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Cine y Series

Escribimos sobre el amor y cómo lo perdimos: detrás de Nick Cave y sus películas

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Por Majo Tielve

Con su voz y las imágenes que de él emanan, nos describe la importancia de una historia, el peso de las palabras que guarda dentro, palabras que describe como una distante memoria en la mente del creador.

Nicholas Edward Cave arribó a este mundo cubierto de sangre de un dolor ajeno, creando las más profundas cicatrices que contemplan los muros del útero y floreciendo de la oscuridad que encarnaban las paredes blancas de aquella estancia en Victoria, Australia.

Bramidos entre la vida y la muerte de Dawn Cave se ensamblaron el 22 de septiembre de 1975, creando un instante de desesperación y urgencia por ser alguien, alguien como ella.

Nick Cave estudió Arte en Melbourne, brotando un interés por la composición lírica, fascinado por el ascenso y descenso del ánima.

Su primera banda provino de una necesidad apologética, The Birthday Party, que se estableció en los 70 ‘s seduciendo las alineaciones del post-punk, y generando una transición creciente en los ritmos coléricos, larvados en la pureza de sus letras. Un nuevo linaje esperaba por Cave en Europa, la extinción de un ayer y la espera de una inminente resurrección, era 1983 y el frío de Berlín señalaba el comienzo de lo que exteriorizamos como Nick Cave and the Bad Seeds.

Viajar entre la imagen y el sonido del documental 20,000 Days on Earth, co-dirigido por Iain Forsyth y Jane Pollard es una entrañable forma de retratar a Nick Cave and the Bad Seeds. Durante esta pieza, podemos contemplar cómo a través de su composición Cave logró transgredir las barreras y ensamblar el cosmos, para así lograr una reflexión del presente.


De niño, Nick solía ir a la Iglesia y escuchar al Cura hablar de Dios. Sin percibirlo de forma textual y fanática, Cave dio crédito a la existencia de una deidad, una que parte del mundo espiritual, evocando en sus versos la presencia de un Dios, y el aval de un diablo hipnotizador.

Cave expresó que uno de sus grandes miedos es el de olvidar: “I’m afraid of losing my memory. Memory is who we are”, recalcando en el documental su clara necesidad de seguir escribiendo para historias una y otra vez: para vivir el presente, el pasado y el futuro.

Ante sus ojos, la limitación es un regalo para poder reunirse con mentes brillantes para crear algo más profundo. En este caso, toda la música que pertenece a The Bad Seeds no sería real sin las manos bestiales y el alma de su querido amigo, Warren Ellis, que lo ha acompañado en el proceso creativo desde 1994. Entre la imaginación y la realidad es donde él pertenece, donde encuentra la libertad en su humanidad. One More Time with Feeling, es un documental de 2016 dirigido por Andrew Dominik.

Documenta la grabación del decimosexto álbum de estudio de Nick Cave and the Bad Seeds, Skeleton Tree, tras la muerte de Arthur Cave, el hijo de 15 años de Nick Cave.

Esta pieza expone el sufrimiento, la poesía de un dolor imperial inexplicable de comprender, haciendo de la grabación del álbum una experiencia fuera de este mundo. Una especie de misa, de comunión, una conexión alimentada entre la luz y la oscuridad.

Un sentimiento que domina el tiempo y el espacio, creando una coalición de emociones. Vivimos en un mundo airado, pero Cave sabe que el viento sopla, puede oír a los caballos apresurando su marcha, anunciando la llegada del tren donde volverán a abrazarse. Algunas cosas son difíciles de comprender pero sencillas de sentir, eso es lo que consigue el Australiano en su forma de componer canciones.

Una evolución en su preciosa poesía que ha generado eco durante casi cuatro décadas es lo que Cave consigue condensar a la perfección en su última película. A través del sonido y la visión en This Much I Know to Be True (2022), apreciamos el fantástico mundo que Cave ha protegido contando esas gloriosas historias.


