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Entrevistas

WARPPresenta: Entrevista con Neil Halstead de Slowdive, reverberaciones de la adolescencia

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Recuerdo la primera vez que escuché ‘When The Sun Hits’, pieza central de Souvlaki (1993), álbum bandera de Slowdive y de la historia del Shoegaze como género musical. Estaba acostado en el auto de mi padre, sumiéndome lentamente en el reino de Morfeo durante un extenso viaje a través de paisajes naturales.

Al igual que el camino, que se repetía incansablemente, la canción mantiene una instrumentación cíclica y ricamente texturizada, capaz de arrebatarte hacia un estado de hipnótica contemplación. Esa trance se rompe cuando emerge el primer puente, momento en el cual sus reverberaciones golpearon mi cabeza, justo cuando el Sol tocó mi rostro, y Neil Halstead empezó a gritar que estar cerca de su ex-amante se siente como estar cerca de aquella bola de gas voladora que quema, quema con su belleza.

“Queríamos hacer discos que resplandecieran cuando los reprodujeras muy fuerte”, me señaló el mismo Neil a través de una videollamada vía ZOOM, relajándose en su hogar británico, con gritos de algunos niños, jugando a la distancia.

“Para nosotros, siempre se ha tratado de querer sentir la música, tanto como escucharla. La vibración es importante”.

Fue debido a ese impacto físico, cuando las reverberaciones irrumpieron, que este momento se convirtió en uno de los más impactantes que he experimentado en mi relación con la música. Yo tenía alrededor de 14 años y acababa de descargar el álbum, impulsado por el incesante reconocimiento en todas las páginas de la Internet que lo situaban entre los 10 mejores trabajos de la década de los años 90.

Las razones de tal aclamación son evidentes cuando te sumerges en un álbum de Slowdive, puesto que la banda no es meramente una agrupación musical, es la personificación de un sonido y una estética que fueron únicos en su momento, pero que ahora han ejercido un impacto innegable en prácticamente toda la música producida desde los años 2000. Desde la génesis del dreampop, género del cual son progenitores, hasta las generaciones más recientes de cantautoras que transitan por los dominios del folk y el rock alternativo, todo carga con marcas del impacto de ‘When The Sun Hits’.

Con su mezcla de reverberaciones y susurros, Slowdive creó música perfecta para perderte en tus pensamientos. Sus polares, entre bases frías y cálidos arreglos instrumentales, son como un abrazo en la penumbra que te tranquiliza en los momentos más melancólicos. Eso, adornado por una imagen de chicos ordinarios, adolescentes tímidos con una hermosa aura propia de los cuento de hadas, les ha conferido el estatus de íconos tanto para la juventud sensibilizada como para aquellos incomprendidos.

“Hay una dualidad en todo, se trata de oscuridad y luz, ¿verdad? Y esos pequeños espacios que encontramos entre ellos, esos espacios son los que nos hacen felices”, me declaró Neil. “Creo que la vida generalmente se trata de encontrar esos pequeños momentos”.

El hecho de que en la segunda mitad de los años 2000 un adolescente mexicano experimentara uno de esos “pequeños momentos” mientras escuchaba su álbum, habría sido considerado un sueño inalcanzable para los integrantes de Slowdive cuando atravesaron su ruptura en 1995. En aquel entonces, fueron víctimas de la indiferencia constante y los despiadados vapuleos de la prensa especializada, que llegaron incluso a llenarlos de descalificativos ridículos y a calificarlos como “la peor banda de Gran Bretaña”, cuando en realidad estaban considerablemente adelantados a su tiempo.

Así lo han relatado en innumerables ocasiones. Cuando Creation Records rescindió su contrato debido al lanzamiento “suicida” del experimental Pygmalion (1995), y en su última presentación en los años 90, el único espectador ante el escenario era el conserje del lugar, esperando pacientemente a que concluyeran. Era innegable en ese momento que Slowdive no podía sostenerse como una opción de vida para sus integrantes y que, al igual que el resto del movimiento Shoegaze, estaban destinados a desvanecer en el olvido.

No obstante, los acontecimientos no siguieron esa ruta a largo plazo. Dos décadas de ausencia y la llegada de la Internet hicieron que la agrupación se transformara en un proyecto de culto, acumulando millones de reproducciones y ganando un grupo de seguidores cada vez más fiel. Gracias a plataformas como Nu o AlbumOfTheYear, Slowdive fue redescubierto y resurgió como una de las bandas más aclamadas de su generación. Fue en ese momento, cuando Primavera Sound les suplicó que se reunieran como el acto principal de su edición del 2014, que los miembros de Slowdive comprendieron la magnitud del impacto que estaban generando en el mundo.

“Para nosotros, como banda, el hecho de que podamos venir a Sudamérica y tocar shows o ir a Australia y tocar allá es la parte realmente emocionante en este momento porque nunca tuvimos la oportunidad de hacerlo, ni siquiera nos habíamos presentado en un festival antes de reunirnos”, me dice Neil, agregando que no le importa mucho que sus álbumes ahora sean catalogados constantemente en listas de los mejores de la historia. “No hay duda de que la banda ha sido revaluada, creo que los tres álbumes que lanzamos nunca tuvieron buenas críticas, así que supongo que esto equilibra las cosas”.

