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Cortes Selectos

ARRE 2023: “El Regional Mexicano” como performance

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Fotografías de Daniela Méndez (@la.danisela) y Fabián Mecate (@_mecate)

Este fin de semana se llevó a cabo la primera edición del Festival ARRE y aquí te traemos una reflexión sobre todo lo sucedido.

En tiempos como los nuestros, nada es tan engañoso como una tendencia: lo que funciona en Internet, no necesariamente funciona en el mundo material; y viceversa.

Diez millones de reproducciones en una canción viral pueden representar cero boletos vendidos para un show; así como veinte mil seguidores en Instagram -aparentemente insignificantes para los parámetros de hoy- pueden traducirse en una gira de palenques agotados.

¿Qué podíamos esperar, entonces, de un festival fundamentado en el espectro musical que hoy en día genera más streams que cualquier otro género en México?

Sobre todo si consideramos que, dentro de la oferta de la Ciudad de México, era la única expresión musical del mainstream que no tenía su propio evento de esta naturaleza.

En estructura y organización, no distó de lo que vemos cada año en un Corona Capital o en un Flow Fest, tomados como referentes porque los tres se hacen en el mismo lugar: la curva 4 del Autódromo Hermanos Rodriguez.

De hecho, podríamos decir que ARRE transcurrió con mayor limpieza y tranquilidad, aseveración matizada por el hecho de que es un festival con un volumen de afluencia menor que los otros dos mencionados y que incluso el EDC.

Si hablamos de los tres escenarios, sería relevante resaltar su diseño y el trabajo de ingeniería de audio durante casi todos los sets. Particularmente, en la tarima principal, su diseño que asemejó la fachada de una hacienda y su tamaño brindaron una vista espectacular, nivel de lo que se ve en EDC o Tomorrowland.

La verdadera reflexión llega cuando tocamos el tema del performance de las bandas y artistas que se presentaron cruzado con el comportamiento del público.

De entrada, el cartel gozó de un elenco muy equilibrado entre leyendas, actos en ascenso y super estrellas recién colocadas en el mainstream; sumados a algunos actos que fungieron como amenidades para diversificar la oferta más allá de los géneros en los que estaba centrado el festival.

En general no hubo ningún show con un desempeño decepcionante o cuestionable por su calidad: y si bien actos como Natanael Cano, Fuerza Regida y Peso Pluma se llevaron todos los reflectores por su poder mediático, también vimos presentaciones que nos recordaron por qué sus nombres están tallados en otro dentro de la historia de la música mexicana: La Arrolladora Banda Limón, Ramón Ayala o los Cadetes de Linares lograron hilar sets completos de hit tras hit sin que la gente lograra de cantar un solo momento. Proeza en días en los que se pueden cimentar carreras a partir de una sola canción.

Lo que también vimos fue una audiencia que mostró signos de tener una identidad todavía en construcción.

Al igual que en el Festival Emblema -ambos en sus primeros pasos de vida- fue muy común presenciar el fenómeno de la canción viral: el proyecto en turno iniciaba el set con escenario abarrotado y, una vez interpretado su éxito más mediático, era testigo de cómo la gente se iba en bandada hasta que el número de personas se reducía en un 40-60%.

Lo anterior nos lleva a pensar que la mayoría de los asistentes, fuera de los actos estelares, reaccionó de acuerdo a lo que se encontraba en su recorrido dentro del venue y no tanto a una ruta planeada por horarios y escenarios.

El rango de edad predominante se sitúo entre los 15-25 años de edad. Contra todo pronóstico hecho desde el prejuicio hacia este espectro musical, ARRE fue un evento muy familiar, consecuencia de las decenas de miles de niños y adolescentes que en circunstancias normales no tendrían la posibilidad de ingresar por sí solos a un festival; lo que originó que fueran acompañados por madres, padres, hermanos y hasta abuelitas.

Incluso podríamos aventurarnos a decir que realmente no fue un evento al que asistiera el nicho base de este espectro musical: ese que va a bailes, palenques, teatros del pueblo y demás oportunidades con un perfil más local.

