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Imágenes y Ruidos: La invaluable influencia del jazz en el cine, orígenes y efectos en la sociedad

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Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: el impacto del jazz en la pantalla grande.

El jazz y el cine salen a la luz en Estados Unidos casi al mismo tiempo, hace poco más de un siglo revolucionando el sonido y la imagen de la cultura contemporánea. Desde un inicio ambas expresiones parecían que estaban predestinadas a congeniar y complementarse de forma natural y al mismo tiempo con una sensibilidad única, conectando las imágenes de uno y los sonidos del otro.

El jazz el origen nace donde se fundieron las culturas africanas y europeas, es decir, como antes los mencionamos en Estados Unidos, sin perder de alguna manera las influencias afrocaribeñas. Desde su llegada al mundo ha sido un género cuestionado, creado no precisamente en refinados círculos académicos, sino que nació como música popular destinada al entretenimiento y al desahogo emocional, rompiendo paradigmas y los esquemas convencionales de la música, hasta ese entonces.

Al pasar de los años y tras la II Guerra Mundial el jazz vivía su más profunda renovación como arte autónomo alejado de los circuitos de entretenimiento. Algunos directores de cine hecho en Estados Unidos llevarían a sus películas los aires de ese nuevo jazz moderno, como en Un Tranvía Llamado Deseo (Elia Kazan, 1951) o La Ventana Indiscreta (Alfred Hitchcock. 1954).

Francia siempre ha recibido con los brazos abiertos al jazz norteamericano, así que no es de extrañar que dentro de la Nouvelle Vague se hiciera una película con banda sonora de Miles Davis, Ascenseur pour l’échafaud (Louis Malle, 1958). La complicidad y unión entre el jazz y el cine, entre negros y blancos, entre el jazz norteamericano y Francia como país, se reflejó bien en el idilio que mantuvieron Miles Davis y la actriz, cantante y musa de los existencialistas Juliette Gréco. Ninguno sabía el idioma del otro, pero no les hicieron falta las palabras, tal como sucede en el jazz o en el cine mudo.

La linea de tiempo nos lleva a los años sesenta, donde la música de jazz se convierte en un elemento consustancial en el cine, incorporando definitivamente a compositores procedentes del género como Henry Mancini, Johnny Mandel, Lalo Shifrin, Quincy Jones, Dave Grusin o Lennie Niehaus. Para recordarlo de forma sustancial en una película, no hay más que ver en retrospectiva el efecto dramático y sobrecogedor del sonido del saxo tenor y la música de Gato Barbieri, totalmente ensamblada en la película El Último Tango en Paris (Bernardo Bertolucci, 1972), es imposible imaginar esa película sin el sonido del saxofón de ese jazzman argentino.

Posteriormente, ya en un mundo globalizado donde el jazz y el cine ya están en todas partes, nacen magníficas películas de grandes directores con notable presencia de jazz: Cotton Club (Francis Ford Coppola, 1984) Round Midnight (Bertrand Tavernier, 1986), Bird (Clint Eastwood, 1988), Rebeldes del Swing (Thomas Carter, 1993), Kansas City (Robert Altman, 1996), Acordes y Desacuerdos (Woody Allen, 1999) entre muchas otras.

Jazz Whiplash

Llegando a temporalidades más actuales, inmediatamente pensamos en Whiplash (Damien Chazelle, 2014) y toda la nueva parafernalia que se posicionó sobre la explotación del género en el cine.

La película finalmente fue ganadora de tres premios Oscar, donde se enfoca en la historia de Andrew (Miles Teller), un joven baterista que ingresa a un prestigioso conservatorio para perfeccionar su talento. Se exige al máximo para formar parte de una de las bandas de jazz del instituto, pero encuentra sumamente difícil lidiar con la abusiva “docencia y pedagogía” de Fletcher, el director de la orquesta. Esta cinta explora, como un homenaje, la personalidad de Buddy Rich, el virtuoso baterista ícono del bebop, cuyos arranques de histeria y fama de maltratar a sus músicos es legendaria.

El cine animado no se ha quedado para nada atrás, donde encontramos a Soul, película dirigida por Pete Docter y producida por Pixar Animation Studios. Narra la historia de un profesor de música que sufre un accidente antes de poder cumplir su sueño de convertirse en un reconocido exponente del jazz, por lo que debe embarcarse en un viaje al más allá para volver a la vida. Un filme que fue reconocido entre muchas cosas, por su extraordinaria banda sonora, acumulando más de 60 galardones recibidos, fue la segunda película más premiada de la temporada de premios de 2021.

Cortes Selectos

Los cinco estrenos de la semana que debes escuchar

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La mayoría de los estrenos aquí recomendados esta semana serán colaboraciones, y no es para menos importante este dato. Si de por sí Nick Cave o Future son buenos por sí solos, con una ayuda de alguien de su mismo calibre tenemos discos, EPs y sencillos bastante potentes.