Es ante esta historia de años de trabajo, seguida por muchos más de pérdida y espera, que Neil tiene claro que el peor error que puedes cometer es dar las cosas por sentado. “La verdad más simple es que vamos a morir y tienes que aprovechar al máximo, lo más que puedas… No estarás aquí por mucho tiempo”.

Hoy afirma que “poder hacer esto ahora y tocar para una audiencia de muchos jóvenes, pero también personas de nuestra edad que habrían estado interesados en la banda en ese momento y que nunca tuvieron la oportunidad de conocernos, es genial y creo que es lo que nos hace felices”, aclara, sin olvidar agregar que “lo que todavía nos entusiasma más es hacer música nueva, la oportunidad de hacer nuevos discos que nos hagan sentir orgullosos es importante, sin duda”.

Hoy está de estreno con su segundo álbum tras su reunión, su quinto álbum de estudio al hilo que terminó siendo una exploración excepcional del sonido everything is alive (2023), un material que, extrañamente, regresa a las raíces sonoras de aquel “suicidio comercial” llamado Pygmalion (1995) cuya experimentación con electrónicos ambient terminó por colmar la paciencia de su disquera y acrecentó el desentendimiento del público y la crítica con el genio de su música.

“Ciertamente este último álbum comenzó su vida en ese mundo, siempre me ha gustado la música electrónica, me gustan los ruidos complejos, el ambiente, me pierdo en el lado de la producción“, señaló, agregando que los sonidos están inspirados en lo que sintió la banda durante la época del COVID. “Un ruido muy inmersivo, lo interesante es el viaje para ver en dónde terminó”.

El encuentro entre el folk y la música ambiental

¡Hola Neil! ¿Cómo estás?

Hola Oscar, estoy bien, gracias. ¿Te importa si no enciendo mi cámara?

No, no importa. Puedes quedarte así si quieres.

Sí, si quieres apagar la tuya, no te preocupes, es tu elección.

Sí, tal vez prefiero ver una pantalla negra en lugar de mi cara.

Ahí tienes. ¿No es mucho más cómodo?

Depende de las circunstancias, supongo.

Sí. Bueno, gracias por hacer la entrevista.

No, gracias a ti por hablar conmigo. Tengo muchas preguntas sobre el proceso detrás de este álbum y sobre Slowdive en general. Así que sí, quiero decirte que he estado bastante interesado en el shoegaze y especialmente en tus álbumes porque siento que uno de los objetivos de este tipo de música es encapsular al oyente en sonido.

Sí, creo que desde el principio, cuando hicimos nuestros primeros discos e incluso cuando empezamos a tocar en vivo, esa era una gran parte de lo que queríamos hacer, crear este ruido muy inmersivo, y creo que eso sigue siendo importante para nosotros.

Tengo una cita de un tipo llamado David Toop, que es un musicólogo que estudió con John Cage en los años 40. Bueno, él dice que la razón por la cual cree que existe la música es porque había intercambios prosódicos entre una madre y su bebé, intercambios con los cuales se comunican entre entre ellos. Entonces, de alguna manera, dice que la música, comunicarse con este tipos de sonidos que no son palabras, es una forma de buscar una conexión con nuestra madre.

Tal vez tenga razón. Tal vez estemos buscando madres en la música. Sí. Quiero decir, creo que la música cumple tantas funciones para las personas, ¿verdad? Puede ser reconfortante.

Puede crear tantas emociones diferentes con la música, puedes bailar con ella y todo. Pero sí, creo que para nosotros siempre se ha tratado de querer sentir la música, tanto como escucharla, ¿sabes? Esa vibración es importante.

E incluso cuando hicimos los discos, sabes, en los primeros días, nunca hicimos canciones que pensáramos que sonarían bien en la radio. Queríamos hacer discos que sonaran bien cuando los reproducías muy fuerte. Y es una forma diferente de mezclar un disco, ¿sabes? Así que creo que esa parte es importante para nosotros, seguro.

Es interesante hablar sobre esta teoría con el músico shoegaze porque, bueno, ¿estás encapsulado por el sonido, verdad? Cuando estás en el vientre de tu madre, por así decirlo.

Sí, es verdad. Sí, sí. Y estás escuchando.

Sí.

Iba a decir que tal vez sí. Tal vez todos los músicos Shoegaze solo quieren estar de vuelta en el útero.

Sí, es como estar en una piscina.

En efecto.

¿Qué sientes cuando creas estas texturas, estos niveles de sonidos en tu música? He estado viendo videos de YouTube y documentales sobre ti. Y cuando la gente habla de tu música, siempre ponen como colores. Fondos rosados o agua. Quiero saber, ¿cuál es tu apreciación? ¿Qué ves en tu música cuando cierras los ojos?

Um, no lo sé, realmente no pienso en mi música en términos de colores, creo. Sí, quiero decir, supongo que, como paso tanto tiempo en estudios, tiendo a pensarlo en términos de ruido blanco o rosa. Así que supongo que ese elemento lo puedo entender.

Pero sí, supongo que es un poco diferente cuando eres tú quien hizo la música porque definitivamente respondo a la música de otras personas con colores, pero no siento eso con Slowdive. Tal vez estoy demasiado cerca de ella.

Sí, tal vez sea como tratar de verte a ti mismo, ¿verdad?

