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IDLES IDLES

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WARPPresenta: Entrevista con IDLES, entre procesos catárticos y liberadores

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Letristras francos, a favor de la reflexión y con exagerada energía en sus puestas en escena, IDLES, no tiene miedo de mostrarse tal como son, y aunque en apariencia son los clásicos chicos británicos rudos, están llenos de amor. Los férreos manifiestos de vulnerabilidad, apertura y rechazo de las normas de Talbot (vocalista), lo convirtieron en un portavoz involuntario, para una nueva generación de fanáticos de la música rock, y alguien cuyos mantras sobre la masculinidad, el dolor y la aceptación de las personas formarían toda su vida.

Canciones de combustión lenta, de electrónica burbujeante escrita sobre un accidente automovilístico casi fatal, suplicas a una madre para que dejara de beber cuando solo tenía 10 años (Talbot), historias de lucha contra las adicciones, ó basicamente sobre cómo asegurarte de ser la última persona en salir una noche para no tener que ir, casa y enfrentar tu realidad. Temáticas tan viscerales como la vida misma, historias tan frustrantes de sucesos que no podemos controlar, donde la vida nos gana, donde no tenemos lugar ni cabida, aguantar burlas, como díría Radiohead, sentirnos como insectos pisoteados contra el piso, pero que aunque no lo queramos, eso nos puede definir ¿somos inocentes o cupables del rumbo de nuestras vidas?

En medio de una euforia compleja de describir, durante la pasada edición del Corona Capital Guadalajara, pudimos desarrollar más que una entrevista sino una charla/relato de cuán importante llega a ser el arte para las personas, en este caso la música. Con gran emoción nos encontramos con los queridos amigos Joe Talbol y Mark Bowen, nos fundimos en un abrazo que hasta el momento su servidor (Salvador) aún recuerdo con mucho cariño, como si fueramos amigos de tiempo atras, como sino importará nada de aquí en adelante. La propulsión que distingue a IDLES no se ausentó ni siquiera en la entrevista.

Foto: Pedro Saavedra | CCGDL

¡Hola Joe, Mark! ¿Cómo están?

Joe Talbot: (en español) “Muy bien. ¿Y tú?”

Muy bien también.

Joe Talbot: “Lo siento, apesto horrible.” 

Jajaja claro que no, hueles muy rico. 

Joe Talbot: “¡No, no! ¡Está horrible! Se me olvidó mi desodorante, así que huelo asqueroso. Les prometo que no estoy mal de salud ni nada, solo soy un hombre apestoso.” 

Idles en Guadalajara, ¡al fin! 

Joe Talbot & Mark Bowen: “¡Sí! ¡Al fin!

Joe Talbot: “Nos sentimos bien, estamos muy emocionados. Es nuestro primer show desde noviembre del año pasado; han pasado cinco meses sin tocar. Y aquí tenemos a la mejor audiencia del mundo, así que estamos muy emocionados y agradecidos. ¡Vamos a romperla!

Sí, creo que la magia de la música es ese poder de lenguaje universal que expresa. ¿Qué significa la música para ustedes y el poder compartirla con tantas personas alrededor del mundo?

Mark Bowen: “Lo es todo. Para mí, siempre ha sido una forma de catarsis. Siempre libero algo al escuchar música, pero especialmente al tocar y compartir mi música. Poder compartir lo que siento, incluso si es solo en ese momento, poder hacer algo así de momentáneo con algo que nosotros mismos creamos, es el mayor placer y privilegio que alguien pudiera tener. ¡Es algo necesario para mí! Y, afortunadamente, lo tengo.” 

Joe Talbot:¡Naciste para hacerlo, Bowen!

Mark Bowen: “Sí, ¿verdad? Gracias, también tú bebé.

¿Podemos platicar un poquito sobre su canción “The Beachland Ballroom”? Es una gran canción, muy inspiradora. 

Joe Talbot: “Bueno, espero no estés demasiado dañado. ¿Estás bien?

¡Sí, sí! Gracias, sí, estoy bien. Muchas gracias. Solo es una canción muy poderosa. 

Joe Talbot: “Bueno, es una canción que llevaba mucho tiempo queriendo escribir. No esa canción en sí, pero la idea de esa canción. Yo crecí con la música soul, y también Bowen creció con ella, es una parte muy importante para la cultura británica e irlandesa, especialmente en las zonas portuarias. Belfast es un puerto enorme, y la ciudad de donde viene mi mamá también es un gran puerto; Newport y Belfast. Con todos los barcos que llegaban a esos puertos, llegó también la música soul americana.

