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Originales

Querido Warp: Mercedes Nasta

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Te presentamos una sección muy íntima y personal en la que los artistas abren su corazón y sus ideas para escribirnos una carta en torno a sus proyectos más recientes. En esta ocasión, toca el turno de Mercedes Nasta.

Querido WARP:

Con mucha alegría te cuento que estoy estrenando RAMA, un álbum que compuse con mi amigo Rodrigo Blanco y que vio la luz el pasado 31 de Mayo bajo el sello Arts and Crafts México.

Para estar en este lugar que estoy he pasado por muchos obstáculos, casi todos intangibles, y de carácter mental, que me han impedido reconocerme como mujer músico, mujer que canta, mujer que escribe canciones que salen de lo profundo de su corazón.

Empecé mi carrera casi por accidente como MC de la banda Disco Ruido, en el festival MxBeat del 2008. En aquella época me imaginaba siendo escritora, tenía mi blogspot, pero me gustaba mucho la música y la fiesta, y una cosa llevó a la otra y terminé en el escenario. Aquél Mxbeat, curiosamente un 8 de marzo del 2008, se alinearon los astros y nunca más deje de musicalizar mis poemas. Desde entonces, el obstáculo más grande de mi carrera musical he sido yo misma. Por qué por muchos años decidí, inconscientemente, que era solo una etapa. Seguía estudiando la carrera y tenía dibujado en el horizonte el extraño fantasma de la quietud doméstica, fantasma que nubló la proyección en esa primera agrupación y la siguió nublando durante años.

Cuando Disco Ruido se embarca como tercia para regresar a sus orígenes de djs, me encontré con la misión de buscar un productor para seguir haciendo canciones. Cuando conocí a Santiago Gonzalez aka Chango le platiqué que tenía una cumbia en la cabeza y produjimos juntos Paricutín. Con Paricutín estalló el volcán de mi feminidad musical y construí un álbum de piedra volcánica en su ladera llamado Basalto. En el ínter aprendí los principios básico de producción y hacia finales de la grabación del Basalto invité a Rodrigo Blanco aka Rosca a grabar la guitarra de Pagana.

La sesión casera fué muy intuitiva, y a partir de eso muy orgánicamente nos seguimos juntando a tocar semanalmente durante años. De esas sesiones salieron demos interesantes y en el 2018 nos propusimos grabar un disco. A Rosca lo conocí cuando yo cantaba en Disco Ruido y él estaba en Rey Pila. Las dos bandas tocábamos en los mismos festivales y nos hicimos amigos.
Pero se nos atravesaron otros proyectos y el disco hibernó.

Atravesé la pandemia con la novedad de ser madre, hecho que agudizó el encierro y maximizó el estado contemplativo, tierno y repetitivo de los días callados y cargados de incertidumbre del 2020 y 2021. Cuando se esfumó el virus del mal retomamos el disco con sentido y dirección, se nos acercó Arts and Crafts para sacar el disco con ellos y nos enfocamos en darle forma y color a RAMA.


El reto más grande en esta etapa de mi vida musical es encontrar el tiempo en el loop doméstico y familiar. Y mientras que antes el hacer música era algo sin horario, casual y desordenado, ahora es un hábito increíble que cultivo todas las mañanas. He descubierto que solo sentándome a trabajar diario en mis proyectos es cuando avanzo a la velocidad que quiero, y a la velocidad que exige esta etapa de claridad y productividad en donde ya entendí que hacer música es lo que más me gusta y lo que mejor se hacer.

Así que espero seguirnos viendo, querido WARP, disco tras disco, muchos años más.

Sinceramente:
Mercedes Nasta

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Musica

Imágenes y Ruidos: La resonancia de la música mexicana en las salas de cine

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Imágenes y ruido

Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: destacamos diversas participaciones de músicos mexicanos musicalizando en el cine tanto internacional y nacional.

El trabajo musical de toda producción cinematográfica juega un papel sumamente importante y profundo, la música enlaza secuencias de escenas que nos ayudan a comprender e interpretar cómo se puede sentir un personaje en un momento determinado o reconocer un momento de suspenso, terror o romance, entre otras emociones, estableciendo un vínculo narrativo entre las imágenes y el ruido.