Sí, eso es profundo. Tal vez. Quiero decir, hay un elemento de eso. Y creo que también cuando haces un disco… Ciertamente no paso mucho tiempo escuchando el disco una vez que está hecho, ya sabes, una vez que se ha convertido en un vinilo. 

Lo escucharé para comprobar que suena bien. Y probablemente no volveré a escuchar ese disco durante, ya sabes, muchos años. Pero creo que eso simplemente es parte del proceso creativo. Creo que tienes que estar bien listo para pasar a algo distinto.

Y también, para mí, realmente no escucho mucha música de otras personas cuando estoy grabando un disco. Lo encuentro como un distractor en mi proceso. Pero luego, tan pronto como terminó de trabajar en el álbum, eso es todo lo que quiero hacer… consumir la música de otras personas.

Sí, entiendo. Bueno, has trabajado mucho en este álbum, así que no debes haber escuchado mucha música en estos años, ¿verdad?

Sí, este disco ha tardado cuatro años. Sí, unos meses más o menos de cuatro años, supongo. Así que sí, eso es lo que tardó con este.

Y sí, supongo que realmente no he estado escuchando mucha música durante todo este proceso. Como compositor te vuelves muy absorbido en tus propios proyectos, ¿sabes? Y no estoy seguro de que eso sea particularmente saludable, pero así es como personalmente tengo que trabajar.

Y creo que hubo un momento en que la banda dijo, mira, necesitamos llamar a alguien más para que mezcle el disco. Y creo que realmente solo querían que dejara de toquetearlo, ¿sabes?

¿Ah, sí? ¿Por qué crees que trabajaste tan duro en este en particular?

Bueno, lo hago con todos los discos, para ser honesto. Quiero decir, he estado trabajando en esto durante mucho tiempo.

Incluso el último tomó unos años de principio a fin. Simplemente así es como me gusta hacerlo. Y creo que todos los demás en la banda pueden entrar y salir, lo que es saludable porque significa que hay, ya sabes, mucha gente en la banda que realmente está involucrada.

Todos los demás en la banda pueden entrar y salir, lo que es muy saludable porque significa que siempre hay nuevas perspectivas cuando toman un poco de distancia de él. Eso es algo muy bueno. 

Bueno, dices que cuando haces un disco, tiendes a no escucharlo durante bastante tiempo, ¿verdad? Entonces, quiero saber, ¿has escuchado tus primeros discos recientemente?

No, no he escuchado ninguno de esos discos en años. Creo que cuando nos volvimos a juntar en 2014, todos tuvimos que escuchar los álbumes antiguos para recordar cómo los tocábamos. Pero sí, personalmente no tengo realmente ningún deseo de hacerlo.

Quiero decir, supongo que todo sigue siendo muy familiar para mí. Si escucho algo en la lista de reproducción de alguien o aparece en cualquier lugar, obviamente me resulta instantáneamente familiar. Sí, no creo que eso sea algo inusual para la mayoría de los músicos, supongo.

¿Qué sentiste cuando escuchaste tus primeros álbumes?

Creo que es bastante difícil para mí no escucharlos de manera bastante crítica, ya sabes, en términos de cómo suenan o cosas así. Todavía habrá cosas que diré -oh, ojalá no hubieramos hecho eso o desearía que no hubiéramos decidido esto-.  

Todavía tiendo a escucharlos como trabajo en lugar de simplemente escucharlos como música. Tiendo a escucharlos como un proyecto en curso, lo que probablemente está mal, ya sabes.

Sí, probablemente es por eso que no te gusta escucharlos.

Sí, tienes razón.

Porque no puedes disfrutar algo cuando lo escuchas de esa manera, supongo.

Sí.

Bueno, vi el documental que Pitchfork hizo sobre Souvlaki para prepararme para esta entrevista. Y una de las cosas que me llamaron la atención es que dijiste que conectabas con los adolescentes porque hacías música cuando eras un adolescente, ¿verdad? Transmitías sentimientos que son importantes para esa época de la vida.

Ahora que regresaron con el álbum homónimo, creo que todavía transmites ese tipo de sentimientos, esas emociones, y aún conectas con adolescentes de todo el mundo. Diría que ahora estás conectando con los adolescentes más que nunca. Quiero saber, ¿cómo lograste seguir transmitiendo estos sentimientos ahora que eres un adulto?

Realmente no lo sé. No estoy seguro de la razón. Sabes, creo que mucho de lo que hacemos simplemente tiene cierta sensación. Pero no creo que realmente sepamos por qué sucede.

Con este nuevo disco, el lugar donde comenzó fue muy… Básicamente, les envié a la banda como 40 bocetos que hice en los últimos años que eran solo música electrónica que estaba haciendo para mí mismo. Y cuando hablamos de hacer otro disco, pensé que podría ser un lugar interesante para comenzar el disco si comenzábamos desde algunas de estas ideas electrónicas que eran instrumentales.

Y es interesante para mí que, ya sabes, una vez que todos comenzamos a trabajar en ellas como una banda, se convierten naturalmmente en el sonido de Slowdive, simplemente parece ser donde nos fusionamos como banda. Ya sabes, ese cruce de caminos, esa intersección donde nos sentamos como banda, donde todas nuestras diferentes influencias musicales se unen esa posición de Slowdive.

Pero ciertamente, realmente no entiendo de dónde viene esa sensación. Perdóname.

