempre he creído que los bajistas en la historia de Metallica han aportado mucho más que un simple acompañamiento, han aportado melodía y tácticas fenomenales, estamos muy contentos de que haya sucedido.”

Tienen otra colaboración mística y fantástica en “The Call of Ktulu” nada más y nada menos que con Cliff Burton en espíritu, evidentemente, lo cual se me hace un homenaje muy bello hacia su persona y hacia su legado, ¿cómo hicieron posible esta canción?

Perttu: Es alguna hermoso, me dan escalofríos cada vez que pienso en ello y la primera vez que escuché la canción terminada.

Nos mandaron un demo original de la canción que nos permitía trabajar y construir sobre las melodías de Cliff, sabes, dibujar nuestro mundo sobre ello, y sentirnos conectados, es una gran canción y como lo mencionas, tener esta experiencia en espíritu la verdad sí me hizo llorar un par de veces cuando estábamos terminando la canción.

Espero que también sea algo muy sentimental para los fans de Metallica y los nuestros y de todos los que siguen recordando a Cliff Burton, desde que se fue nunca lo he olvidado y su legado durará por siempre.

Esta es una experiencia que no olvidaré y es algo especial para todos que puedan escuchar de nuevo el bajo de Cliff en una canción y en una versión de Apocalyptica.”

Yo creo que sin duda los fans la van a amar, y es definitivamente la canción más espiritual de su nueva disco y por supuesto fue un detalle hermoso de su parte grabar esto. Y bueno, tenemos ya involucrados a Rob Trujillo y por otra parte a Cliff Burton y, por último, tenemos al legendario James Hetfield colaborando con ustedes, prestando su voz en una nueva versión del clásico “One”, que no solo es una de las mejores canciones de metal de la historia si no de la música en general, y esto definitivamente es un sueño para todos, y de cierta manera se cierra un círculo maravilloso para ustedes, ¿cómo pasó todo eso?

“‘One’ es una canción muy importante en mi vida, específicamente porque el ‘And Justice For All’ fue el primer disco que tuve de Metallica en mi vida, y por supuesto la primera vez que la escuché recuerdo haber perdido la cabeza, somo cuando sientes que estás escuchando la mejor música posible del mundo, era algo que jamás había escuchado antes.

Y por supuesto en 1998 ya habíamos hecho una versión de “One” pero siempre estuve repensando la idea de que debíamos llevar la canción a un punto cinematográfico, la canción en sí misma ya es así por sí sola, personalmente vienen muchas imágenes a mi mente cuando la escucho, para mí es música cinematográfica, y fue por eso que empecé a trabajar en una versión que fuera diferente a la de Metallica y a la nuestra que tuviera esos tintes épicos que un mundo como el cine te puede ofrecer.

La canción va creciendo cada vez más y más, y hay una gran orquestación al respecto e incluimos muchos sintetizadores, sonidos minimalistas cinematográficos y el sonido de explosiones, y este nuevo intro también fue pensando para llevarla al en vivo en un show, y al final quedó en una versión que dura casi 10 minutos.

Y eso no era todo, me parecía que el ingrediente final perfecto es que tuviéramos un narrador cinematográfico en la canción, que contará la historia sin necesariamente cantar, y es hí cuando pensamos en James Hetfield.

James siempre nos pareció el arquetipo ideal de músico con el que nos gustaría trabajar, es increíble en muchos sentidos, pero pensar que podría hacerse realidad era algo inimaginable.

Así que antes de tener esa posibilidad pensamos en muchas maneras de hacerlo, contemplamos tener a un actor/narrador con una gran voz que hiciera el trabajo y entre todo este proceso, James se enteró de lo que teníamos en mente y básicamente se acercó a nosotros, y literalmente nos dijo “hey, por qué no me lo han pedido a mí, creo que sería lo mejor” jajajaja.

Y fue algo mágico que James estuviera dispuesto a hacerlo, como lo mencionaste antes, es un sueño para nuestros fans y para nosotros, y evidentemente James tiene una voz increíble y sabe como usarla, tiene años de experiencia, incluso para esta parte del spoken word.