WE STILL DON’T TRUST YOU de Future y Metro Boomin

Lanzado como una “secuela” del primer disco colaborativo de ambos artistas lanzado hace apenas tres semanas, WE DON’T TRUST YOU (2024), este nuevo apartado muestra producciones más limpias, contemplativas y apaciguadas, con las líricas de Future acompañándolo en el proceso. El álbum tiene apariciones sorpresa como la de The Weekend y A$AP Rocky, y además mantiene viva la esencia de los beefs entre mismos raperos, algo que da más color al lanzamiento.

Back to Black de Nick Cave y Warren Ellis

Ambos virtuosos de la música, estrenaron en conjunto un preciosísimo álbum, algo corto, que servirá como soundtrack de la biopic de Amy Winehouse, que se estrenará el 11 de abril. Hay que resaltar especialmente la canción ‘Song For Army‘, una valerosa melodía de poco más de tres minutos llena de emotividad y con la majestuosa voz de Nick Cave.

I’M DOING IT AGAIN BABY! de girl in red

girl in red ha llamado bastante la atención en los últimos años, y este segundo disco de estudio representa muy bien la cultura pop jovial de los nacidos en los 2000s, además de preservar un sonido digerible combinando el ya mencionado pop y rock, dando un mensaje de superación y libertad para las nuevas generaciones que han crecido con su música.

USB de Fred again..

Fred again.. por fin lanzó su tan esperado disco, cuyos singles han sorprendido por sus colaboraciones poco vistas antes en el panorama, además de crear un ecosistema donde el EDM y el drum and bass coexistieran de una manera orgánica y exquisita. El disco cuenta con participaciones de Baby Keem, Overmono, Gessaffelstein, Skrillex, Romy y muchos más.

Slow Burn (EP) de Baby Rose y BADBADNOTGOOD

Con toques de country, blues y rock, la cantante conocida por su papel en el soul, Baby Rose, se juntó al trío de jazz BADBADNOTGOOD para estrenar este fascinante EP que captura la esencia de ambos mundos musicales colisionando en un viaje delicioso lleno de confort y tranquilidad.

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James Blake toma las riendas de su carrera: Se independiza y deja atrás las disqueras

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El reconocido músico británico James Blake ha decidido dar un giro radical a su trayectoria artística al desligarse de cualquier sello discográfico, particularmente Republic Records con quien llevaba años trabajando. Así lo anunció el propio artista a través de sus redes sociales, donde compartió un comunicado oficial con sus fans.

En el comunicado dado por él mismo, Blake expresa su deseo de tomar mayor control sobre su música y su carrera en general. Asegura que este cambio le permitirá explorar nuevos caminos creativos sin las restricciones que suelen imponer las disqueras.

Blake deja atrás una exitosa relación con el sello discográfico Republic Records, bajo el cual publicó cuatro álbumes de estudio, incluyendo el aclamado The Colour in Anything (2016) y el más reciente Playing Robots Into Heaven (2023).

La noticia llega semanas después de que Blake criticara la “manipulación” de la industria musical hacia los mismos oyentes, y cómo los artistas no ganan lo merecido: “Los servicios de streaming no pagan lo que realmente deberían, TikTok no paga correctamente, los sellos quieren cada vez porcentajes más grandes y las giras se están volviendo cada vez más caras”.

Este movimiento hacia la independencia es una tendencia cada vez más común en la industria musical actual. Artistas como Beyoncé y Taylor Swift, por mencionar algunos, han optado por desligarse de las grandes disqueras para tener mayor control sobre su música y sus negocios.

La decisión de James Blake es un paso importante en su carrera y abre la puerta a nuevas posibilidades creativas. Sus fans esperan con entusiasmo escuchar su nueva música y ver cómo se desarrolla su carrera en esta nueva etapa de independencia.

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Cortes Selectos

Bu Cuarón lanza su primer EP Drop By When You Drop Dead, un retrato de versatilidad

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Bu Cuarón

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con rolas en inglés y español. Hoy nos preparamos para un estreno que nos mostrará la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó hoy su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos.

El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

“Este EP es un mosaico de sonidos y emociones, un poco caótico pero auténticamente yo, es como ir quitando capas para revelar cada matiz de mi identidad musical, cada pista una faceta diferente de mi expresión artística.” comentó Bu Cuarón.

Desde el lanzamiento de “Psycho” en 2019, Bu vuelve a la producción musical con Drop by When You Drop Dead; el EP es una colección de seis temas que muestran los años de evolución y experimentación musical de Bu. La mayoría de las letras son composiciones en inglés, sin embargo, la integración de temas escritos en español e italiano son un reflejo de la visión cultural y del apego por sus intereses dentro de la creación musical.

Bu fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Previamente Bu Cuarón también había estrenado el video de la canción Viceversa, el cual contó con la colaboración del mismísimo Emmanuel Lubezki (colaborador habitual de su papá y ganador de tres Oscar a Mejor Fotografía) como director de fotografía del clip. En este visual, dirigido por la propia artista, aparece cantando la canción mientras flota en el mar con un bote, reafirmando el toque dramático de la letra.

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