Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel. En la entrega del día de hoy: Ambient 1, Music for Airports de Brian Eno.

La música electrónica de finales de los 70 estaba por cambiar para siempre gracias a la experimentación creativa de Brian Eno, un músico que venía de formar parte de una de las bandas más importantes que ha dado la cultura británica, Roxy Music, pero que nada estaba más alejado de Roxy Music que el trabajo de Eno como solista, en busca de un panorama más imaginativo y lleno de calma, libre de beats y con cero glam. Básicamente enterró su pasado para abrir la puerta del futuro que nos presentó la música ambient.

El arquitecto del ambient

Brian Eno es el padrino de la música ambient, un estilo que desde entonces ha influenciado a un gran porcentaje de la música contemporánea, en especial impactando más en los productores experimentales y a los de nicho.

Y aunque en sus trabajos anteriores en discos como “Discreet Music” y “Another Green World” fue puliendo ese estilo, no fue hasta que perfeccionó el sonido del género con ‘Ambient 1: Music For Airports’, y que, a su vez, como dato cultural también fue el primer uso de la palabra “ambient” en un contexto musical.

Por supuesto y como en cada historia de cualquier género musical, siempre se van dejando semillas, y obvio que hubo músicos anteriores que hicieron música con un estilo similar, pero Eno hizo que el ambient fuera parte de la música popular.

El origen de la atención auditiva

Brian Peter George Saint Jean le Baptiste de la Salle Eno, o simplemente Brian Eno, es aclamado como la figura principal en la escultura en la historia de la música ambiental. La historia de cómo nace el género se remonta a cuando Eno tuvo que pasar algunas semanas acostado en una cama de hospital sin nada más que escuchar que música muy tranquila del siglo XVIII.

A partir de ese suceso se dio cuenta y descifró que la música podía presentarse en una forma que provocara muchos niveles de atención auditiva y sin limitarse a un solo escenario como resultado, y así le dio vida al hoy super influyente disco de la música para aeropuertos.

El ambient es probablemente el estilo más fácil para hacer música, podrían pensar algunos, y no estarían del todo equivocados, pero sin lugar a dudas es uno de los géneros más difíciles en donde se puede trascender.

Música para aeropuertos…

‘Music For Airports’ consta de sólo cuatro composiciones, y cada una de ellas contiene un aura muy bella, de hecho, son piezas muy minimalistas y están diseñadas para llenar el fondo de un lugar, ambiente o situación, sin que el escucha tenga que estar precisamente atento o super concentrado para poder disfrutar de las melodías.

Su función es deliberadamente ser música de fondo y eliminar el terrible sentimiento de estar solo esperando tu vuelo dentro de una terminal de aeropuerto en cualquier lugar del mundo.

Music for Airports consiste en crear pequeñas ideas simples que suelen ser geniales o con penetrantes la primera vez que las escuchas, sino que también sigan siendo geniales si las escuchas repetidas veces durante cierto tiempo, en especial cuando regresas a ella años después y ese delicado equilibrio es difícil de encontrar a veces, pero Brian Eno muestra un dominio total sobre él.

La experiencia sonora y las memorias

Lo que Eno hace aquí es moldear un paisaje sonoro personal para cada ser humano que escucha y luego le permitiste hacer lo que quieran con esas herramientas instrumentales.

Si la sabes usar te proporcionará la banda sonora perfecta para esa actividad o momento de tu vida, aunque también no es para todos los escuchas, puede que en algún momento te pueda cansar o que simplemente no puedas terminar de escuchar el disco, ese es uno de los grandes riesgos que se corre pero que bien vale la pena una vez que se educa el oído para la ocasión.

Sin duda es un disco imprescindible para los fanáticos del ambient y una pieza de culto en donde quedó plasmada la visión de Brian Eno donde la música sugiere y refleja con precisión el lugar del arte pictórico en el espacio público o privado, creando nuevas memorias una y otra vez.