Definitivamente estamos orgullosos y espero que a la gente le encante la colaboración tanto como nos encantó a nosotros.”

Definitivamente, aparte el vídeo original fue muy impactante en su momento y cuenta una historia en particular, desde ese punto de vista, ¿cuál fue tu visión y manera de reinterpretar visualmente la canción para esta obra cinematográfica?

“Queríamos crear una historia pensada en un mundo apocalíptico en donde todo esta destruido pero al mismo tiempo que tuviera actores con una gran carga emocional, desde un punto humano, por ejemplo una de las protagonistas está en su casa esperando el regreso de alguien o esperando por algo, y por otro lado otro de los protagonistas nos lleva por tierras destruidas también quizás buscando vidas, o personas o su hogar,  pero el video no es así de claro, dejamos también un poco de misterio para que el espectador quede atrapado en esa experiencia.

Y por otro lado el vídeo también representa lo que es la guerra, que es algo salvaje, pero que al mismo tiempo todo ese escenario ya atmósfera te motiva a ir al límite para encontrar esperanza y la letra de “One” está construida para eso también, es perfecta.

Siempre hay un poco de luz cuando crees que todo está perdido, a mí en lo personal me encanta el cine de mundos apocalípticos, y curiosamente terminamos trabajando en el video de “One” con un tipo de Los Ángeles que ha hecho sonido para las películas de Marvel, así que fue una gran experiencia estar en el estudio con esta persona, con la que no estamos acostumbrados, fue algo de lo que aprendí mucho, en la parte creativa fue un desafío grandioso.

Y aunque al principio no se tenían planes de sacar un video esta era una oportunidad que no podíamos dejar pasar, tener a James y regalarnos una experiencia de esta magnitud tenía que suceder.”

Y hablando de fans, aquí en México tienen un sequito muy fiel y pasional y que se renueva cada que vienen, y la última vez tuvieron un tour prácticamente sold out por distintos estados, ¿cómo se sienten respecto a eso y cómo describirían esta relación que existe entre México y Apocalyptica a través de todos estos años?

“Es de lo mejor, a mí me encanta, la relación ha sido la mejor desde nuestros inicios, incluso México fue el primer país al que fuimos a tocar fuera de Finlandia y Alemania, nos abrieron las puertas de una manera muy hermosa y significativa y siempre nos encanta ir a tocar.

El último tour fue increíble, tocamos 15 conciertos por todo México, y sin duda puedo decirte que ha sido uno de los mejores tours que hemos tenido en nuestra carrera, porque por primera vez tocamos en ciudades a las que no habíamos ido antes fuera de la Ciudad de México, como Guadalajara y Monterrey, y todo es espectacular, nos encanta la comida, nos encanta el paisaje, es uno de los lugares más hermosos que existen, espero que podamos ir pronto ahora con este nuevo disco, me muero de ganas.

Estamos pensando en hacer una presentación especial en el Auditorio Nacional, aunque no es seguro, pero sé que estamos trabajando en ello apara poder lograrlo, ya sea ahí o en algún otro lugar porque ¡México es lo mejor!”

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Cortes Selectos

WARP Presenta entrevista con Bu Cuarón: multiculturalidad artística y colorida como un cubo de Rubik

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Bu Cuarón

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con canciones en inglés y español. Estrenando su EP debut, que es el reflejo de años de estudio, evolución y experimentación, el EP se define por un enfoque exploratorio, con temas que cambian y sorprenden continuamente, desde la dramática montaña rusa de paradas y arranques de “Come for Me” hasta las letras rápidas de la pegajosa canción de ukelele “Sweet Face.” Así qué, dicho estreno nos muestra la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos. El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

Bu Cuarón fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Drop By When You Drop Dead es el primer proyecto musical de Bu desde el lanzamiento de “Psycho,” en el 2019, trabajo que apareció en el álbum Music Inspired by the Film Roma, una colección de canciones inspiradas en la película de su padre nominada al Oscar, ROMA. 5 años después Bu Cuarón estrena música, y esa fue la oportunidad ideal para poder platicar con ella al respecto.