Por ejemplo, el soul del norte llegó con ello, que es una gran parte de la cultura soul en Gran Bretaña y especialmente al norte de Irlanda. Así que creció conmigo desde tiempos de mis padres. Sobre todo, en el norte de Irlanda hay una subversión de la lucha, y una celebración por la lucha y la perseverancia. Sé que mi mamá venía de eso, (a Bowen) probablemente también tus papás. Y nosotros crecimos ahí, y el punk nació de la música soul, y muchas cosas vinieron de la cultura negra americana. Nosotros aprendimos eso en algunos lados de nuestra parte de Europa; sé que es parte de mi ADN. Así que esa canción es como una viñeta o una historia alrededor de esa lucha que viví.

¡Guau! Estoy muy orgulloso de ustedes…

Joe Talbot: “Muchas gracias, muchas gracias, hermano.” 

Crawler en general es una celebración, totalmente…

Joe Talbot: “Sí, es más una celebración que cualquiera otra cosa. Durante ese tiempo, Bowen y yo nos pusimos a trabajar en un álbum de manera remota, lejos de los otros chicos. Nos tocó estar con nuestras familias y crecer como músicos a un ritmo lento, sin giras. Fue durante la cuarentena, la pandemia en todos lados, ya sabes. Y lo que resultó de todo eso fue mucha gratitud. Entendimos lo agradecidos que estamos y lo afortunados que somos de poder hacer lo que hacemos. Así que el álbum fue una celebración de nuestra suerte y de nuestro trabajo duro.”

Foto: Pedro Saavedra | CCGDL

Sus letras son conocidas por ser crudamente honestas y vulnerables, como lo estaban platicando hace un momento. ¿Cómo lidian con toda esta emoción que viene al escribir estas letras y sacarlo todo en ellas?

Joe Talbot:Sí, bueno, la honestidad viene porque tenemos el vehículo para hacerlo. Si uno no tiene música tan bien escrita como la que escriben estos chicos, entonces uno no puede escribir de forma honesta. No se puede escribir brillantemente sin tener música brillante. Es un vehículo que te lleva por el camino, y te empuja en una dirección que te hace sentir algo. Es por esto que la música clásica te hace sentir cosas, incluso sin tener palabras. Así que solo dejo que las canciones escriban el sentimiento por mí.

Entonces ustedes primero escriben la música y después hacen las letras. Okay, ya veo. Bueno, la siguiente pregunta, su música ha resonado con tantos fans alrededor del mundo, han tenido shows que han sido sold out. ¿Cómo conectan con sus audiencias? Ustedes han visitado muchísimos lugares alrededor del mundo y sus audiencias siempre son explosivas y energéticas. ¿Cómo conectan ustedes con su gente? ¿Intentan sentir a las audiencias?

Mark Bowen: “Creo que eso siempre nos ha llegado de manera instintiva. Creo que desde el principio de Idles, incluso cuando las personas que venían a vernos aún no eran fans por ir empezando, y que quizá solo habían escuchado algo sobre la banda y les interesaba vernos, siempre hemos logrado esa conexión emocional entre nosotros y la audiencia que tenemos enfrente. Creo que esa es la esencia importante de los shows de Idles. Siempre hay una sensación de que las cosas están a punto de colapsar, pero lo que hace que eso no suceda es que la gente está dispuesta a que eso no pase. Siempre son muy responsivos. Joe siempre se pone al frente y lo da todo, y canta sus letras brutalmente honestas y se muestra ante las personas tal y como es. Y creo que eso causa mucha confianza en las personas, al menos a mí definitivamente me pasa. Veo que la audiencia siente confianza porque se pueden relacionar y quieren compartir.” 

Sí, justo como sentimos su canción The Beachland Ballroom. Eso es lo que ustedes buscan lograr, ¿cierto?

Joe Talbot & Mark Bowen: “Sí, exacto. Eso es lo importante.” 

Sí, porque eso es lo principal sobre crear música. Representar lo que estás sintiendo y expresar tus emociones y todo eso, ¿cierto?

Mark Bowen: “Sí, y se siente muy bien que eso se refleje de vuelta.

Sí, se siente lindo saber que no estamos solos. 