En la década de los sesenta, en México había prevalecido una forma de hacer cine. La triple condición de producción industrial en el país se basó en tres elementos que provenían del Hollywood clásico: Studio system, star system y cine de género. Sin embargo, la fórmula fue asimilada de acuerdo al contexto mexicano de aquella época, con una ideología orientada principalmente hacia el nacionalismo producido por el régimen posrevolucionario. Así se construyó un complejo industrial que llegó a alcanzar el liderazgo de la cinematografía a nivel Latinoamérica durante los años cuarenta.

Desde entonces el cine mexicano ha celebrado en incontables ocasiones sus propias tradiciones, músicos y compositores que producían canciones enfocadas a un imaginario basado en la cultura popular. Pedro Infante fue quizá el máximo exponente de la música popular y quedó inmortalizado en distintas producciones.

La música regional mexicana es un elemento esencial de la cultura y tradición de México. Este género ha sido integrado en numerosas películas, añadiendo un toque auténtico y local a las historias que se cuentan en la pantalla grande, tal es el cado que podemos citar muchos casos que han logrado una perfecta fusión entre la música regional mexicana y el cine, mejorando la experiencia del espectador.

Coco (2017) – Lee Unkrich y Adrian Molina

Coco es una película animada de Disney-Pixar y su banda sonora está profundamente influenciada por la música regional mexicana. La producción celebra la tradición del Día de Muertos en México, incluyendo canciones originales y tradicionales, como “La Llorona” y “Un Poco Loco”. De este modo la música en “Coco” es una parte esencial de la narrativa y contribuye a crear una atmósfera auténtica y emotiva. Además, la banda sonora incluye interpretaciones de artistas reconocidos como Natalia Lafourcade, Marco Antonio Solís y el Mariachi Divas, quienes le dan vida a las canciones y enriquecen la experiencia cinematográfica.

Amores Perros (2000) – Alejandro González Iñárritu

Esta película dirigida por Alejandro González Iñárritu, sin duda marco un antes y un después en el cine mexicano contemporáneo, provocando además una gran resonancia a nivel internacional. Por supuesto que se destaca por su poderoso soundtrack de música regional mexicana, con artistas como Los Tucanes de Tijuana, Control Machete y El General, la banda sonora acompaña a la perfección el tono crudo y realista de la película, sumergiendo al espectador en el ambiente urbano y caótico de la Ciudad de México.

Y tu mamá también (2001) – Alfonso Cuarón

La gran road movie dirigida por Alfonso Cuarón, agrega a la música regional mexicana como un ingrediente clave, juegando un papel fundamental en la trama. Con temas de Chavela Vargas, Celso Piña y Los Alegres de Terán, la banda sonora enriquece la atmósfera de la película y proporciona un elemento de autenticidad y sabor local.

El Infierno (2010) – Luis Estrada

Una de las películas que mayor impacto ha tenido desde su lanzamiento, aborda el tema del narcotráfico en México, y por supuesto cuenta con un soundtrack de música regional mexicana que incluye temas de artistas como Los Tucanes de Tijuana, Banda El Recodo y Jenni Rivera. La banda sonora de “El Infierno” acompaña a la perfección la historia de violencia, corrupción y desesperanza, a la vez que refuerza la identidad cultural de los personajes.

No podemos dejar de mencionar a diversos compositores especializados en bandas sonoras, como Leoncio “Bon” Lara, en donde se destacan grandes obras y participaciones como en Don Gato y su pandilla (2011), Rudo y Cursi (2008), y Las Leyendas, la franquicia de animación tradicional conformada por siete películas. Además, se desempeñó como director musical de los Festejos del Bicentenario México 2010, un músico ecléctico que ha participado y dejado su huella en el quehacer de la música nacional.

La música regional mexicana es un componente crucial de la cultura mexicana, y su presencia en la pantalla grande ha dejado una huella inolvidable. Existen una gran cantidad de películas nacionales e internacionales que destacan por lograr una perfecta fusión entre la música y la narrativa, creando experiencias cinematográficas ricas en cultura y tradición. La música regional mexicana sin duda seguirá siendo una fuente de inspiración para futuras películas y continuará enriqueciendo la experiencia del espectador.

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Cine y Series

Reseña: Civil War, la apuesta más ambiciosa de A24

Civil War es una distopía ultrarealista que se ubica en ficticia segunda guerra civil americana.