Lo cual tiene sentido si comparamos ambos tipos de experiencias por precio, dinámica y propuesta: ¿Por qué pagaría más por exponerme a las inclemencias del clima, a acumular kilómetros en caminatas entre escenarios o sencillamente a ver artistas que no me interesan si puedo verles en un evento en la feria de mi comunidad?

Entre otras cosas,  la sensación que ha dejado ARRE es que, el término <<regional mexicano>>, más que ser acuñado para hablar de un tipo de música en específico, debería asociarse con un diálogo sobre la asimilación de una cultura desde la perspectiva de quienes se acercan a ella por los estímulos del marketing, la publicidad y el mercado.

¿El regional mexicano es ponerse botas y sombrero? ¿Es imitar el acento de una ciudad en la que jamás hemos puesto un pie? ¿Es cantar canciones cuyos relatos no dimensionamos del todo? ¿O es la primera movida cultural 100% nacional con capacidad para tener un alcance global?”.

Puede ser que todas las preguntas anteriores tengan argumentos para responderse afirmativamente, sobre todo bajo el entendido que la mexicanidad en realidad no es homogénea, ni siquiera en un entramado sonoro en el que el Norteño no es lo mismo que la Tambora ni que la banda sinaloense ni que el Sierreño ni que los corridos tumbados o las cumbias texanas…

Pero responde al interés de toda una generación que no ha podido encontrarse a sí misma tras el fracaso del sistema social y político; y que ahora, más que fanatizar la violencia -porque tal vez ni siquiera la entienden del todo- se aferran a la inquietud aspiracional de lograr todo en muy poco tiempo ante la condena del tiempo que parece terminarse antes de lo que imaginamos.

Y la industria ha bajado sus cartas con este festival. 

Una sola edición todavía no da herramientas para evaluar el impacto de ARRE más allá de lo que netamente abarca al negocio; pero sí puede ponernos en alerta sobre cómo el mercado puede expandirse -más de lo que ya lo ha hecho- para coptar uno de los pocos bastiones de resistencia cultural y de entretenimiento que seguía en poder de las promotoras locales. 

La audiencia, en una encrucijada, porque aunque da por hecho la existencia del monopolio y su evidente extensión, también sabe que los niveles de organización de parte de OCESA siguen por encima de la media y no deja muchas otras posibilidades a elegir. 

Mientras tanto, parece que el ARRE es la nueva bestia en potencia y su edición debut ha dado muestra de su posible alcance.

Cortes Selectos

Bu Cuarón lanza su primer EP Drop By When You Drop Dead, un retrato de versatilidad

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Bu Cuarón

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con rolas en inglés y español. Hoy nos preparamos para un estreno que nos mostrará la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó hoy su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos.

El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

“Este EP es un mosaico de sonidos y emociones, un poco caótico pero auténticamente yo, es como ir quitando capas para revelar cada matiz de mi identidad musical, cada pista una faceta diferente de mi expresión artística.” comentó Bu Cuarón.

Desde el lanzamiento de “Psycho” en 2019, Bu vuelve a la producción musical con Drop by When You Drop Dead; el EP es una colección de seis temas que muestran los años de evolución y experimentación musical de Bu. La mayoría de las letras son composiciones en inglés, sin embargo, la integración de temas escritos en español e italiano son un reflejo de la visión cultural y del apego por sus intereses dentro de la creación musical.

Bu fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Previamente Bu Cuarón también había estrenado el video de la canción Viceversa, el cual contó con la colaboración del mismísimo Emmanuel Lubezki (colaborador habitual de su papá y ganador de tres Oscar a Mejor Fotografía) como director de fotografía del clip. En este visual, dirigido por la propia artista, aparece cantando la canción mientras flota en el mar con un bote, reafirmando el toque dramático de la letra.

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Arte

WARP Tour presenta Damien Hirst en el Museo Jumex: Apocalipsis Ahora

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Visitamos la recién estrenada exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México y esta fue nuestra experiencia.

El hombre en el elevador que nos subirá al inicio de la exposición se dirige a todos con un entusiasmo sospechoso. Nos exige responder a gritos y con el mismo nivel de energía para confirmar que hemos escuchado sus indicaciones. 

Es un augurio de lo que se avecina.