Joe Talbot: “Comenzamos la banda porque, especialmente en Reino Unido, había mucha música que no tenía mucha pasión, ni amor, ni honestidad. Había muchísimas bandas, muchísimas. Y algunas eran muy buenas, unas de las más grandes de la historia, pero también había muchas bandas malísimas. Eran bandas que se sentían deshonestas y con un ego inflado, digamos. Tocaban mucho por dinero, o para recibir reconocimiento o para ser cool. Yo me quería sentir parte de algo más grande que yo mismo. Quería ir a shows y sentirme parte de algo, de una comunidad, de un movimiento. Y, durante un tiempo, eso no me pasaba. Así que decidí comenzar una banda. Bowen y yo queríamos sentirnos parte de algo más grande que nosotros. Es por eso que estamos aquí. La música es una gran manera de hacer que las personas se sientan conectadas al universo. Es un lenguaje universal que hace a la gente sentirse parte de lo mismo, sin importar en qué lugar del mundo se encuentren.

Muchas gracias, gran respuesta. 

Joe Talbot: “(en español) ¡De nada!

Solo como algo más personal. ¿Recuerdan su show en Ciudad de México, en noviembre? Ustedes tocaron antes de Miley Cyrus en ese show, ¿cómo se sintieron con eso? Su audiencia fue muy diferente, era otro tipo de gente a la que están acostumbrados a ver, me imagino que a algunos les pareció raro verlos a ustedes. Pero, ¿no les importa mucho eso, cierto?

Joe Talbot: “Lo que es irónico es que nos sentimos como una verdadera bola de demolición (wrecking ball, referencia) jajaja.” 

Quizá obtuvieron nuevos fans, ¿no?

Mark Bowen: “Una de mis partes favoritas de tocar en festivales es que a veces tienes a personas que están, especialmente, hasta enfrente que llevan todo el día esperando al headliner y no les importa nadie de los demás. Y puede pasarles que se sorprenden con lo que ven en el escenario, y pueden tal vez no entenderlo. Pero para mí eso es un reto para nosotros: mostrar quiénes somos. Y las personas tal vez puedan verlo como que somos agresivos, o muy violentos, y puede sacarlos de onda. Pero realmente lo que hacemos contiene muchísimo amor, y tenemos que lograr mostrarles eso también. Es como un reto…” 

Joe Talbot: “Me disculpo por haberme portado de la mierda, me porté de la mierda. Fui terrible, me puse realmente loco.

Mark Bowen: “¡Pero nadie está hablando de eso! Todos solo están hablando sobre Miley.

Joe Talbot: “¡Pero sí me porté de la mierda! Estuve loco, muy loco. Hey, ¡estoy siendo honesto!

Muchísimas gracias, chicos. Estamos cumpliendo un sueño con Idles. Mil gracias y mis mejores deseos hoy. 

Foto: Pedro Saavedra | CCGDL

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Decibel WARP Presenta: Talkie Walkie de AIR, la excelencia del dueto francés

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Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel. En la entrega del día de hoy: Talkie Walkie de Air.

‘Talkie Walkie’ sigue vigente como una de las grandes obras del siglo XXI por su calidad y sofisticación, sencillos como “Cherry Blossom Girl” más “Surfin On A Rocket” y composiciones como “Venus” y “Alpha beta Gaga” nos dieron un sonido evolucionado como nunca le habíamos escuchado al dueto francés, al menos hasta ese entonces, consolidándolos ya, como una de las bandas con mayor reputación en la industria.

Lo más cercano a la perfección

Lanzado el 21 de enero del 2004, el tercer álbum de estudio de AIR, definitivamente es un viaje etéreo salido de un sueño cautivante y cálido, que, durante su esencia más pura, va combinando paisajes sonoros atmosféricos acompañados de voces poéticas y sutiles. Una estructura que el dueto ha ido puliendo en cada nuevo disco, volviéndolo un sello inconfundible.

Talkie Walkie es lo más cercano a la perfección de la banda después de ‘Moon Safari’, y puede que le falte la estética moderna de su álbum debut con todo el arte que lo acompañó y la valoración de aquellos sencillos y vídeos, pero lleva su composición al más alto nivel y lo vuelve más compacto, más directo y más organizado.