Entre las cuerdas, los coros, los sintetizadores y la hegemonía de luces y sombras, Warren y Cave renacen, convirtiéndose en maestros de lo más sagrado y mortal, una coalición de almas que pertenecen a un cielo distante.

La paz caerá sobre nosotros cuando resolvamos esas preguntas que no nos atrevemos a expresar ni a replicar. Nick Cave nos ha enseñado a crecer dentro del dolor, y a evolucionar más en la emoción que en la felicidad incierta.

Nos enseñó a dar sentido a las palabras, a cómo las notas del piano pueden sanar los lugares más fragmentados de nuestra esencia, y a descubrir cómo este breve momento en el que estamos “vivos”, es lo más precioso y simbólico que jamás nos sucederá.

La única forma de sobrevivir al dolor es viviéndolo, igual que el amor.

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Netflix en polémica por el uso de IA en el documental “¿Qué hizo Jennifer?”

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El nuevo documental “¿Qué hizo Jennifer”? de Netflix sobre crímenes reales que trata sobre la asesina convicta Jennifer Pan, rápidamente se abrió camino entre el Top 10 del contenido más visto de la plataforma desde su lanzamiento el pasado miércoles 10 de abril, pero  ahora está siendo fuertemente criticada por el uso de Inteligencia Artificial.

Sin embargo, ahora está fuerte una polémica que revela que el documental puede haber empleado imágenes de Pan manipuladas por inteligencia artificial para presentar situaciones que nunca pasaron. El siguiente análisis incluye spoilers en caso de que quieran continuar con la lectura. Avisamos.

El documental nos narra la historia de Pan, una joven que fue condenada en el año de 2010 por la muerte de su madre y por causarle graves lesiones a su padre, el cual quedó en coma tras inventar una historia con giros de tuerca absolutamente delirantes. La historia es un caso real que hasta el día de hoy no ha quedado cerrado del todo.

Aproximadamente a los 28 minutos de la película, los espectadores conocen a Nam Nguyen, amigo de la secundaria de Pan, quien recuerda la relación que tenía con ella y dice que fue genial hablar con ella:

“Jennifer, ya sabes, estaba alegre, feliz, confiada y muy genuina”, explica, mientras aparecen tres fotografías de Pan seguidas y aquí es donde todo se descontrola:

Algunas de las imágenes en particular han sido objeto de duda, ya que presentan fondos distorsionados y elementos alterados como sus dedos de las manos y uno de sus dientes, también. Aquí te compartimos las imágenes para que ustedes mismos juzguen.

El uso de IA en estas imágenes, por ejemplo, no se reconoce en los créditos del documental y ciertamente, esta no es la primera vez que observadores entusiastas llaman la atención sobre el empleo de la IA en una película. ¿Qué opinan ustedes?

Nosotros creemos que el uso de IA altera la historia tal y tal como fue y que no nos da una perspectiva 100% real, o inclusive, podríamos entender que se ocultan cosas por equis y/o distintas situaciones, o que se colocan nuevas imágenes para descifrar realidades que no se han comprobado. Sobre todo en situaciones delicadas como los crímenes de la vida real.

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Reseña: Civil War, la apuesta más ambiciosa de A24

Civil War es una distopía ultrarealista que se ubica en ficticia segunda guerra civil americana.

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Con una dirección y guion de Alex Garland, Civil War del estudio A24 se convierte en la primera gran apuesta del estudio en llevar a al cine grandes producciones. Apostando no solo por la calidad, sino también por un mayor éxito financiero.  

Aunque el sello de A24, en producción y en distribución, se ha convertido en una garantía de calidad, la recaudación en taquilla para el estudio en general ha sido modesta. Y es que, a pesar del éxito en años recientes en las temporadas de premios, su película más taquillera, Everything Everywhere All At Once (2022), recaudó un poco menos de 150 millones de dólares en taquilla.  

