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Reseña de Nuestro Disco de la Semana: Cowboy Carter de Beyonce

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En este nuevo espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega: Cowboy Carter de Beyonce.

Cualquier cosa en la que esté involucrada Beyonce es sinónimo de atención multitudinaria inmediata, incluso si se trata de un disco fundamentado en el género del mainstream norteamericano con más apego riguroso a su propia tradición sonora: el Country. 

Tan estrictos y conservadores son los códigos del Country respecto a su musicalidad y a su discurso que, quizá, su última gran revolución fue hace más de 40 años, cuando Dolly Parton rompió los paradigmas del género como relator de la vida americana alejada de las urbes para convertirlo en una plataforma de historias Pop sobre el amor y los corazones rotos.

Aunque en tiempos recientes la industria lo ha intentado aligerar para su acercamiento con nuevas generaciones a través de proyectos muy mediáticos (la primera etapa de Taylor Swift, ni más ni menos) o con el filtro del Rock/Pop (escúchese a Lady Antebellum o Blake Shelton), en esencia sigue estando más cerca de 1960 que de 2024.

Aquí es donde aparece Beyonce y su más reciente producción discográfica: Cowboy Carter, el segundo álbum dentro de una trilogía de la que no tenemos del todo claras las reglas ni lineamientos de su propio universo pero que tiene un objetivo claro: la reivindicación de la comunidad afroamericana en la historia de movidas musicales generalmente asociadas a los blancos.

Así lo hizo en Renaissance (2022) y la revisión cronológica de la cultura de los clubes nocturnos, y así parece intentarlo en Cowboy Carter, no solo respecto al estudio del Country como un género negro; sino también desde su intimidad con el Soul, el Folk, el Blues y el Góspel.

Planteada la declaración de intenciones, este disco es necesario abordarlo en tres fases: su conceptualización, su ejecución y el puente entre ambas. O sea: lo que dice ser, lo que busca ser y lo que termina siendo, sobre todo porque en el tejido de esa estructura es donde está la clave de sus matices.

Lo que dice ser

Según la misma Beyoncé, la inquietud por hacer este disco surgió hace casi ocho años, cuando acudió a los Country Music Association Awards para interpretar uno de los tantos éxitos de su álbum Lemonade (2016): “Daddy Issues”, un track Country/Folk que fue muy bien recibido por la industria pero que el universo de dicho género sintió como una intrusión oportunista en un campo que no le correspondía.

No está de más decir que esa posición buscaba disimular una postura racista, sobre todo en el año en el que Trump acababa de ascender al poder, precisamente, gracias a esa clase de mensajes.

El rechazo fue tan obvio que Beyonce lo percibió y a partir de ahí empezó a incubar un deseo de venganza. Mientras desarrollaba otras producciones, Queen B cuenta que se involucró en un proceso personal de más de cinco años en los que exploró la historia de la música afroamericana y, particularmente, del Country, el Folk, el Blues, el. Soul y el Gospel.

Dicho proceso es la semilla de Cowboy Carter, que además “llega en un momento muy afortunado” para la cultura Pop y las tendencias de consumo dado el auge de la estética vaquera, algo que el diseñador Raf Simons vaticinó en 2017 en su primera colección para Calvin Klein y que Pharrell Williams ha llevado a su máxima expresión a principios de este año con su pasarela de verano para Louis Vuitton.

En su disco, Beyonce lo hace muy explícito desde la portada: no solo por el caballo -que parece ser el eje conductor de la trilogía- sino por la presencia de elementos totalmente asociados con la vida campirana como las botas, el sombrero y las chaquetas, todos ellos encumbrados por un detalle no menor: los colores de la bandera estadounidense en una intensidad que ahora es muy fácil asociar a la campaña de Trump a partir de la sátira.

Lo que buscó ser

A estas alturas, cuestionar la calidad en la ejecución de un disco de Beyonce sería prácticamente una pérdida de tiempo: primero, por el talento vocal e interpretativo con el que nació; después, por el nivel de colaboradores de los que se rodea, y finalmente pero no menos importante, por el presupuesto casi ilimitado que le permite grabar donde quiera, cuando quiera, con paciencia y una atención al detalle que pocos pueden tener.