Terapia sónica

El disco tiene en verdad grandes picos altos, y el tiempo es el mejor calificador, son 20 años ya desde que fue estrenado y sigue siendo descubierto y sigue siendo recalificado y cada vez más su valor va subiendo desde un punto en donde se valora su aporte musical y lo que ha significado en la carrera de la banda.

Es un álbum que provoca sentimientos y a la vez reflexión, es un disco que tal vez está flotando en otro plano existencial y a la vez va creando un estado de calma, y es también un álbum que desprende lo mejor de sus armónicos y a la vez un disco que ofrece una terapia sónica a través de grandes canciones reconfortantes y enigmáticas.

Poesía y descargas eléctricas

Una terapia sónica que empieza con “Venus”, un poema que plantea el encuentro masculino-femenino de dos amantes con una ejecución brillante para abrir paso a quizás una de las mejores canciones en la historia de la banda, la hermosa “Cherry Blossom Girl”, un clásico instantáneo para cualquiera que lo escucha por vez primera y un track icónico en la discografía del dueto.

Por otra parte, las explosivas “Surfing on a Rocket” y “Alpha Beta Gaga” desprenden descargas eléctricas futuristas dinámicas, son atrapantes y divertidas, dejándonos claro que por más serios que son Dunckel y Godin a la hora de componer, siempre dejan espacio para divertirse a su manera.

Universos etéreos 

Talkie Walkie complementa su encanto con más temas destacados como el misticismo de “Run”, la genial “Mike Mills” nombrada en homenaje al director de vídeos y su arte y la mágica “Alone in Kyoto” que fue usada para el soundtrack de Lost In Translation de Sofia Coppola.

Estamos ante un disco que sigue trascendiendo la prueba del tiempo y que sus aportes etéreos, melódicos, experimentales y ambientales, siguen dibujando nuevos universos actuales que abren paso a un nuevo nivel de romanticismo en la historia del pop moderno gracias a un legado compuesto por Air.

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Los cinco estrenos musicales de la semana que debes escuchar

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Para el día jueves de la semana parecía que este fin de semana sería uno bastante apaciguado en estrenos musicales, pero para sorpresa no lo fue. Acá te presentamos cinco de los más llamativos, y hasta uno que podría estar entre los discos del año.

Underdressed at the Symphony de Faye Webster

El nuevo álbum de Webster es sensible, adorable, pero sobretodo radiante, poniendo sobre la mesa una delicadeza, bastante orgánica y natural, a través de líricas honestas y crudas orientadas hacia la emotividad cotidiana y una instrumentalización pulcra, suave y bastante tenue, llegando a sonidos como el folk y hasta esbosos de trip hop.

Where’s My Utopia? de Yard Act

Provenientes de Leeds, y con un estilo que ya los cataloga no como una sorpresa sino como un árbol que ya da frutos dentro del punk, Yard Act presenta su segundo álbum Where’s My Utopia? (2024), un divertido pero ecléctico álbum que se inspira además en el post-punk y el hip hop para brindar una experiencia única. La banda presentará este disco en la Ciudad de México en octubre.

‘Von Dutch’ de Charli XCX

Fungiendo como el primer estrago de su próximo álbum, Brat, la pionera del nuevo pop, Charli XCX, estrenó ‘Von Dutch‘, una fusión exquisita entre pop y electrónica, algo ya clásico en la discografía de la artista. Charli dijo que este nuevo disco será uno para el club, y que nació para hacer música dance, y ‘Von Dutch‘ lo deja muy en claro y bastante fácil.

Satisfire (EP) de Six Sex

Por si no la conoces, Six Sex es una artista que podría considerarse nueva dentro del circuito argentino del neo-perreo; Satisfire (2024), su segundo EP, figura como una propuesta fresca que no se limita solo a ser un rave lleno de colores, sino también un fiel motivo para voltear a ver a la escena argentina emergente, que se están haciendo cosas muy buenas por allá. Atrevido, enérgico y sin pausas, así es este lanzamiento.

BLUE LIPS de ScHoolboy Q

Luego de cinco años desde su predecesor directo, el enigmático pero cautivador ScHoolboy Q está de estreno con BLUE LIPS (2024), un álbum más ligero (por momentos) de lo que ya estábamos acostumbrados. En este LP, Q se toma el tiempo de abordar una perspectiva más retrospectiva del artista a través de una simbiosis entre las potentes bases y su poderosa voz.