Bu Cuarón: Como una serpiente que se mudó de piel (respecto a como se siente después de este gran paso de 5 años) finalmente puedo dejarlo en otro lado, bye jajaja, ya no puedo controlar nada, ya no puedo cambiar nada, ya esta fuera y estoy muy contenta por eso.

Ahora con toda es paz mental que te dá el ya tener tu EP fuera, como lo mencionabas, esa mutación que viviste como el de una serpiente, después de 5 años de mucho trabajo por fin haces un sueño realidad ¿Cómo fue esta construcción y conceptualización que trabajaste canción tras canción?

Bu Cuarón: Son muchas canciones que empecé desde los 16 años, hasta los 18, 19, mezclándolas juntas, para mi fue muy importante tener canciones en inglés, español e italiano, y no solamente en un idioma, sino que funcionará igual entre los tres idiomas. También explorar y aprender sobre el mundo de la producción, y crecer con eso, durante todo este tiempo hubo cosas que yo no sabía hacerlas, aprendí cuando estaba haciendo todo este trabajo, en ese mismo momento y ahora es lo que tu escuchas.

Dentro de estos aprendizajes que mencionas, hay alguno que te haya marcado en especial, algo que te haya marcado durante estos 5 años, que haya funcionado como ruta de trabajo para lo que hoy es Drop By When You Drop Dead.

Bu Cuarón: Los arpegiadores en Come For Me sin duda, sabes, ahí tuve que plantearme como ese increscendo que se escucha de sonidos raros, dije quiero usar samples o recordings que hago yo con mi teléfono de cosas que pasan en la calle, no sabes cuantas cosas rompí en mi cocina jaja para hacer sonidos.

Hay una multiculturalidad muy natural en tu vida, que también de alguna manera se traslada a tu vida profesional, artística, ¿cómo consideras que ha influido este choque cultural que vives, tanto de México, Italia, vivir de cerca el legado tan increíble del trabajo que ha hecho tu papá, colaborar con Lubezki? Si lo pones en perspectiva es un rompecabezas super interesante que tiene como nombre, Bu Cuarón. Creciendo en un medio artístico tan prolífico.

Bu Cuarón: Siento que creciendo con el arte, normalizas vivir con el arte, crees que es muy normal, pero también siento que es muy necesario para un niño tener eso, pero además, para poder apreciar otros tipos de artes tienes que crecer con un ambiente o lugar, donde se puede ser abierto de mente, y puedes fallar, puedes crear cosas, y sobretodo divertirse con eso. Entonces al estar expuesta a diferentes lugares, culturas, idiomas, siempre me empujo a querer entender diferentes tipos de arte, y eso me ayudó muchísimo para mí como persona y para desarrollar un arte.

Emmanuel “El Chivo” Lubezki, ganador de tres premios Óscar fungió como director de fotografía, en el video que acompaña a la canción que lleva por nombre Viceversa. La canción, dramática y rica en melodías, combina efectos vocales inquietantes con arpegiadores para crear un sonido cautivador. Inspirándose en el mundo natural e incorporando referencias literarias, como un guiño a Cien años de soledad de Gabriel García Márquez.

Bu Cuarón crece con el impetú y la alegría de una prolífica juventud, tratando de hacerse de un nombre propio en la industria, desde temprana edad comenzó su formación musical, por lo que el resultado final de su EP debut representa una serie de esfuerzos y aprendizajes que hasta el día de hoy hacen resonancia como un ente emergente en el mundo de la música, un camino largo que estamos seguros la llevará muy lejos.

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Entrevistas

WARP Presenta entrevista con Still Corners: el mundo onírico detrás de Dream Talk, su nuevo álbum

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Texto de Alddo Fernández

Apenas un par de semanas después del lanzamiento de su nuevo álbum -Dream Talk- Still Corners visitará México, y en ese contexto nos sentamos a platicar con sus integrantes para explorar todo el proceso artístico detrás de este material y sus expectativas respecto al show en nuestro país.

