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Cortes Selectos

WARP Yearbook 2023: Las 20 mejores canciones del año

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En un año muy diverso -como ya lo son todos últimamente-vivimos un 2023 en el que las canciones son, por sobre todas las cosas, símbolos: de movimientos, del estado de la industria, de facetas artísticas y de miradas al futuro. Esta es nuestra selección con las que creemos que son las 20 más importantes.

El 2023 agoniza y los sonidos que nos movieron este año empiezan a convertirse en referentes para entender el pasado inmediato. Hace doces meses no sabíamos exactamente a dónde se dirigía la música y hoy ya no podemos entenderla sin nombres como Peso Pluma, o Kara Jackson; también ha sido un ciclo para la resurrección de leyendas que afortunadamente siguen más vivas que nunca: The Rolling Stones en ese baile eternos y John Cale que se confirma como una de las mentes más vanguardistas de nuestra época.

Los discos todavía son las cartas magnas en las que los artistas hacen sus apuestas más ambiciosas pero son las canciones las que definen el sonido de generaciones enteras.

Como parte de nuestro Yearbook 2023 y sin un orden jerárquico específico, te presentamos nuestra selección con las que consideramos las 20 mejores canciones del año entre singles, joyas escondidas y otras que se antojan como próximos clásicos.

Mercy de John Cale ft. Lauren Halo

Siempre será motivo de celebración que uno de los músicos más vanguardistas de los últimos cien años siga en activo a sus ochenta y tantos de vida. Esta canción es la carta de presentación de un sonido oscuro, espeso y reflexivo que encumbra esta era de John Cale.

 

Ella Baila Sola de Eslabón Armado y Peso Pluma

La canción que rompió todo: la bandera que encabezó la incursión de los Corridos Tumbados al mercado internacional de la mano del golden boy Peso Pluma y uno de los proyectos más sólidos de esta movida: Eslabón Armado. Un fenómeno que cautivó a todos por igual dada su energía divertida.

The Black Seminole de Lil Yachty

Lil Yachty ya era uno de los raperos más promisorios del panorama anglosajón pero nadie imaginaba el giro de tuerca que daría su carrera: en 2023 se pasó al Rock Progresivo y  está canción amalgama a la perfección esa nueva identidad sonora.

Sillent Running de Gorillaz ft. Adele Omotayo

Fue un año inconsistente para Gorillaz; pero, en medio de ese caos, publicaron una de las mejores canciones de su repertorio, que además de exponer la nueva fascinación de Damon Albarn por los sintetizadores, la conjuga con una línea vocal marcada por esa tesitura afro que genera un contraste muy efectivo.

Float de Jannelle Monae ft. Sean Kuti & Egypt 80

Este fue el primer track que conocimos de The Age Of Pleassure y nos enganchó desde el principio. El trabajo de la familia Cuti en los instrumentales da como resultado una canción potente que se debate entre el Rap y el Reggae modernista.

Endlessly de Kali Uchis

Una de esas canciones que no se entiende por qué no fueron singles o un hit masivo. Kali Uchis nos da la versión más aterciopelada de su voz para aderezar una base que suena a un verano perfecto en Miami.

Kollage de Carly Rae Jepsen

No conforme con ser una estrella de las pistas de baile, Carly Rae Jepsen nos ha enseñado a lo largo del último año que también puede entregar Pop contenido y elegante. Este track es el mejor ejemplo de ello y además se sitúa como uno de los highlights de su repertorio.

and the color red de Underworld

No hay necesidad de decir mucho sobre este track: es Underworld en estado puro como referente del auge del Techno en el mainstream. 

Scientists & Engineers de Killer Mike ft. Future, Andre 3000 & Eryn Allen Kane

Esta canción es una bomba: algunos de los MC’s más talentosos de los últimos veinte años se acoplan a la fuerza parsimoniosa de instrumentales tomados del Soul y el Gospel para conseguir una experiencia alucinante.

Bug Like An Angel – Mitski

Es probable que desde el Unplugged de Nirvana no tuviéramos una entrega de Grunge acústico tan poderosa como el opening track del álbum más reciente de Mitski. Su aura solemne no le resta fuerza emocional a esta canción bellísima. 

Goodbye de Victoria Monet

En un mundo acostumbrado a darle final al amor entre rencores y tristeza, Victoria Monet opina lo contrario y entrega esta canción increíble sobre despedirse con alegría y agradecimiento bajo un sonido influenciado por Fleetwood Mac y The O’ Jays.