Por eso, bajos los estándares de Beyonce, una buena materialización de sus ideas ya no es un logro sino una obligación.

Sin embargo, además de ser un disco con una manufactura muy fina y pulcra, Cowboy Carter es muy entretenido. Lo cual sí es una victoria considerando que es un álbum de más de una hora que parte de géneros que no son los más populares de la actualidad.

Y esa victoria se engrandece gracias a la que quizá sea la mayor virtud del disco: la gestión y contención de emociones. Recordemos que Beyoncé viene de tres bombas atómicas (Lemonade, The Carters y Renaissance) que la han marcado como una figura trepidante y eufórica, por lo que verla en esta faceta no solo nos recuerda su eclecticidad, también  amplia su propio rango hacia terrenos más minimalistas y solemnes.

Lo que termina siendo 

El problema con Cowboy Carter es que la distancia entre lo que dice ser y lo que realmente es terminó siendo es amplia. 

Porque si bien al oído resultó ser una obra bellísima de escuchar, no termina por cumplir su cometido de reivindicar a la comunidad afroamericana dentro de la historia del Country.

De hecho, en varios pasajes parece que hace exactamente lo contrario, ya que constantemente termina aludiendo al canon blanco del género: desde los nombres con los que colabora (Willie Nelson, Dolly Parton, Willie Nelson y Miley Cyrus) hasta las referencias que emplea, en las que a través de covers, sampleos e interpolaciones alimenta la percepción ya establecida del Country: “Jolene”, “Blackbird”, “Thess Boots Are Made For Walking” entre otras.

Una serie de recursos que incluso pecan en lo obvios y que tampoco dan señales de estar ahí como una ironía. Y es que si alguien tenía la influencia y la credibilidad para poner sobre la mesa otras canciones, otros nombres, esa era Beyonce.

Pero el foco no debe estar en lo que nos hubiese gustado que presentara sino en lo que sí está:

En esa mencionada victoria dentro de la ejecución, sus armonías -por decir un ejemplo- tienen un planteamiento vocal muchos más cercano a los Beach Boys y a Bobby Gentry que a Charly Pride y Linda Martell.

Por lo que en la concepción final del álbum, más que una ruta pedagógica por reconstruir un origen cultural (y por lo tanto, colectivo) del Country negro, lo que consiguió Beyonce fue una suerte de venganza personal en la que al final del camino tiene los argumentos para decir “puedo jugar su juego e incluso hacerlo mejor que ellos”. 

E incluso en el rigor de ese Country blanco, la mayor parte del álbum es más bien una obra de Pop acústico contemporáneo, muy en el tono de la Taylor Swift de Folklore o de Mitski en su más reciente disco. 

Lo cual no es malo en absoluto, pero no refrenda lo que buscaba Beyonce. O al menos lo que dio a entender que buscaba.

Eso sí: bajo el entendimiento menos ortodoxo del Country, Cowboy Carter sí podría significar una nueva puerta para el género en la que, paradójicamente a lo que se dijo hace un par de párrafos, la diversidad sonora de la Música afroamericana sí tendrá un lienzo ideal para desarrollarse, algo que no sería del todo nuevo (guiño a Lil Nas X) pero sí establecería un precedente para que más artistas negros se interesen.

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IDLES estrenan el vídeo de su nuevo sencillo “POP POP POP”

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IDLES sigue con la promoción de su quinto y más reciente disco ‘TANGK’ y ahora estrenan vídeo para su sencillo “Pop Pop Pop”.

“Pop Pop Pop” continua con esta nueva etapa de IDLES que ha sido muy bien recibida, los sencillos están funcionando bien y tienen bastante calidad, además de que los vídeos han sido súper originales y IDLES sigue bastante vigente para su trayectoria y el mercado tan competido apostando por un sonido agresivo y sobre todo por lo interesante de sus letras.