En las horas silenciosas de la noche, cuando se difuminan los límites entre el sueño y la vigilia, surge un sonido etéreo similar al que Still Corners ha tejido en su último álbum, Dream Talk. “Empecé a tomar notas de los sueños que había tenido, como pequeños fragmentos de sueños”, confiesa Tessa Murray, cuya voz refleja la calidad espectral de su música. A través de una niebla de sonidos, la banda transporta a los oyentes a un reino donde lo efímero y lo eterno convergen, creando una experiencia sonora que se siente como deambular por un sueño lúcido. Con Dream Talk, Still Corners sigue trazando un camino a través de territorios auditivos inexplorados, guiados por sombras fugaces y susurros del subconsciente.

Paisajes oníricos y música, el origen etéreo de “Dream Talk”.

En Dream Talk, Still Corners invita al oyente a un mundo donde los límites entre la realidad y la imaginación se confunden, haciendo eco de la naturaleza esquiva de los sueños. La banda ha sido conocida durante mucho tiempo por sus paisajes sonoros etéreos, y esta vez, profundizan más en la riqueza temática de los sueños.

Las exploraciones de la banda con los sueños lúcidos, donde uno se da cuenta y puede ejercer control sobre los sueños, se asemeja a su proceso musical. “Intentamos expresar un sueño lúcido. Es difícil”, admite Hughes, reflexionando sobre la dificultad y el atractivo de dominar una experiencia tan profunda. Murray agrega: “Estuve leyendo mucho sobre ello porque, vaya, es realmente genial”.

Tessa Murray explica cómo los sueños se convirtieron en la semilla conceptual del álbum: “Los sueños en sí fueron un aspecto enorme en el origen del álbum”, dice. Comenzó guardando notas sobre sus sueños, capturando pequeños fragmentos que luego sirvieron como chispas creativas para sus canciones. Este enfoque es evidente en la exploración del álbum de la vibra de un sueño más que de su coherencia narrativa, una elección que realza la calidad atmosférica de la música.

Greg Hughes reflexiona sobre el misterio inherente de los sueños, preguntándose sobre su significado y existencia. “¿Qué son los sueños? Definitivamente me parecen misteriosos”, comenta Hughes, destacando la fascinación de la banda por lo desconocido y los aspectos intangibles de la experiencia humana. Esta curiosidad por las narrativas de la mente subconsciente inspiró la temática de Dream Talk.

Los paisajes sonoros cinematográficos que han influenciado a Still Corners.

Still Corners, conocidos por su música atmosférica y etérea, han encontrado una profunda inspiración en el mundo del cine, especialmente en compositores icónicos como Ennio Morricone, John Barry y Vangelis. Esta influencia está profundamente arraigada en su sonido, que posee las cualidades expansivas e inmersivas características de una banda sonora de película. “Nos encantan las películas… Principalmente escuchamos bandas sonoras de películas”, revela Hughes, subrayando el papel significativo que estas composiciones juegan en la definición de la identidad musical de la banda.

La influencia de películas específicas también es evidente en su trabajo, particularmente en Dream Talk. Murray menciona “Picnic at Hanging Rock” como una inspiración clave, una película reconocida por su atmósfera misteriosa e inquietante. Murray describe la película como “tan soñadora y, ya sabes, con mucha de esa vibra que hemos buscado crear”. El impacto de esta película en el álbum resalta cómo Still Corners se esfuerza por evocar una sensación similar de misterio e intriga, difuminando las líneas entre la realidad y lo etéreo.

Además de sus influencias cinematográficas, Still Corners también comparte sus gustos musicales, que incluyen un fuerte aprecio por el músico de jazz Chet Baker. Su álbum It Could Happen to You es recomendado por la banda por su sonido calmante y su ambiente tranquilo, que Greg Hughes describe como “música realmente encantadora para, ya sabes, si estás conduciendo en la ciudad de Nueva York y todo es muy caótico, estás en este coche, y simplemente te encuentras en este ambiente de tranquilidad”. Esta recomendación refleja el amor de la banda por la música que no solo enriquece la experiencia auditiva, sino que también crea un entorno pacífico e inmersivo, muy al estilo de sus propias composiciones.

El enfoque de Still Corners en Dream Talk: grabaciones rápidas mientras viajaban y detalles perfeccionados en el estudio.