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Con una dirección y guion de Alex Garland, esta producción del estudio A24 se convierte en la primera gran apuesta del estudio en llevar a al cine grandes producciones. Apostando no solo por la calidad, sino también por un mayor éxito financiero.  

Aunque el sello de A24, en producción y en distribución, se ha convertido en una garantía de calidad, la recaudación en taquilla para el estudio en general ha sido modesta. Y es que, a pesar del éxito en años recientes en las temporadas de premios, su película más taquillera, Everything Everywhere All At Once (2022), recaudó un poco menos de 150 millones de dólares en taquilla.  

Para este filme A24 da su confianza al realizador británico Alex Garland. Quien se ha especializado como guionista y director sobre todo en la ciencia ficción inteligente. Como escritor no podemos pasar por alto su trabajo en filmes como 28 Days Later (2002),  Sunshine (2007) y Dredd (2012). Y como director su ópera prima Ex-Machina (2014) nos sorprendió por su genialidad en el manejo de ideas profundas sobre la Inteligencia Artificial y su manejo visual. 

Con un presupuesto de 50 millones de dólares Civil War se convierte en la producción más cara del estudio. Y si bien es cierto que aún es temprano para saber si cumplirá las expectativas en la taquilla, algo es seguro, el nivel técnico y dramático que alcanza la colocan entre los mejor de lo que va del año.

Además el filme sigue la tendencia del estudio y de producciones recientes como Godzilla Minus One (2023) y The Creator (2023), demostrando que no es necesario un presupuesto exorbitante para lograr una producción de calidad.

A diferencia de las producciones mencionada que se centran en la ciencia ficción, este filme es una distopía ultrarealista en un roadtrip. Que muestra distintos parajes y reacciones a la guerra, que van desde la brutalidad hasta la indiferencia. 

¿De qué va? 

La historia se ubica en un posible futuro cercano, donde la Unión Americana se encuentra en la última etapa de una guerra civil. Centrándose en el viaje de cuatro fotoperiodistas, que van de New York a Washington D.C., con la intensión de entrevistar al presidente, en la Casa Blanca antes de su caída.  

Kirsten Dunst, a quien desgraciadamente hemos visto poco en los últimos años, interpreta a Lee. Una fotógrafa de guerra con un gran prestigio, que vive una crisis existencial. Lee hace dupla con Joel (Wagner Moura), un reportero que se centra en la historia escrita.

Antes de partir a D.C. se suman al viaje el veterano periodista Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la fotógrafa novata, Jessie (Cailee Spaeny, a quien recientemente vimos en Priscilla), quien es una gran admiradora del trabajo de la periodista.  

A regañadientes Lee accede a viajar con más gente, pero en el camino genera una relación de mentoría con Jessie. Quién se forjara con momento extremos durante el viaje.  

¿Futuro distópico? 

El filme a primera vista parece una película de guerra o acción, con un despliegue impresionante e intenso de las secuencias bélicas. Pero es más una reflexión sobre el poder (o falta de) de la prensa. Como testigo imparcial de la naturaleza humana ante los conflictos armados, la violencia y deshumanización. 

Civil War ha recibido en general críticas positivas, sin embargo, ha causado ámpula en sus detractores. Algunos sectores del público y la crítica americana la encuentran ofensiva. Además de considerar que Garland al reflejar un posible conflicto en la Unión Americana no toma postura o da una explicación de las razones de la guerra.  

Sin embargo, la película se coloca en el lugar del periodismo de guerra y hace una clara diferencia de visiones con Lee y Jessie. Por un lado, Lee como la fotógrafa experimentada comienza a sentir el peso de los horrores que ha visto en su carrera. Su instinto y experiencia se hacen evidentes durante la mayor parte del viaje. Por otro lado, tenemos a Jessie, que perfecciona su arte y comenzará a deshumanizarse. Tomando cada vez más riesgos en la búsqueda de la imagen perfecta.  

Aunque Lee y Jessie reflejan la experiencia en oposición de la juventud, ambas se mantienen neutrales ante el conflicto y la violencia, en pos de la estética como testigos de la historia. Y esto podemos apreciarlo en las fotografías de Jessie. Quien recurre a la forma artesanal de hacer foto, con rollos y revelado en blanco y negro. Y por momento podemos ver las imágenes de su lente, que no están alejadas a lo que vemos todos los años en el World Press Photo. 