No te preocupes. Es interesante porque, bueno, también amo a Mojave 3, creo que es un gran proyecto. Pero de alguna manera, tengo esta sensación de que sí, lleva algunas sensibilidades que tenía Slowdive, pero no suena como Slowdive.

Sí. Bueno, no es Slowdive, ¿verdad?

Así es.

¿Sabes?, Rachel y yo estamos involucrados, pero no es, ya sabes, Slowdive es la suma de sus partes. Aunque yo escriba las canciones, si las grabara yo solo, no tendrían el mismo tipo de sensibilidad.

Una de las cosas de las que también hablé con Rachel es esta idea de que Pygmalion también era un álbum electrónico, y aún así suena como Slowdive. Fue un proyecto en el que trabajaste la mayor parte, ¿verdad? sin la participación de los demás miembros.

Sí, un poco. No sé, supongo que forcé un poco ese disco a todos los demás. Fue un proyecto en el que estaba realmente interesado, y creo que el resto de la banda estaba menos interesado en él, ya sabes. Y creo que probablemente tomó su peaje en la banda un poco.

No sé. Creo que esa fue una de las grandes razones por las que nos separamos, no solo el hecho de que nos habían despedido de Creation Records. Pero creo que todos se sintieron un poco marginados por ese disco.

Creo que es un disco interesante porque, bueno, la combinación de este sonido de guitarra con estas influencias de música de baile inteligente es algo que, bueno, ahora es muy popular. Pero en 1995, el año en que salió Pygmalion…

Sí, fue difícil, ya sabes, incluso el término post-rock no había sido inventado en ese entonces. La gente simplemente no sabía qué hacer con él, realmente. Creation estaba como, bueno, ¿qué demonios es este disco? Y no sabían qué hacer con él.

Sí, creo que, ya sabes, creo que te dije que tal vez si se hubiera lanzado en Warp o en un sello más electrónico, tal vez se hubiera examinado de manera diferente. El hecho de que salió en Creation hizo que la gente estuviera un poco confundida por él.

Todavía me gusta mucho el disco. Pero creo que no sería algo que haría ahora porque respeto a Slowdive como una entidad mucho más de lo que quizás hice cuando tenía 20 años.

Probablemente debería haberlo hecho como artista en solitario y dejar que Slowdive fuera Slowdive. Sin embargo, en ese momento, esa era la música que quería hacer, y creo que eso todavía es un poco un problema. En ese momento, esa era la música que quería hacer.

En ese momento, sentía que debería ser un disco de Slowdive, pero tal vez no era lo correcto, ¿sabes?

No sé. Realmente me gusta ese disco y sé que ahora es un favorito de los fans. No tiene el mismo prestigio que Souvlaki, pero está cerca de ese nivel de aclamación.

Sí, a la gente le gusta mucho ese álbum.

Y es interesante ahora que me dices esto, porque, bueno, tu disco en solitario, las cosas que hiciste en Mojave 3 y durante todo ese viejo proyecto, no experimentaste con la música electrónica. Pero ahora, en este nuevo álbum de Slowdive, vuelves a las raíces de Pygmalion de alguna manera, por lo que siento.

Sí, quiero decir, después de Pygmalión, creo que había estado tan absorto en ese tipo de música ambiental muy fría durante tantos años. Y todo lo que quería hacer después de la separación de Slowdive era aprender a escribir, ya sabes, una canción folk, ya sabes, aprender a tocar la guitarra acústica.

Estaba en un lugar donde ni siquiera podía tocar las canciones en una guitarra acústica. Entonces, para mí, ese fue el siguiente experimento: descubrir cómo escribir una canción que pudieras tocar solo en una guitarra y eso fue lo interesante, lo que me interesó en ese momento.

Pero, quiero decir, siempre me ha gustado la música electrónica y siempre la he escuchado. Pero definitivamente me tomé unos años de descanso en ese momento, creo, solo para reiniciar, ya sabes. Pero sí, ciertamente este último álbum comenzó su vida en ese mundo. Y es realmente interesante para mí, el viaje para ver en dónde terminó.

Bueno, el título es bastante impresionante, creo que Everything Is Alive es una buena declaración. Quiero saber ¿qué te dice personalmente?

Queríamos un título que fuera optimista y esperanzador. Y sí, parece que se ajusta al álbum de alguna manera. Hay muchas emociones diferentes en el disco.

Creo que es, ya sabes, obviamente hay un lado pop bastante claro en el disco y también hay material más oscuro.

El origen del disco salió de vivir la época del COVID, que obviamente fue un momento oscuro para, ya sabes, para todos en todo el mundo. Ha sido un viaje tan loco para todos, Simon perdió a su padre, Rachel perdió a su madre.

Oh, lo siento mucho.

Sí. Creo que grabar el disco fue parte de la forma en que lidiaron con su dolor un poco, así que creo que queríamos algo que reflejara un poco más de la esperanza que se sintió al salir de aquella etapa.

Se sentía como, ya sabes, no creo que nosotros, ciertamente no tomamos el disco en ninguna dirección en particular a consciencia. Pero creo que habiendo llegado al punto, el punto final en el que teníamos todas estas canciones que hacen que el disco sea bastante bueno y sentí que volvía al título de nuevo, se sentía que había un título bastante bueno para lo que teníamos.

Sí, lo entiendo. Es como el polo opuesto de lo que estabas viviendo en ese momento.