Telekinesis de Travis Scott

Al final, el Blockbuster musical que fue Utopia no estuvo a la altura de las expectativas pero esta canción es la que mejor expresa las intenciones artísticas de Travis Scott: un sonido futurista que se llena de modulaciones de voz y un beat que va in crecendo.

Asking To Break de James Blake

Volvió el James Blake experimental y esta canción cimentada en una secuencia entre cortada, con elementos asociados al robotismo, nos dirigen a la melancolía insignia del británico.

I swear, I Really Wanted To Make A “Rap” Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time de André 3000

Cuando André 3000 anunció un disco instrumental de flauta, pensamos que se debía a una de esas ingeniosas bromas del otrora miembro de Outkast; sin embargo, con esta canción nos quedó claro que no solo iba en serio, sino que además es un iluminado capaz de darle coherencia al vínculo entre el Jazz y el Ambient. Muy fino.

Woke Up and Asked Siri How I’m Gonna Die

Este track apocalíptico debe ser una de las piezas más arriesgadas que dio el rap este año. Su lírica nihilista que no encuentra esperanza en el panorama actual se acentúa gracias a su juego sonoro de sampleos sacados de gadgets con una modulación Cyberpunk.

No fun/ party – Kara Jackson

El desolador debut de Kara Jackson encuentra uno de sus puntos más altos en esta canción que nos transporta a un mundo de fantasía en decadencia gracias a su poema fatal, la interpretación vocal desgarradora y la sección de cuerdas que arrasa con todo a su paso.

Mi vida en llamas de Alex Andwandter ft. Buscabulla

Este frenesí hecho canción es la analogía de una bomba al que le prenden la mecha y nos hace testigos de su explosión. Construida por dos de los proyectos más vanguardistas de América Latina, “Mi Vida En Llamas” es de las pistas de baile.

Paranormal de Tainy ft. Álvaro Díaz

En los pasillos del Reggaeton se empezó una nueva dirección para el género inspirada de la música electrónica y el Pop de los 80’s. El legendario Tainy decidió patentar ese sonido para su álbum debut y esta colaboración con Álvaro Díaz nos transporta a películas como Tron o Blade Runner.

In My room de Troy Sivan ft. Guitarricadelafuente

Que los Stones hagan música nueva es una gran noticia y más cuando se escuchan así de sólidos y consistentes. Más enfocados en ese Rock divertido que hicieron en los 80’s, esta canción es el símbolo de lo relevantes que son aún para el panorama global.

boygenius – $20

El Rock sí está vivo y en buena medida es gracias a boygenius. Con ese humor y esa crudeza que las caracteriza, Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus nos entregan esta analogía sobre la bancarrota que en realidad oculta un mensaje sobre nuestra necesidad de huir cuando ya no hay esperanza.

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Sonidos del Futuro: Fin del Mundo, un desolado caos de post rock

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Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música.

En los confines más lejanos de la Patagonia argentina, un cuarteto de chicas se juntó con la finalidad de hacer converger sus emociones en el caos, la melancolía y la desolación del fin del mundo, tomando su nombre de allí mismo.

Fin del Mundo es un proyecto conformado por Julieta Heredia, Julieta Limia, Lucía Masnatta y Yanina Silva formada en 2019 en Buenos Aires, aunque con raíces muy marcadas en la Patagonia, precisamente en las localidades de Tierra del Fuego y Chubut.

Todo va hacia el mar, y viene de él

La música de Fin del Mundo es lo que su nombre nos dice; nos transporta a aquellas regiones del mundo donde éste se “termina” de forma territorial, aunque bien podría tratarse una metáfora de la melancolía y desolación que esto significa. Y es justamente el post-rock el género ideal para esta premisa.

Bajo este género, las cuatro chicas crean espacios instrumentales llenos de sentimiento, y claro, un ordenado pero palpable caos. Las atmósferas son marcadas y firmes, creando experiencias sonoras que no necesariamente se tratan solo de guitarras y bajos, sino también de todo lo que resuene en la cabeza de cada escucha.

Justamente de eso va su disco debut, Todo Va Hacia el Mar (2023), lanzado de manera completamente independiente y que cuenta con ocho tracks donde esta idea de ver hacia el fin del mundo se maneja de manera caótica y nostálgica. Canciones perfectas para mirar al vacío y regocijarnos con él.