Para este filme A24 da su confianza al realizador británico Alex Garland. Quien se ha especializado como guionista y director sobre todo en la ciencia ficción inteligente. Como escritor no podemos pasar por alto su trabajo en filmes como 28 Days Later (2002),  Sunshine (2007) y Dredd (2012). Y como director su ópera prima Ex-Machina (2014) nos sorprendió por su genialidad en el manejo de ideas profundas sobre la Inteligencia Artificial y su manejo visual. 

Con un presupuesto de 50 millones de dólares Civil War se convierte en la producción más cara del estudio. Y si bien es cierto que aún es temprano para saber si cumplirá las expectativas en la taquilla, algo es seguro, el nivel técnico y dramático que alcanza la colocan entre los mejor de lo que va del año.

Además el filme sigue la tendencia del estudio y de producciones recientes como Godzilla Minus One (2023) y The Creator (2023), demostrando que no es necesario un presupuesto exorbitante para lograr una producción de calidad.

A diferencia de las producciones mencionada que se centran en la ciencia ficción, este filme es una distopía ultrarealista en un roadtrip. Que muestra distintos parajes y reacciones a la guerra, que van desde la brutalidad hasta la indiferencia. 

¿De qué va? 

La historia se ubica en un posible futuro cercano, donde la Unión Americana se encuentra en la última etapa de una guerra civil. Centrándose en el viaje de cuatro fotoperiodistas, que van de New York a Washington D.C., con la intensión de entrevistar al presidente, en la Casa Blanca antes de su caída.  

Kirsten Dunst, a quien desgraciadamente hemos visto poco en los últimos años, interpreta a Lee. Una fotógrafa de guerra con un gran prestigio, que vive una crisis existencial. Lee hace dupla con Joel (Wagner Moura), un reportero que se centra en la historia escrita.

Antes de partir a D.C. se suman al viaje el veterano periodista Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la fotógrafa novata, Jessie (Cailee Spaeny, a quien recientemente vimos en Priscilla), quien es una gran admiradora del trabajo de la periodista.  

A regañadientes Lee accede a viajar con más gente, pero en el camino genera una relación de mentoría con Jessie. Quién se forjara con momento extremos durante el viaje.  

¿Futuro distópico? 

El filme a primera vista parece una película de guerra o acción, con un despliegue impresionante e intenso de las secuencias bélicas. Pero es más una reflexión sobre el poder (o falta de) de la prensa. Como testigo imparcial de la naturaleza humana ante los conflictos armados, la violencia y deshumanización. 

Civil War ha recibido en general críticas positivas, sin embargo, ha causado ámpula en sus detractores. Algunos sectores del público y la crítica americana la encuentran ofensiva. Además de considerar que Garland al reflejar un posible conflicto en la Unión Americana no toma postura o da una explicación de las razones de la guerra.  

Sin embargo, la película se coloca en el lugar del periodismo de guerra y hace una clara diferencia de visiones con Lee y Jessie. Por un lado, Lee como la fotógrafa experimentada comienza a sentir el peso de los horrores que ha visto en su carrera. Su instinto y experiencia se hacen evidentes durante la mayor parte del viaje. Por otro lado, tenemos a Jessie, que perfecciona su arte y comenzará a deshumanizarse. Tomando cada vez más riesgos en la búsqueda de la imagen perfecta.  

Aunque Lee y Jessie reflejan la experiencia en oposición de la juventud, ambas se mantienen neutrales ante el conflicto y la violencia, en pos de la estética como testigos de la historia. Y esto podemos apreciarlo en las fotografías de Jessie. Quien recurre a la forma artesanal de hacer foto, con rollos y revelado en blanco y negro. Y por momento podemos ver las imágenes de su lente, que no están alejadas a lo que vemos todos los años en el World Press Photo. 

Aunque el filme hace eco ante un posible conflicto americano, se podría ubicar en cualquier parte del mundo. Mostrando violencia gráfica, la devastación, la muerte y los horrores de la guerra y la belleza de lo macabro. Que se potencia con el uso de la cámara en mano en algunas de sus secuencias y el potente diseño de audio.