Zendaya, Mike Faist y Josh O’Connor protagonizan el nuevo drama deportivo del director italiano Luca Guadagnino. Quien se interna en el mundo del tenis para mostrar la compleja e intensa relación entre tres prometedores figuras del deporte a lo largo de 16 años. 

Luca Guadagnino tomó por asalto la escena internacional con su largometraje Call Me by Your Name (2017). Que catapultó la carrera actoral del actor del momento Timothée Chalamet. 

Ahora el realizador cuenta con un trio de talentosos actores jóvenes como protagonistas. Pero, no cabe duda de que gran parte del impulso de la película es la presencia de Zendaya. Como la joven y talentosa tenista, Tashi, que se inmiscuye en la amistad de Art (Mike Faist) y Patrick (Josh O’Connor). 

Challengers 

En el mundo del tenis profesional hay dos tipos de torneos, los Grand Slam, donde encontramos a las grandes figuras del deporte y el ATP Challenger Tour. Algo así como la segunda división, donde los jóvenes buscan ganarse un lugar en las grandes ligas. 

La historia del filme comienza cuando el Patrick, un jugador de gran slam fracasa en su intento de regreso de una lesión. Su esposa, manejadora y entrenadora Tashi, le sugiere que juegue en un Challenger para recuperar su confianza.  

Patrick y Tashi viven un momento difícil en su matrimonio y este decide hacerle caso a su esposa para mantener la paz. El problema es que en el mismo torneo jugará Art. El ex-mejor amigo del jugador, quien también tiene un pasado con Tashi. 

Aunque Art es muy talentoso, su carrera nunca llegó a tener el éxito de Patrick, gracias en parte a su actitud y a un conjunto de malas decisiones. Y aunque las probabilidades son pocas, ambos se encuentran cara a cara en la final. Donde se juegan algo más que el título. 

Intensidad a cada momento 

Guadagnino con distintos cambios de tiempo nos muestra como la relación entre los tres personajes ha cambiado en más de una década. Cuando Tashi era la siguiente gran promesa del deporte y Art y Patrick eran los mejores amigos como challengers. 

El drama dentro y fuera de la cancha, sus relaciones personales, sus decisiones y la carga sexual de la historia se ven acentuadas por grandes actuaciones de sus protagonistas y la música de Trent Reznor y Atticus Ross. Estos ganadores del Óscar por Social Network (2010), ya habían trabajado previamente con el realizador en la no tan mediática, Bones and all (2022). Sin embargo, en esta ocasión podrían decirse que no solo acompañan el drama, sino que marcan el ritmo con un score marcado por la música electrónica. 

En esta historia de tres personajes Mike Faist y Josh O’Connor realizan un gran trabajo. Pero la nota alta se la lleva Zendaya, en lo que podría ser una de las mejores actuaciones de su carrera. Como una mujer ambiciosa y calculadora, que ve truncado su prometedor futuro después de un incidente.  

Las decisiones de Tashi, enfocadas al tenis, su apertura y sinceridad brutal ponen de cabeza la vida de Art y Patrick. Pero el triángulo no es tan sencillo como parece. 

El drama deportivo nos lleva con gran acierto de regreso al mundo del tenis con una intensidad que no habíamos visto en mucho tiempo desde Wimbledon (2004). El guion de Justin Kuritzkes está estructurado de gran forma y su realización de forma excelente no nos confunde entre los variados saltos de tiempo. 

El elemento sexual está muy llevado, sin ser explicito, también con un toque de sensualidad, que se mezcla a la perfección con la metáfora del romance con el deporte.  

También destacan la fotografía de Sayombhu Mukddeprom, el diseño de audio y el manejo de cámara, que nos meten en la cancha. 

En resumen, Challengers se convierte en un gran drama deportivo, sexy e intenso que vale mucho la pena ver.  