Un mar que traspasa fronteras

Si bien las chicas llevan poco en activo, han logrado consagrar su proyecto logrando una repercusión internacional. Tal es el caso de su sesión con KEXP, lanzada en octubre de 2022 donde tocan canciones de Todo Va Hacia el Mar (2023) como ‘El Incendio‘, ‘La Noche‘ y ‘Próximo Verano‘.

Durante todo 2024 presentarán su disco debut con presentaciones en vivo, comenzando por una gira por Brasil, además de algunas participaciones en festivales de Argentina, Estados Unidos y España, esperando su próxima parada en México.

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Decibel WARP Presenta: Trans Europe Express de Kraftwerk

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Discos de música electrónica: un culto al pasado, presente y futurismo de los decibeles y frecuencias que han transformado el género.

Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, yendo desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, algunos registros rebeles y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel para dar paso a nuevos descubrimientos de los cuales también hablaremos. En la entrega del día de hoy: uno de los discos más grandes de la historia, el ‘Trans Europe Express’ de Kraftwerk.

Trans Europe Express fue publicado originalmente en mayo de 1997 y se grabó en el estudio discográfico de la banda, el ahora mítico y legendario:  Kling Klang, situado en la ciudad de Düsseldorf, Alemania, un entorno que definió en gran parte, el sonido de la banda y para muchos es considerado el santo grial de la música electrónica del siglo XX.

Un romance perfeccionista

Trans Europe Express es una mezcla extraordinaria de sonidos perfeccionistas, que manejan un romance entre la música clásica, la música de conservatorio, la música electrónica y un toque pop encantador refinado que ofrecían los sintetizadores poco explorados de finales de los 70.

El disco es una declaración futurista como muy pocos han logrado en la historia de la música, no solamente definiendo el sonido de las siguientes décadas, si no que, enterrando el pasado para siempre, sobre todo el de la Alemania post segunda Guerra Mundial.

Lo increíble de Kraftwerk siempre fue esa manera para entregar trabajos conceptuales que definen un tema, época o momento en específico de la historia de la humanidad o del interés per se de la banda por algo que les causaba asombro.  

Los instrumentos del futuro

Kraftwerk no sólo prescindió de la estructura del pasado, sino que también eliminó los instrumentos del pasado y presentó de manera internacional los instrumentos del futuro, enfocándose en interesantes nuevos sonidos originales  creados por ellos mismos tanto como sintetizadores y cajas de ritmo, con los aportes de una alineación que marcó época: Wolfgang Flür y Karl Bartos en las percusiones electrónicas, un Florian Schneider en su sintetizador operando el votrax y el vocoder, y el gran Ralf Hütter, hasta ahora único miembro original que forma parte de Kraftwerk en la actualidad, ocupándose también del sintetizador, secuenciador, vocoder, las letras y temática, voz  y siendo el productor total.

Expreso Trans-Europeo

“Europe Endless” abre el disco con un patrón de sintetizador que con el tiempo se convirtió en un clásico de la banda, una secuencia hipnotizante, bella y cálida, transformándose y evolucionando en el inconsciente del universo, que con el paso de los años fue replicada pero jamás igualada gracias a su marca, sello, estilo y viaje sonoro perfecto radial y a la vez infinito.

Mientras que “The Hall of Mirrors” es la contraparte total, una canción que despierta la parte oscura de Kraftwerk, como sacada de un poema de algunos de los libros distópicos más interesantes del siglo pasado, un tema en el que Kraftwerk siempre fue a fondo, y en parte como una carta que colocan sobre la mesa dejando claro que el mundo es, también, esa dualidad, dejando abiertas las puertas para que músicos o artistas mostraran sus repletos, como en este caso, Siouxie And The Banshees, quienes tiene un cover espectacular de esa canción y que es poco conocida y que bien vale la pena descubrir y destapar.

Después de la parte cálida y la parte siniestra llega la parte humorística y sarcástica de Kraftwerk, burlándose de ellos mismos quizás, con esa icónica frase de “We are standing here, exposing ourselves” de la fantástica “Showroom Dummies”, en donde se plantea la historia de los muñecos de boutique que cobran vida y se van de fiesta a bailar a una discoteca, algo que definitivamente no era del estilo de Kraftwerk pero que sucedía e finales de los 70s con la música disco en algunas de las ciudades más grandes del mundo.