Detalles

Con Civil War tanto Garland como A24 le apuestan a lo grande, con un filme que vale la pena ver en IMAX. Con una destacada producción, que incluye una excelente fotografía, ambientación y un diseño de audio extraordinario. 

Si bien es cierto que son cuatro los periodistas en el viaje, las mujeres toman el lugar central. Opacando un poco a Joel, el socio de Lee, y Sammy. Y no quedan del todo claras sus intenciones y motivaciones. Sobre todo con Joel. 

Parte de la historia es predecible desde el comienzo de la película. Y por momentos el escenario parece confuso, pero también es un reflejo de moverse en un territorio desconocido que se encuentra en conflicto. Además su desenlace probablemente no es tan impactante como el resto del filme, pero va en coherencia con el resto de la historia.

Una mención aparte merece el actor Jesse Plemons, el esposo de Dunst, quien tiene una pequeña participación y se roba la película. Con uno de los momentos más estresantes y terroríficos del filme. 

Civil War es un filme que busca la reflexión sobre los conflictos armados, el fotoperiodismo y un reflejo de los riesgos de este oficio. Que se ha vuelto muy peligroso en algunas partes del mundo. Garland de forma deliberada no da todas las respuestas al espectador, pero da elementos suficientes con una obra poderosa, para generar diversas emociones en su público.

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El documental “Let It Be” de The Beatles llegará restaurado a Disney+ 54 años después

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El documental Let It Be original de los Beatles de 1970, que prácticamente no se volvió a tocar durante décadas, fue restaurado por Peter Jackson (tras su obra titánica en Get Back) y está dirigido por Michael Lindsay-Hogg, por fin verá la luz en streaming en Disney+ a partir del 8 de mayo de 2024 para una digna segunda revisión tanto para fans como para críticos.

La película tiene mala reputación para muchos fans por mostrar a una banda infeliz a punto de separarse y teniendo discusiones constantes, pero Lindsay-Hogg, su director, dice que eso tiene más que ver con el momento en que se estrenó, que con la película en sí.

“La gente fue a ver Let It Be con tristeza en el corazón, pensando: ‘Nunca volveré a ver a los Beatles juntos’. Nunca volveré a tener esa alegría’, y eso oscureció mucho la percepción de la película.  Pero, de hecho, ¿con qué frecuencia ves a artistas de esta talla trabajando juntos para convertir en canciones lo que escuchan en sus cabezas?…

Y luego llegas al techo y ves su emoción, camaradería y pura alegría al tocar juntos nuevamente como grupo y sabes, como lo sabemos ahora, que era la última vez, y lo vemos con plena comprensión de quiénes eran y siguen siendo y un poco de conmoción. Me quedé estupefacto por lo que Peter pudo hacer con Get Back, utilizando todo el metraje que había filmado 50 años antes”.

Peter Jackson, quien ayudó a restaurar esta nueva copia de Let it Be, añade:

Siempre he pensado que Let It Be es necesario para completar la historia de Get Back. En tres partes, mostramos a Michael y los Beatles filmando un nuevo documental innovador, y Let It Be es ese documental, la película que estrenaron en 1970.

Ahora pienso en todo esto como una historia épica, finalmente completada después de cinco décadas. Los dos proyectos se apoyan y mejoran mutuamente: Let It Be es el clímax de Get Back, mientras que Get Back proporciona un contexto vital faltante para Let It Be.

Michael Lindsay-Hogg fue incondicionalmente servicial y amable mientras hacía Get Back, y es justo que su película original tenga la última palabra luciendo y sonando mucho mejor que en 1970”.

Sin duda una noticia que nos emociona a los Beatle-lovers, sobre todo tomando en contexto el estreno de su última canción “Now And Then” y ese torbellino de emociones que nos dio “Get Gack” y que podamos cerrar un ciclo conmovedor y emocionante aceptando el fin de la banda más popular de todos los tiempos desde otra perspectiva.

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