Sí, supongo. Sí. Para decirlo de manera más resumida, sí, tienes razón. Sí.

Y también es como una declaración que es como, bueno, es importante tener como el recuerd de que Todo Está Vivo, de que todo puede ser hermoso.

Sí, quiero decir, es, ya sabes, no estamos diciendo que todo tiene que ser feliz, bla, bla, bla. Pero sí, hay una dualidad en todo, ya sabes, y se trata de oscuridad y luz, ¿verdad? Y los pequeños espacios que encontramos entre ellos, eso es lo que nos hace felices.

Creo que la vida generalmente se trata de encontrar esos pequeños momentos, ya sabes, y la cosa con todo lo del COVID, y todo lo que la gente pasó, supongo, es que realmente le ha dado a todos una nueva perspectiva que tal vez como población mundial no teníamos antes, y ha cambiado la forma en que las personas viven sus vidas.

¿Conoces esta frase en latin que dice -amor fati, memento mori-? La traducción sería algo como -recuerda que vas a morir, ama tu destino-.

Sí, supongo que esa es probablemente la verdad más simple. Aprovecha al máximo, haz lo más que puedas porque todos vamos a morir, ¿verdad? No estarás aquí por mucho tiempo.

Sí, a mí también me gusta, mucho. Aporta perspectiva a la vida, creo, de alguna manera, me gusta no tomar las cosas por sentado.

Sí, creo que ese es siempre el mayor error que puedes cometer.

¿Cómo haces para no dar las cosas por sentadas?

Bueno, espero no sonar demasiado hippie, pero creo que debes estar agradecido por, ya sabes, las oportunidades que tienes.

Creo que hemos tenido mucha suerte como banda, ya sabes, tener un segundo bocado de cereza, por así decirlo, ya sabes, poder volver a estar juntos y hacer discos 20 años después de que nos separaramos.

Supongo que hemos tratado de no dar eso por sentado, realmente, ya sabes, de aprovechar la oportunidad para hacer discos de los que podamos estar tan orgullosos.

Fue una gran sorpresa para ti, ¿el recibimiento que tienes cuando se reunieron por primera vez?

Sí, fue una gran sorpresa. No nos habíamos dado cuenta de cuánto la Internet había difundido nuestra música en el mundo, ¿sabes?

Cosas como las películas de Gregor Aki, Nowhere y Mystery Skin y, ya sabes, creo que en ese lapso de 20 años en los cuales no estábamos haciendo música, fuimos bendecidos por la Internet. Supongo que de repente entramos en una era en la cual la gente podía investigar sobre música y el hecho de que antes no habíamos tenido un éxito particular, que la gente no estaba familiarizada con nosotros supongo que fue genial porque nos descubrieron.

Si eres un niño pequeño y tienes esta increíble herramienta en la cual puedes encontrar tanta música genial como tiempo que tengas para escucharla, creo que eventualmente gravitarás hacia música menos familiar.

Así que, creo que tuvimos suerte en ese sentido. Pero, sí, no fue realmente hasta que comenzamos a hacer algunos conciertos cuando nos dimos cuenta de que esto era muy extraño porque estábamos tocando para más gente que nunca cuando hicimos esos primeros tres discos.

Lo entiendo. Le estaba diciendo a Rachel que Slowdive era particularmente importante en mi adolescencia porque era como la mayor influencia de esta escena musical en la cual estaba involucrado en la Ciudad de México.

Oh, cierto. Wow. Vaya.

Sí, aquí había como un montón de bandas de shoegaze. Todavía algunas están aquí. Es una escena que realmente ama a Slowdive. La estética, el sonido, todo lo que hacen deriva de Slowdive. Muchas bandas. Sí.

Yeah.

Muy popular.

¿Cuántos años tienes, si no te importa que pregunte?

Tengo 27 años. Sí, esto es de cuando tenía como 17 o 18 años.

Sí, claro. Sí, quiero decir, es así… Sí, estoy bastante seguro de que, sin Internet, Slowdive nunca habría tenido, ya sabes, ningún tipo de resurrección. Definitivamente tuvimos un poco de suerte.

Estuve tratando de recordar nombres de bandas que tuvieran un gran regreso después de que fueron ignoradas por el mainstream. Y solo tengo otros dos nombres, The Velvet Underground y PIXIES. Creo que es una buena compañía con la cual estar.

Quiero decir, es una compañía brillante para estar, pero no sé si somos tan buenos como ellos, pero quiero decir, definitivamente es algo raro, ya sabes. Los Velvet tuvieron 40 años cuando se reunieron.

Quiero decir, nunca nos pondría en esa compañía, para ser honesto. Eso también es así… Sí, quiero decir, ya sabes, creo que The Velvet Underground fueron genuinamente una revolución. No estamos en ese nivel, pero creo que tenemos, ya sabes, lo que sea, pero definitivamente hay una cierta cantidad de suerte involucrada con nuestra historia, ya sabes, seguro.

¿Has leído como las nuevas reseñas de Souvlaki, o has visto ese álbum en quizás los nuevos tops de los mejores álbumes de la historia o de los años 90, has leído lo que sea que la gente ha estado escribiendo sobre ese disco desde hace 10 años?