El impacto de un sencillo trascendental 

Por supuesto que la parte más icónica del disco y la canción que mayor impacto tuvo para el desarrollo de la historia de la música electrónica fue la gloriosa “Trans Europe Express”, tan gigantesca y poderosa como su sonido propio, un himno a los enormes trenes en los que los jóvenes europeos exploraron su continente viajando en el imponente expreso transeuropeo.

El ritmo evoca el sonido de las ruedas sobre la pista principal, tan antiguo pero funcional como las primeras locomotoras de Richard Trevithick en el siglo XVIII y al mismo tiempo tan futurista como el próximo lanzamiento de Space X de Elon Musk en pleno 2024 o 2030. Así de grande es el legado que abarca y sigue abarcando Kraftwerk.

La letra es en parte un diario que relata el viaje de la banda a manera de contar su encuentro en Alemania con dos de sus artistas favoritos de la época, Iggy Pop y David Bowie y que realmente así sucedió, e incluso la leyenda sigue alimentando ese rumor en que alguna vez Bowie y Kraftwerk platicaron sobre hacer algo juntos o que al menos Bowie puso el tema sobre la mesa, pero que jamás sucedió ni llegó a concretarse a pesar de la admiración mutua.

Influencia cultural 

Y aunque eso no sucedió, “Trans Europe Express” despertó otro movimiento cultural fuera de Europa, pues en 1982 la legendaria Afrika Bambaataa And The The Soulsonic Force revolucionaron la música electrónica y dejaron las bases sentadas del electro y el hip hop con la canción “Planet Rock” que sampleaba los sintetizadores épicos de “Trans Europe Express”, volviéndola quizás, en la apropiación cultural más importante que la cultura afroamericana tomó de los hombres blancos europeos. Y así, posteriormente llegarían el house y el techno, teniendo siempre a Kraftwerk como una inspiración.

Escuela  Académica: de Schubert a Stockhausen

La fusión de “Trans Europe Express” con “Metal on Metal” es brillante, una sección más instrumental que incorpora esta parte de maquinaria perfecta pensada para la ejecución y el arte que tiene el disco para finalmente llegar a su fin con el tema “Franz Schubert”, un homenaje evidente al gran compositor austriaco y padre fundamental del romanticismo musical clásico en el que Kraftwerk siempre sentó sus bases junto con la parte experimental de otro grande maestro, Karlheinz Stockhausen. Su obra maestra termina con un loop en “Endless Endless”, 55 segundos en donde sientes que flotas y que el viaje ha sido reconfortante, que llegaste bien a tu destino.

El legado y la Revolución Electrónica en la cultura Pop

Al día de hoy el legado de Kraftwerk en general está a la altura de los más influyentes y los más grandes y en la misma línea que The Beatles en cuanto a impactar y transformar por completo la cultura pop, lo que The Beatles hizo por el rock, Kraftwerk por la electrónica.

Siempre estuvieron destinados a la grandeza entregando trabajos sofisticados, y dejando siendo pioneros en lo que hoy conocemos como música electrónica, porque su influencia siempre estará ahí, atravesando la new wave, el post punk, el synth pop, el electro, el hip hop, el house, el techno, la IDM y claro, la EDM, un género que genera millones y millones de dólares al año, siendo el género más explotado y el más demandante gracias a festivales como el Tomorrowland, y aunque esa música este a años luz de la sofisticación kraftweriana, los alemanes siguen siendo padrinos involuntarios por donde sea que se le vea.

Sin Kraftwerk todos esos géneros no hubieran sido lo mismo y el trabajo de artistas como Juan Atkins, New Order, Kevin Saunderson, Depeche Mode, OMD, Daniel Miller, Aphex Twin, Derrick May, Daft Punk, The Human League, Pet Shop Boys, LFO, AIR, Orbital, DJ Hell, The Chemical Brothers y sellos como Metroplex, KMS, International DeeJay Gigolo o M-Plant entre muchos otros, probablemente no hubieran tenido un motor de arranque para ellos a su manera también, sumar nuevos sonidos a la cultura de la música electrónica.

Honor a quien honor merece, larga vida al Trans Europe Express de Kraftwerk que permanece en el olimpo musical como una placa inalcanzable.