El proceso fue marcadamente diferente de sus trabajos anteriores, en gran parte debido al uso de una estación de grabación móvil. Este equipo del tamaño de una maleta permitió a la banda capturar sus ideas musicales en movimiento, asegurando que la inspiración se grabara mientras aún estaba fresca y proporcionando una base flexible para un desarrollo más detallado en el estudio.

Greg Hughes describe esta estación de demo como una herramienta pequeña pero transformadora para su composición. “Esta vez, teníamos esta pequeña estación de grabación, del tamaño de una maleta, y pudimos llevarla con nosotros y escribir canciones”, explica Hughes. Esta movilidad les permitió escribir sobre la marcha, inyectando una vitalidad única y una diversidad en su trabajo.

Esta movilidad también habla de la evolución de la banda. Con seis álbumes a su haber, Hughes y Murray han pasado de un enfoque más instintivo y exploratorio a uno más estructurado y enfocado. “Se mueve mucho más rápido de ciertas maneras”, señala Hughes, indicando una nueva eficiencia en su proceso creativo. Este cambio es crucial para una banda que ahora se siente más en control de su producción artística en comparación con sus primeros días.

Detrás de escena en Dream Talk, Still Corners también empleó técnicas de producción específicas que marcaron una partida de sus métodos anteriores. Tessa Murray discute su enfoque experimental con el equipo: “Hicimos muchas pruebas con, por ejemplo, micrófonos y amplificadores, y usamos una consola de mezcla analógica para este disco, lo cual no habíamos hecho antes”. Estos experimentos no se limitaron solo al equipo de grabación; Hughes detalla una prueba meticulosa, en la que estuvo cambiando las cuerdas del bajo para grabar las tomas una y otra vez para encontrar  cuáles cuerdas estaban dando el sonido perfecto. Esto es muestra de su dedicación a crear la experiencia auditiva ideal.

Esta adaptabilidad y atención al detalle aseguraron que el álbum Dream Talk no sea solo una colección de canciones sobre sueños, sino una experiencia curada moldeada por nuevas experiencias y técnicas con las que han estado experimentando.

Los conciertos en Ciudad de México son las fechas que más les emocionan de su gira.

A medida que Still Corners se prepara para embarcarse en su gira en apoyo de Dream Talk, su entusiasmo es particularmente palpable cuando hablan de su regreso a Ciudad de México, un lugar que guarda recuerdos especiales para la banda. Murray y Hughes recuerdan vívidamente la energía y cálida recepción de sus fans durante su visita anterior en el festival Hipnosis. “Estamos realmente emocionados de volver a Ciudad de México”, comparte Tessa Murray, reflejando el entusiasmo de la banda por reconectar con la audiencia.

Reflexionando sobre su última visita, los miembros de la banda recuerdan con cariño su tiempo en el Castillo de Chapultepec, uno de los sitios históricos icónicos de Ciudad de México. El castillo proporcionó un telón de fondo de rica historia y arquitectura impresionante que resonó con ellos, reflejando su apreciación por la belleza cultural y arquitectónica. “Bueno, la comida obviamente fue increíble, y tuvimos algunas comidas realmente divertidas”, recuerda Tessa Murray, destacando otro aspecto de sus experiencias que dejó una impresión duradera.

Un sueño dentro de un sonido: únete a Still Corners y explora con ellos lo etéreo en el Foro Indierocks

Mientras Still Corners se prepara para dar vida a sus paisajes sonoros etéreos en el escenario, Dream Talk es como un testimonio de su evolución artística y profunda exploración temática. Desde adentrarse en los misterios de los sueños hasta inspirarse en bandas sonoras cinematográficas, Tessa Murray y Greg Hughes han creado un álbum que no solo resuena con su estilo atmosférico característico, sino que también empuja los límites de su expresión creativa.

Con dos conciertos en la ciudad esta vez, Murray y Hughes están ansiosos por explorar más de lo que Ciudad de México tiene para ofrecer. Únete a ellos el jueves 25 y viernes 26 de abril en el Foro Indierocks para una noche donde la música y los sueños se entrelazan, y déjate llevar por el mundo inquietantemente bello del álbum Dream Talk.

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