Realmente no sigo mucho ese tipo de cosas. Quiero decir, de vez en cuando me envían algo como, ya sabes, alguien me envió una compilación de los mejores álbumes de Dream Pop según Pitchfork. Pero creo que era un disco de Mojave 3 el que estaba ahí enlistado, lo que me sorprendió.

Pero, sí, quiero decir, ya sabes, no hay duda de que la banda ha sido reevaluada y ciertamente damos la bienvenida a una buena reseña porque no pudimos comprar una buena reseña cuando éramos jóvenes. Creo que los tres álbumes que lanzamos nunca tuvieron buenas críticas que yo recuerde. Así que supongo que esto equilibra las cosas un poco.

Sí, es muy interesante. Sé que la prensa te golpeó mucho y te castigó. Y ahora que, bueno, casi todas las listas que he leído sobre los mejores álbumes de los 90 tienen un par de álbumes de Slowdive y tus álbumes siempre están en el top 10 de los mejores lanzamientos de shoegaze de la historia…

Sí, creo que para nosotros como banda, el hecho de que podamos venir a Sudamérica y tocar en shows o ir a Australia y tocar en shows es la parte realmente emocionante para nosotros en este momento, ya sabes, porque nunca tuvimos la oportunidad de hacer eso.

¿Sabes?, nunca tocamos en un festival. Hicimos un par de giras en Estados Unidos, algunas pocas giras en Europa, pero en realidad nunca fuimos a Japón, o nunca fuimos a muchos lugares, no había una especie de llamada para ello.

Así que creo que, ya sabes, poder hacer esto ahora y tocar para una audiencia de muchos jóvenes, pero también personas de nuestra edad que habrían estado interesados en la banda en ese momento y supongo que nunca tuvieron la oportunidad de vernos entonces, es genial y creo que es lo que nos hace felices.

Creo que todavía nos entusiasma hacer música nueva, ya sabes, y creo que eso es algo menos que pensar. Los viejos discos y cosas por el estilo, son brillantes para tocar en vivo, pero para nosotros, la oportunidad de poder hacer nuevos discos es una parte realmente grande, importante sin duda.

Eso es genial. ¿Y qué es lo que más aprendiste al hacer este disco?

Aprendí mucho sobre todos en la banda en términos de dónde están sus cabezas musicalmente. ¿Sabes?, estamos bastante polarizados como banda, algo de lo que realmente no me había dado cuenta antes.

Cuando envié por primera vez las ideas con este tipo de bocetos electrónicos, Nick dijo: oh, bueno, estos serían geniales, podemos usarlos entre las canciones, como una especie de pequeños interludios. Entonces Simon dijo, – oh, esto es genial, ni siquiera tenemos que hacer mucho, solo podemos hacerlos un poco más ambientales, y tenemos un disco completo-.

Tuvimos que navegar entre esos puntos de vista polarizados y hacer un disco del que todos estén orgullosos. Fue interesante, sentí que estábamos más polarizados haciendo este disco de lo que hemos estado antes, pero en el buen sentido. Sin duda fue un viaje interesante el llegar a un punto en el cual a todos les gustara la música.

Bueno, hablando de todos los géneros que amas y con los que has trabajado, quiero saber qué es lo que más te gusta de la música ambiental y qué es lo que más te gusta de la música folk.

Creo que hacen cosquillas en distintos puntos de tu cerebro de alguna manera, ya sabes. Para mí, como músico, me gustan los ruidos divertidos, el ambiente, ya sabes, me pierdo en el lado de la producción, mientras que la música folk para mí suele ser mucho más sobre la emoción, las letras.

El story-telling.

Sí, eso creo. Quiero decir, creo que la música ambiental cuenta una historia, pero no es lineal, ya sabes, y supongo que la mayoría de las composiciones son bastante lineales.

Hay algo como escuchar un disco de Bojana o un disco de Leonard Cohen en el que solo se trata de la voz y la guitarra y no hay dónde esconderse, es muy directo y creo que habla a una parte diferente de los corazones de las personas.

Eso es interesante, porque ayer leí un comentario de una persona que dice que le encanta el enfoque de Slowdive en las letras porque la mayoría de las bandas de shoegaze se centran en los sonidos, pero que siente que Slowdive también ofrece una historia, que no solo estás haciendo sonidos con la boca solo para cantar algo. Y estoy de acuerdo con eso.

Creo que llegamos a ese punto simplemente haciendo sonidos. Sabes, en cierto sentido, como sé que como compositor hay una canción en el disco, ‘Andalusia Plays’, que proviene de una canción que escribí.

Pero, por lo general, con el Slowdive, lo primero son los sonidos de las cosas. Y creo que eso es lo que estoy tratando de decir. Ya sabes, por ejemplo, una canción como ‘Kisses’, durante mucho tiempo, la única parte real de la letra que era discernible era “kisses”, ya sabes. Entonces, cuando nos dimos cuenta de que no podíamos alejarnos de eso, que era una parte integral de la melodía, escribes la canción alrededor de eso. Y creo que eso es lo que estamos tratando de hacer.

Siento que eso sucede mucho con Slowdive, pero no sería la forma en que abordaría la escritura de una canción con una guitarra acústica, así que creo que terminas encontrando una respuesta diferente al espacio.

Así que creo que de alguna manera, ambos puntos de vista son correctos. Somos una banda típica de shoegaze en un aspecto. Pero creo que nunca estamos contentos, creo que siempre intentamos ir un poco más allá.