Una superestrella para celebrar los diez años de un Salón de la Fama 

En el título de este texto se promete una cosa; pero lo cierto es que, al menos ante estos ojos, lo más importante de la exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México no son las piezas por sí mismas, sino lo que éstas ocasionan. 

Porque de la curaduría y la museografía de Vivir Para Siempre (Por Un Momento) las conclusiones -como ya nos tiene acostumbrados dicho recinto- son contundentes y directas: una exposición retrospectiva de un artista consagrado y muy mediático que funciona como recopilación de Greatest Hits, en teoría capaz de estimular al juicio casual y al experto.

Pero ahí está la clave: la estimulación. Justo después de abandonar el elevador del hombre sospechosamente enérgico, el público se apura como hormigas que han encontrado una dona abandonada.

Inundan la sala e ignoran todo orden recomendado, incluso sin darse cuenta de la existencia de los textos curatoriales.

De inmediato, la exposición cumple su primera gran promesa: La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo aparece al centro de la sala, la célebre pieza del artista británico que pone el cadáver real de un tiburón dentro de una suerte de cápsula rectangular con una construcción que da la impresión de que el animal está vivo y lo vemos dentro de una pecera.

Se hacen filas para tomarse esa foto en la que simulan que el tiburón está a punto de arrancarles la cabeza. 

Una vez cumplida la misión, esa gente empieza a ver a su alrededor, curiosa de descubrir al famoso tiburón. Más animales que simulan estar vivos. Anaqueles de consultorio médico con utensilios impecables. Más tiburones, ahora partidos a la mitad para verles las tripas opacas al descubierto. Un muro gigante que simula millones de diamantes y que bien podría ser un escaparate del Palacio de los Palacios.

Todo al mismo tiempo en todas partes. Y la gente responde: empieza a caminar más rápido, con una postura agresiva, escaneando las obras de arriba hacia abajo sin pasar más de tres segundos frente a ellas. 

De hecho, sólo aquellas sobre animales ex-vivos y alguna que otra con movimiento generan atención real. Las demás, por su carácter tan aparentemente cotidiano, son testigos del desprecio de la audiencia.

Tik Tok en la vida real.

En la segunda sala se repite la dinámica. La gente se mueve en el espacio cada vez más rápido. Se hacen pequeños tumultos en algunas piezas. Hay fascinación, confusión y hasta asco. 

Ahora son los ceniceros gigantes los que que ganan la carrera de la atención. La continuación de la serie Natural History de Hirst no tiene el mismo éxito que el tiburón porque ahora se trata de una vaca y ver a la vaca abierta exactamente por la mitad nos recuerda que apenas el domingo pasado nos comimos esa misma “pancita” en un caldo picoso y colorado. 

Sus ojos abiertos y esa lengua salida nos hacen sentir culpables.

Y entonces, un paréntesis para sí retomar el eje discursivo en la obra de Damien Hirst: la vida y la muerte, la convivencia con el caos, los destinos inevitables… El respeto equitativo por las sensaciones satisfactorias y las incómodas.

La crítica a nuestro especismo no es el único señalamiento que hace Hirst y tampoco el único que ignoramos: arriba, en la sala que abre el recorrido, también fuimos indiferentes a las reflexiones sobre la salud mental, el consumismo desmedido, a nuestra priorización de la estética por encima de la empatía y a nuestro rechazo por lo simple.

Hacia la última parte del recorrido, vemos la faceta plástica más tradicional de Hirst, enfocada en la pintura y la escultura.

Hay menos piezas que en las primeras salas. La mayoría, caracterizadas por su naturaleza grotesca e intimidante que acentúan la imperfección de los humanos, tanto por dentro como por fuera. 

Ahora el show se lo roba el escenario: un balcón con vista al glamoroso Polanco, con todo y la postal siempre llamativa del Museo Sumoaya de fondo. 

El escándalo promovido por aquel hombre en el elevador ahora es nada entre los sonidos de los coches que van de un lado a otro en esta zona de la ciudad. 

Independientemente de lo relevante que es tener una exposición de este calibre de un artista como Damien Hirst, Vivir Para Siempre (Por Un Momento) es una analogía del apocalipsis que hemos decidido ignorar para que nuestra propia destrucción sea menos hostil.