Aunque el filme hace eco ante un posible conflicto americano, se podría ubicar en cualquier parte del mundo. Mostrando violencia gráfica, la devastación, la muerte y los horrores de la guerra y la belleza de lo macabro. Que se potencia con el uso de la cámara en mano en algunas de sus secuencias y el potente diseño de audio.

Detalles

Con Civil War tanto Garland como A24 le apuestan a lo grande, con un filme que vale la pena ver en IMAX. Con una destacada producción, que incluye una excelente fotografía, ambientación y un diseño de audio extraordinario. 

Si bien es cierto que son cuatro los periodistas en el viaje, las mujeres toman el lugar central. Opacando un poco a Joel, el socio de Lee, y Sammy. Y no quedan del todo claras sus intenciones y motivaciones. Sobre todo con Joel. 

Parte de la historia es predecible desde el comienzo de la película. Y por momentos el escenario parece confuso, pero también es un reflejo de moverse en un territorio desconocido que se encuentra en conflicto. Además su desenlace probablemente no es tan impactante como el resto del filme, pero va en coherencia con el resto de la historia.

Una mención aparte merece el actor Jesse Plemons, el esposo de Dunst, quien tiene una pequeña participación y se roba la película. Con uno de los momentos más estresantes y terroríficos del filme. 

Civil War es un filme que busca la reflexión sobre los conflictos armados, el fotoperiodismo y un reflejo de los riesgos de este oficio. Que se ha vuelto muy peligroso en algunas partes del mundo. Garland de forma deliberada no da todas las respuestas al espectador, pero da elementos suficientes con una obra poderosa, para generar diversas emociones en su público.

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CommonSense Records

CommonSense Records lanza el sexto volumen de su icónico compilado de Techno

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CommonSense Records entrega su compilado de Techno número 6 con grandes nombres: Alejandro Franco, Aöcram, Decode, Insen, James Harbrecht, Joaquin Ruiz, Jnks, EL MAMU, Sinistermind, Roi, EL MAMU, Sinistermind, TENO, 1FM y Lewis_33.

El compilado 06 de CommonSense Records, extrae lo mejor de su esencia, es decir, la estructura de la disquera y este amor por la música Techno son un constante en cada nuevo volumen.

La alineación completa de este material está conformada por los siguientes nombres:

Alejandro Franco – Axis

– Aöcram, Decoder – Magma Waves

– Insen – Its Got A Point

– James Harbrecht – Fragments

– Joaquin Ruiz – Cellular

– Jnks – Warp4

– EL MAMU, Sinistermind – Era

– Roi – Forzoni

– Sintoma -Zortuk

– TENO – Blueberry

– 1FM, Lewis_33 – Transubstanation (Tool Mix)

El álbum nos regala momentos intensos y también de fantasía ilimitada, es como un manual para la gente que quiere acercarse al techno y un gran lugar de apertura para el fan de techno que quiere más. Y en un espacio más profundo, el resultado final es una forma de canalizar una utopía sonora libre de las lógicas del género y la música convencional actual.

Cada uno de los tracks gozan de una producción suprema, desde las melodías de la pista de baile hasta los experimentos en diseño de sonido, no están sujetas a ningún tipo de reglas genéricas o, de hecho, incluso a una progresión lineal, por mucho que amemos el sonido $/4, siempre hay que afinar el oído para encontrar más allá en los detalles, y con este compilado, sucede a la perfección.

Hay muchos momentos de euforia, con esta intensidad que caracteriza a la disquera y a sus productores, el camino lo tienen muy bien definido, y sabemos que cada productor adjunta su visión desde una perspectiva muy original, a veces arriesgada, lo cual se agradece.

Nos encanta el sonido de esos los sintetizadores filtrados y esos bajos y golpes potentes, antes de que una ruptura prolongada de la escucha sónica nos aterrice sin aviso alguno.

La verdad es que cada compilación y el trabajo en general que hacen en CommonSense Records sigue estando lleno de un sello distintivo y propositivo entre toda la música genérica que domina las listas, acá es una bienvenida al inframundo sonoro del techno del que una vez que se toca fondo, es difícil regresar a los sonidos cotidianos.

El viaje es un caleidoscopio de dosis de dopamina para todo aquel que se atreve a darle play. Una experiencia que recomendamos ampliamente.

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Cortes Selectos

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