Sí, bueno, has estado trabajando en este álbum durante cuatro años.

Sí, tomó un poco de tiempo. Creo que a veces los discos tardan un poco más que otros, ya sabes. Sería bueno si pudiéramos hacer discos un poco más rápido.

Pero de alguna manera, se trata del viaje y esa parte es verdaderamente agradable. Quiero decir, puede ser frustrante a veces, y puedes sentirte un poco como si supieras, dos pasos adelante y tres pasos atrás a veces.

Pero, ser capaz de hacer un disco, ser capaz de estar en ese viaje, creo que tenemos suerte de poder hacer eso.

Eso es genial. Bueno, muchísimas gracias por esta entrevista, Neil. Fue un privilegio hablar contigo. Amo su música desde que tenía 15 o 16 años y todavía amo discos como Souvlaki y Pygmalion, creo que son geniales.

Bueno, eso es muy amable de tu parte y muy agradable hablar contigo. Y sí, tal vez nos veamos en uno de los shows.

Sí, tienes que venir a México pronto.

Sí, nos encantaría volver. Tuvimos un gran tiempo la última vez que estuvimos allí.

Cortes Selectos

WARP Presenta Entrevista con Royal Blood: Una nueva era para la banda

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Royal Blood el dúo formado en Worthing Inglaterra, han sido declarados por diversos medios especializados a nivel mundial como los salvadores del Rock.

Desde sus inicios en 2011 la banda se ha caracterizado por combinar Hard Rock, Blues Rock y Garage Rock en sus diferentes materiales de estudio que van desde su trabajo homónimo Royal Blood (2014) hasta su más reciente material discográfico titulado Back to the Water Below (2023) con el que han decidido experimentar diferentes sonidos y matices musicales.

Con motivo de este lanzamiento y su próxima visita a México platicamos con el dúo inglés, desde su estudio de grabación quienes nos contaron los por menores de este exitoso disco, el como tomaron un sonido diferente respecto a sus trabajos anteriores y los desafíos que han enfrentado desde la formación de la banda en 2011.

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Cortes Selectos

WARP Presenta: Entrevista con The Vaccines, entre aprendizajes y procesos de pérdida

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The Vaccines

Pick-Up Full of Pink Carnations es el sexto álbum de estudio de The Vaccines y marca el primer álbum de estudio tras la salida del guitarrista Freddie Cowan. El álbum producido por Andrew Wells (Halsey, Phoebe Bridgers), es una exploración de la nostalgia, el amor perdido y la desilusión con el sueño americano.

La banda integrada por Árni Árnason (bajo, voz), Yoann Intonti (batería), Justin Young (voz principal, guitarras) y Timothy Lanham (guitarras, teclados, voz) se encuentra de estreno con un álbum rebosa diversión y al mismo tiempo explora las formas en que la vida real nos decepciona: el título proviene de una letra mal recordada de “American Pie” de Don McLean, que evoca la muerte de la inocencia y el sueño americano. Aunque, en última instancia, el disco trata sobre la reconciliación con esa pérdida, también está lleno de gratitud por las personas y los lugares que alguna vez amamos.

Este álbum es la suma de lo mejor que saben hace The Vaccines: guitar-pop clásico inspirado de los 60 visto a través de una mirada new wave, con euforia y melancolía en partes iguales. The Vaccines domina el sentimiento universal de examinar nuestras relaciones pasadas y hacernos preguntas al respecto. El álbum contiene diversos puntos claves de historias de romance melancólico como en ‘Lunar Eclipse’, ‘Sunkissed’ y ‘Another Nightmare’ que como era de esperar, hay matices sonoros que nos recuerdan a ‘If You Wanna’, ‘Post Break-Up Sex’, ‘I Always Knew’ o ‘A Lack Of Understanding’.

Por alguna misteriosa razón, The Vaccines sigue siendo una de nuestras bandas favoritas en actos en vivo, en grandes festivales y en estudio, ¿será su honestidad, será su realismo de no intentar ser algo que no son? Aunque cada lanzamiento de la banda británica, desde un punto de vista objetivo sea similar al anterior y al anterior, tienen un ingrediente secreto que nos sigue cautivando, al fin al cabo ellos mismos nos lo dijeron desde un principio, What Did You Expect from the Vaccines?

De antemano me disculpo, porque me admito fanático de The Vaccines y esta entrevista tenía años esperándola, hacerla desde un punto de vista profesional (por supuesto) me provocó diversas reflexiones personales. He visto la vida pasar en cada uno de sus lanzamientos y nunca había tenido esta oportunidad, una charla que me ayuda a rascar heridas y sanarlas, ojalá la puedan disfrutar tanto como nosotros.

¡Hola, Justin!

Justin Young: Hola, ¿qué tal?

¿Cómo estás? Muchísimas gracias por tu tiempo. Estamos muy emocionados de poder platicar contigo sobre algo tan especial como el nuevo álbum de The Vaccines, Pick Up Full of Pink Carnations. Muchas felicidades por su nueva música. ¿Cómo te sientes sobre eso? 

Justin Young: Es muy emocionante todo lo que estamos viviendo. Empezamos a escribirlo hace tres años y a grabarlo hace más o menos un año, así que… Bueno, de hecho, más bien terminamos de grabarlo hace un año. Así que sí, estamos muy emocionados. 