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Querido WARP: Agsulo, renacimiento y autoexploración

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Fotografías de Design Office Diary

Te presentamos una sección muy íntima y personal en la que los artistas abren su corazón y sus ideas para escribirnos una carta en torno a sus proyectos más recientes. En esta ocasión, toca el turno de Agsulo.

Apenas arranca el 2024 y me cuesta creer que hace un año lancé mi primer sencillo de Drill
“ME ENTIENDES?”. Nunca imaginé la velocidad con la que mi vida cambiaría a partir de ese momento. Después de atravesar un proceso personal similar al que todos pasamos por lo menos alguna vez en nuestra vida, un proceso, que además de ser doloroso, te hace sentir perdido respecto de quién eres y de cuál es tu propósito en la vida, el haberme convertido en la persona que soy hoy, ha sido consecuencia de aceptarme y quererme tal y como soy, y de
aprender a vivir en el presente bajo el enfoque de Eckhart Tolle.


Mi interés por el autoconocimiento me ayudó a reconocer el artista sombra que vivió mucho
tiempo dentro de mí, y en consecuencia, a desbloquearme en términos creativos. Este proceso consiste principalmente en tomar acción y responsabilidad de tus pasiones, de tus sueños más locos; pero -sobre todo- de ponerle atención a tu niño interior.

Todo esto lo tomé del libro “El Camino del Artista” de Julia Cameron, que me inspiró y me dio la seguridad que necesitaba para tomar el control de mi camino creativo.


Tras unos meses de mi último sencillo de Trap “Lo’ Mein”, junto con el lanzamiento de mi primer video musical, paralelamente me convertí en una interesante propuesta para la escena
de la música electrónica, pues además de egresar como abogada de la Escuela Libre de Derecho, en el 2019 comencé a mezclar música como DJ por mi interés en la producción y
composición musical, lo que al día de hoy me llevó a presentarme en los mejores clubes de la
Ciudad de México, destacándome por mezclar géneros que van desde el Minimal House/Acid
House, junto con sonidos frescos y vocales mínimas, hasta ritmos progresivos con bastante
percusión y seducción, como el Progressive House y Techno.

La diversidad musical con la que he trabajado en mis proyectos musicales, me ha permitido colaborar con distintos artistas y music labels. Este año formaré parte del lineup del festival más grande de Latinoamérica y de verdad que es un sueño hecho realidad.


Todo esto logró consolidarme como artista emergente escuchada en más de 65 países alrededor del mundo tras apenas un año de haber debutado en la industria musical, y no podría estar más agradecida.

Para mí, este año se trata de experimentar y de expandirse, de no tener miedo al qué pasará sino simplemente hacer las cosas que me mantengan conectada a mi creatividad y a las formas de expresión, pero, sobre todo, el 2024 es un año para comprometernos con nuestro verdadero ser, de sernos fieles a nosotros mismos.

Si nadie nos preguntó si queríamos vivir, ahora que estamos aquí hay que verdaderamente vivir a nuestra manera. Cuando menos te lo esperas, tienes a lo que más querías enfrente de ti y sólo está en ti aceptar el reto de ser genuinamente tú.


Este año empecé a trabajar en nueva música, con nuevas personas, con diferentes perspectivas, con nuevos sonidos. Me emociona compartir que se aproximan nuevos releases
en colaboración con grandes amigos artistas, personas que también comparten mi pasión y visión, por lo que rodearse de personas de las que puedas aprender y además intercambiar
ideas, resulta fundamental en tu camino como artista.


Al principio es difícil aceptar y reconocer nuestra verdadera capacidad para lograr nuestros
sueños, también es difícil aceptar y reconocer nuestro talento. A principios del 2023, no creía
que mi determinación y disciplina me llevarían a revelar mi verdadero propósito en esta vida: crear.

Este es una carta también para ti lector/a, para que no cuestiones tu creatividad
independientemente de tu profesión “no creativa”. Al final del día me atrevería decir que la
actitud y el empeño, es lo que hace a un artista. Es indiscutible que todos tenemos un lado
creativo y esta es una invitación a que lo explores.


Gracias WARP por darme la oportunidad de seguir expandiéndome como artista y de
regalarme este momento para reflexionar sobre los resultados de creer en uno mismo, aunque
a veces de miedo.

No pierdas de vista a Agsulo y síguela en todos sus canales:

Instagram: @agsulo
Spotify: AGSULO
SoundCloud: Agsulo
YouTube: www.youtube.com/@agsulo

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