Acerca de esto, Joe Talbot comenta lo siguiente:

“Es una canción sobre la belleza de tener un hijo y comprender lo afortunado que eres de tenerlo. Y hay una sensación de ciclo cuando tienes un hijo, cuando pierdes a un padre y a un hijo.

Tengo un enorme sentimiento de gratitud y peso por ser padre por lo que he perdido. No digo que sea mejor padre o que esté más conectado por eso.

Pero creo que estoy más conectado de lo que hubiera estado debido a lo que he perdido. He aprendido a sentir una sensación de alegría al ver su alegría. Y creo que eso es asombroso. Y poderoso. Y estoy muy agradecido”.

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La música de Taylor Swift vuelve a TikTok; UMG se debilita

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Todas las canciones de Taylor Swift están nuevamente disponibles en TikTok, esto después de que todo su catálogo, y la totalidad de la música perteneciente a Universal Music Group fuera retirada de la aplicación.

Según Bill Werde, en una entrevista para The Wall Street Journal, el director del programa de negocios musicales de la Universidad de Syracuse, “Universal no puede afirmar que está ganando la pelea contra TikTok si Taylor no forma parte de su equipo”. El experto en industria musical afirmó que Swift estaría socavando toda la pelea de la discográfica contra la red social, debilitando el argumento de UMG.

¿Por qué volvió Taylor a TikTok? Básicamente se trata de una estrategia de posicionamiento para la artista, pues próximamente estará lanzando un nuevo disco titulado The Tortured Poets Department, y en los planes de distribución y promoción, TikTok es una plataforma que no pueden dejar de lado.

Universal retira su música de TikTok

Según Universal, Tik Tok plantea un contrato “menos justo y con menor valor” del que está en vigencia, lo que implicaría que se reducirían los pagos a los artistas.

De igual manera, Universal señala que Tik Tok se niega a implementar medidas contra el contenido generado por Inteligencia Artificial que infringe leyes de derechos de autor, así como sus débiles estándares para penalizar material como remixes e interpolaciones instrumentales basadas en canciones del catálogo de la disquera, lo que evita que la red social tenga que reportar esas piezas como contenido monetizable para los artistas.

Ante dichos señalamientos, Tik Tok respondió que Universal promueve una narrativa falsa, ya que la disquera y sus artistas no solo se benefician a nivel económico sino también de la exposición, gracias a los millones de usuarios que usan la plataforma todos los días y que ayudan a viralizar dicho material todos los días.

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Fontaines D.C. anuncia su nuevo álbum ‘ROMANCE’ con el sencillo “Starburster”

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La banda irlandesa Fontaines D.C. está de regreso y han anunciado lo que será su cuarto álbum de estudio ‘ROMANCE’, que saldrá el 23 de agosto de 2024.

Fontaines D.C. ahora experimenta en una nueva disquera como lo es la prestigiosa XL Recordings, quienes les dan la bienvenida y les abren una nueva puerta al trabajar con el productor James Ford  (Simian Mobile Disco), quien ha trabajado con Arctic Monkeys, Depche Mode, Gorillaz, Peaches, Folas y Blur.

“Starbuster” marca un sonido diferente en la composición de la banda, es evidente que ya no son el grupo de los tres primeros discos editados en la disquera Partisan, y sus influencias son tan diversas que es entendible que no sigan una misma línea, aunque la esencia esté marcada, por supuesto.

El vídeo fue dirigido por Aube Perrie (Harry Styles, The Hives) y está inspirado en la paranoia lírica. Sobre este nuevo álbum y etapa, su líder Grian Chatten comenta lo siguiente:

“El álbum trata sobre proteger esa pequeña llama de enamorarte en el fin del mundo. Cuanto más grande se avecina el Armagedón, más precioso se vuelve. Este disco trata sobre decidir qué es la fantasía, el mundo tangible o hacia dónde vas en tu mente. ¿Qué más nos representa la realidad? Eso nos parece casi espiritual”.

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