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con canciones en inglés y español. Estrenando su EP debut, que es el reflejo de años de estudio, evolución y experimentación, el EP se define por un enfoque exploratorio, con temas que cambian y sorprenden continuamente, desde la dramática montaña rusa de paradas y arranques de “Come for Me” hasta las letras rápidas de la pegajosa canción de ukelele “Sweet Face.” Así qué, dicho estreno nos muestra la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos. El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

Bu Cuarón fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Drop By When You Drop Dead es el primer proyecto musical de Bu desde el lanzamiento de “Psycho,” en el 2019, trabajo que apareció en el álbum Music Inspired by the Film Roma, una colección de canciones inspiradas en la película de su padre nominada al Oscar, ROMA. 5 años después Bu Cuarón estrena música, y esa fue la oportunidad ideal para poder platicar con ella al respecto.

Bu Cuarón: Como una serpiente que se mudó de piel (respecto a como se siente después de este gran paso de 5 años) finalmente puedo dejarlo en otro lado, bye jajaja, ya no puedo controlar nada, ya no puedo cambiar nada, ya esta fuera y estoy muy contenta por eso.

Ahora con toda es paz mental que te dá el ya tener tu EP fuera, como lo mencionabas, esa mutación que viviste como el de una serpiente, después de 5 años de mucho trabajo por fin haces un sueño realidad ¿Cómo fue esta construcción y conceptualización que trabajaste canción tras canción?

Bu Cuarón: Son muchas canciones que empecé desde los 16 años, hasta los 18, 19, mezclándolas juntas, para mi fue muy importante tener canciones en inglés, español e italiano, y no solamente en un idioma, sino que funcionará igual entre los tres idiomas. También explorar y aprender sobre el mundo de la producción, y crecer con eso, durante todo este tiempo hubo cosas que yo no sabía hacerlas, aprendí cuando estaba haciendo todo este trabajo, en ese mismo momento y ahora es lo que tu escuchas.

Dentro de estos aprendizajes que mencionas, hay alguno que te haya marcado en especial, algo que te haya marcado durante estos 5 años, que haya funcionado como ruta de trabajo para lo que hoy es Drop By When You Drop Dead.

Bu Cuarón: Los arpegiadores en Come For Me sin duda, sabes, ahí tuve que plantearme como ese increscendo que se escucha de sonidos raros, dije quiero usar samples o recordings que hago yo con mi teléfono de cosas que pasan en la calle, no sabes cuantas cosas rompí en mi cocina jaja para hacer sonidos.

Hay una multiculturalidad muy natural en tu vida, que también de alguna manera se traslada a tu vida profesional, artística, ¿cómo consideras que ha influido este choque cultural que vives, tanto de México, Italia, vivir de cerca el legado tan increíble del trabajo que ha hecho tu papá, colaborar con Lubezki? Si lo pones en perspectiva es un rompecabezas super interesante que tiene como nombre, Bu Cuarón. Creciendo en un medio artístico tan prolífico.

Bu Cuarón: Siento que creciendo con el arte, normalizas vivir con el arte, crees que es muy normal, pero también siento que es muy necesario para un niño tener eso, pero además, para poder apreciar otros tipos de artes tienes que crecer con un ambiente o lugar, donde se puede ser abierto de mente, y puedes fallar, puedes crear cosas, y sobretodo divertirse con eso. Entonces al estar expuesta a diferentes lugares, culturas, idiomas, siempre me empujo a querer entender diferentes tipos de arte, y eso me ayudó muchísimo para mí como persona y para desarrollar un arte.

Emmanuel “El Chivo” Lubezki, ganador de tres premios Óscar fungió como director de fotografía, en el video que acompaña a la canción que lleva por nombre Viceversa. La canción, dramática y rica en melodías, combina efectos vocales inquietantes con arpegiadores para crear un sonido cautivador. Inspirándose en el mundo natural e incorporando referencias literarias, como un guiño a Cien años de soledad de Gabriel García Márquez.

Bu Cuarón crece con el impetú y la alegría de una prolífica juventud, tratando de hacerse de un nombre propio en la industria, desde temprana edad comenzó su formación musical, por lo que el resultado final de su EP debut representa una serie de esfuerzos y aprendizajes que hasta el día de hoy hacen resonancia como un ente emergente en el mundo de la música, un camino largo que estamos seguros la llevará muy lejos.