Tras darnos cuenta que nuestro final no será vía aquel cataclismo absoluto de corte hollywoodense sino a través de una agonía prolongada en el despojo de lo más elemental, cualquier cosa es placebo.

Y esto no es una diatriba contra las fotos ni contra la hiper estimulación que nos ha quitado nuestra capacidad de atención… Esto, es un llamado de emergencia.

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Billboard Hot 100 Challenge: el nuevo juego que hará ganar dinero a los fans pero podría destruir la industria

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Billboard anunció el lanzamiento de la aplicación Billboard Hot 100 Challenge: Predict the Hits, una experiencia interactiva nueva y única para los fans apasionados de la música que en realidad podría ser el siguiente paso hacia la decadencia definitiva de la Industria Musical.

Si eres un fanático de las listas de Billboard y de cierta manera has precedido en tu mente o con tus amigos cuando una canción será un mega hit mundial, definitivamente esta podría tu gran oportunidad para poner a prueba tu intuición y con ello ganar dinero y premios atractivos relacionados a la música.

En esta nueva aplicación, los jugadores tendrán que predecir las futuras posiciones de las canciones del icónico Hot 100, la famosa lista de Billboard que incluye a los artistas que dominan la música popular. Los ganadores recibirán premios en efectivo de hasta $25,000 dólares, entre otras cosas.

Para jugar, los participantes escucharán una nueva canción cada día de lunes a viernes y adivinarán en que lugar aparecerán esas canciones cuando finalice el periodo de juego y la publicación de cada nueva lista.

Los puntos del concurso se acumulan de acuerdo a la precisión de las respectivas predicciones de cada participante.

El segundo lugar obtendrá acceso VIP a un evento o conferencia de Billboard durante 2024 o 2025, mientras que el tercer lugar recibirá dos boletos para un concierto que se lleve a cabo cerca de su área de residencia.

Silvio Pietroluongo, vicepresidente ejecutivo de listas de Billboard comenta lo siguiente:

“Durante más de seis décadas, el Billboard Hot 100 ha sido la lista principal de la industria musical para medir éxitos. Estamos encantados de crear una experiencia interactiva nueva y única para los fans apasionados. El Hot 100 Challenge ofrece a los fanáticos una forma completamente nueva de interactuar con las listas de Billboard y su amor por la nueva música.”

“Estamos redefiniendo la forma en que los fanáticos interactúan con los éxitos que encabezan las listas y marcando el comienzo de una nueva era de descubrimiento y disfrute musical”.

Los jugadores interesados ​​en unirse a esta nueva experiencia de juego, deben tener la mayoría de edad y residir en los Estados Unidos y estará disponible a través de Apple App Store y Google Play Now.

Demasiado bello para ser verdad

Si bien la aparición de este nuevo juego puede llevar al siguiente nivel la relación entre audiencia / industria / artistas, también puede producir un escenario ideal para que los charts sean más alterados de lo que de por sí ya hacen disqueras y fandoms.

Los números siempre han sido importantes para medir impactos y designar los presupuestos de cada proyecto; sin embargo, la relevancia que le han dado los fans al asumirlo -literalmente- como una competencia, sumado al poder de las disqueras y sellos para posicionar favorablemente las canciones de ciertos artistas con tal de engrosar sus streams, ha ocasionado que se vuelva el eje de todo el negocio, aún sin ser un tabulador confiable.

La aparición de esta aplicación acentuará dicho papel y lo lleva al mismo terreno especulativo de las apuestas en los deportes. Primero porque esto seguramente aumentará la presencia de streams falsos, y después porque, de tener éxito, el premio de 25 mil dólares se puede volver de 100 mil, un millón y así exponencialmente hasta que los fans no sean los únicos que puedan ganar dinero de esto.

Además, al elegir Billboard las canciones del juego, ya le da una ventaja (otra más) a los artistas de disqueras importantes, lo que abonará otro monte de tierra a la de por sí invisibilizada música independiente.

Por lo que no es descabellado decir que lo que se plantea como un juego, pueda ser la estocada final a la industria tal y como la conocemos.

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