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Cine y Series

Oscar 2024: Perfect Days y la belleza de lo cotidiano

Perfect Days es la primera película de ficción de Wim Weders en obtener una nominación en los Premios de la Academia.

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Wim Wenders es una leyenda viviente, un cineasta que surgió en la ola del nuevo cine alemán en los años setenta. Y desde entonces a pesar de haber trabajado tanto en Europa como en América, ha logrado mantenerse alejado de la influencia de los grandes estudios. Manteniendo un estilo visual y filosófico. Realizando obras maestras del cine como Der Himmel über Berlin (Las alas del deseo, 1987), Paris, Texas (1984) y In Weiter Ferne, So Nah! (¡Tan lejos, tan cerca!, 1993). 

Las películas de Wenders se han mantenido alejadas de los reflectores de Hollywood, pero en las últimas dos décadas sus documentales Buena Vista Social Club (1999), Pina (2011) y The Salt of the Earth (2014) han recibido el reconocimiento de la Academia. Al recibir la nominación a mejor documental, convirtiéndolas de alguna forma en sus obras más comerciales. 

Es satisfactorio y nos llama la atención que por fin una de sus obras de ficción es reconocida por el Oscar. Convirtiendo a Perfect Days en la primera película no documental del realizador nominada al Óscar. En este caso en la categoría de mejor película internacional, representando a Japón. 

¿De qué trata? 

El filme sigue a Hirayama (Koki Yakusho) un hombre que viaja por la ciudad de Tokio en su auto compacto limpiando baños. El protagonista sigue una férrea rutina que lo lleva por las calles de la ciudad.  

En sus tiempos libres disfruta de la fotografía, la jardinería, un par de restaurantes de los que es cliente y los paseos en bicicleta. Además de tener una amplia colección de libros de segunda mano y cassettes de música. Que incluyen a artistas como The Animals, The Velvet Underground, Patti Smith, Lou Reed y Van Morrison. Pero en general suele llevar una vida solitaria y silenciosa. 

Su rutina de vez en cuando se verá interrumpida por algunos personajes como su indisciplinado compañero de trabajo Takashi (Tokio Emoto) y su sobrina adolescente Niko (Arisa Nakano).

Tradicionalmente América y Europa han sido los lugares en los que Wenders ha explorado sus inquietudes filosóficas, culturales y musicales. Con un estilo Intimista y contemplativo. 

Ahora en Asía, Wenders traslada este estilo de manera perfecta con una película que por momentos parece muda. Hirayama es un hombre reservado y callado. Su compañero de trabajo Takashi en tono de broma en algún momento dirá “he trabajado con él durante años y no conozco su voz”. 

La vida cuasi ermitaña del protagonista es una elección, para extrañeza de sus conocidos. Pero no resulta triste o vacía.

Belleza y reflexión

Después de una serie de cortos documentales que el realizador tenia que realizar sobre los baños públicos de Tokio, Wim Wenders se sintió inspirado para realizar este largometraje. Realizando una des sus mejores filmes de los últimos tiempos. Convirtiendo estás facilidades en un pretexto para mostrar con sencillez la ciudad y hacer una reflexión sobre la soledad, desde un punto de vista optimista. Con momentos conmovedores, comedia incidental y nostalgia.

El actor Koki Yakusho con una gran actuación lleva la historia en la que a veces pareciera que no pasa nada. Pero el cineasta nos muestra aspectos muy interesantes de la vida en Tokio y la naturaleza humana. Como trabajador de la ciudad Hirayama es tratado de diferentes formas por la gente y a veces pareciera que es invisible. Pero sus roses con la gente están llenas de respeto y empatía.

La americanización de Europa durante mucho tiempo fue uno de los temas del cineasta y aquí la vemos llevada a otro rincón del mundo. Aunque Hirayama se resiste en muchos aspectos a la vida moderna, no es indiferente a la cultura norteamericana. Gracias a su colección de cassettes. Escuchando The House of the Rising Sun, Pale Blue Eyes, Redondo Beach y Perfect Days mientras viaja en su auto. 

Otro detalle interesante es la arquitectura y el diseño de los baños públicos en la ciudad. Que contrastan con su tecnología y diseño con los baños públicos tradicionales a los que acude Hirayama en su tiempo libre.

Perfect Days es una muestra más del estilo y maestría de Wim Wenders, que no encuentra cabida para todo el público. Pero es una gran obra llena de belleza, dignidad y reflexión.

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