De verdad, muchas felicidades por este nuevo álbum. Las letras son muy poderosas, las baterías suenan muy bien. Tuve la oportunidad de escuchar el álbum completo antes del lanzamiento oficial y pude volver a sentir esa alegría de oír nueva música de una banda que me encanta, como lo son The Vaccines. Hoy, comenzando esta nueva etapa de tu vida artística con este nuevo álbum. ¿Qué significa para ti Pick Up Full of Pink Carnations?

Justin Young: Bueno, la verdad es que significa todo. Es como una foto instantánea de mi vida y de nuestras vidas. Los temas son muy líricos, emotivos, personales y centrados en lo que ha estado pasando en mi vida y en nuestras vidas durante los últimos años. Y claro que en cuanto a lo creativo y cómo suena, es una representación del lugar en el que estamos y de cómo queremos expresarnos. Así que lo es todo, honestamente. Yo pienso que, si quieren leernos la mente, escuchen el álbum.  

Creo Justin que tú dices que hay dos tipos de personas en el mundo: personas que tienen el corazón roto, y personas que aún no tienen el corazón roto, así de simple jaja. Creo que el álbum explora las maneras en que la vida real nos decepciona. Enfrentar nuestros sentimientos nos hace sentir más vivos, ¿no? Dime cómo fue el proceso creativo para construir este increíble álbum. 

Justin Young: Estoy de acuerdo contigo. Sentir algo es mejor que no sentir nada, incluso si es dolor. Creo que sentir te permite entrar de lleno y vivir la vida en technicolor. Al empezar a hacer un álbum, no siempre está muy claro cómo va a sonar o cómo debería sonar. A veces tienes una idea, a veces no. Creo que con este álbum sabíamos sobre qué iba a tratar y teníamos los temas y todo eso, pero… Love to Walk Away fue la primera canción que escribimos. Y, creo que intuitivamente sonó como una canción de indie rock, algo muy humano, menos producida y procesada que nuestra última grabación. No sé, quizá tuvo que ver con que tenemos un nuevo lineup y quisimos que la humanidad y personalidad de cada uno saliera a relucir; no estoy seguro. Pero se sintió muy fácil y disfrutable. Cada paso del camino se sentía como lo correcto. Realmente nunca nos cuestionamos mucho, solo se sentía correcto. Y luego cuando llegó el momento de grabarlo, fuimos a grabar a… De hecho, casi lo grabábamos en México, pero a último minuto cambiamos a Los Angeles. Y cada día levantarse a trabajar y hacer música juntos se sentía como un gran placer; fue muy divertido. 

Creo que la música contiene esperanzas y sueños. Siempre se han escrito historias a través de la música. Es muy impactante. La música es un lenguaje universal. ¿Qué significa la música para ti, y poder compartirla con tantas personas alrededor del mundo?

Justin Young: Para mí la música es ese lenguaje universal. Si me pongo a pensar en mis primeras conexiones con la música, incluso si esas personas se sentían como algo lejano y extraterrestre de tan cool que eran, también tenían esa cualidad humana, y se sentían heridos, vulnerables y honestos, y me hacían sentir menos solo. Y yo pensaba: “Si esta persona que está cantando esto siente eso, entonces no soy el único.” Y al seguir descubriendo música nueva y música vieja, esa sigue siendo una de las cosas que me sigue atrayendo a ella. Al escribir nuestra propia música también busco ser lo más honesto y auténtico posible, con esperanzas de que otras personas se sientan igual y puedan conectar con la música. Supongo que esa es la meta, ¿no?

Sí, totalmente. The Vaccines siempre ha sido una banda con mucha identidad y mucha energía, creando música muy poderosa a través de los años. Desde su primer álbum al día de hoy, ¿Cómo describirías el crecimiento y evolución de la banda, en sus canciones y proceso creativo? Y, personalmente, ¿Cuál dirías tú que es la mejor parte de todo este proceso?

Justin Young: La mejor parte para mí es seguir descubriendo cosas nuevas sobre ti mismo y de los demás. Uno sigue haciendo música porque quiere crecer y descubrir, porque desea mejorarse, y porque uno sigue con esa hambre… Cuando comenzamos esto éramos personas muy diferentes, yo era una persona muy diferente, el mundo era un lugar muy diferente, pero creo que lo que permanece es ese deseo de seguir escribiendo y grabando y presentándose. Supongo que la música le hace algo a tu alma.

Muchas felicidades de nuevo por tu extraordinaria carrera. En retrospectiva, ¿Qué le dirías a Justin de niño, con tantos sueños por cumplir? 

Justin Young: Creo que si me hubieran dicho que iba a poder lograr una carrera en la música hubiera estado bastante feliz. 

Sí jaja. Por cierto estará increíble poder verlos en México. Este nuevo álbum merece alcanzar todo rincón del mundo posible. Vamos a verlos en Monterrey, en Tecate Pal Norte. ¿Qué representa México para The Vaccines?

Justin Young: Creo que hablamos de esto cada que nos entrevistan. Cuando comenzamos con nuestra música, la idea de ir a tocar a México se sentía como algo muy lejano, ni siquiera se me cruzaba por la cabeza. Al pensar en México pienso en la aventura, el amor, la manera en que nos hacen sentir cada que vamos ahí; la pasión, lo divertido que ha sido para nosotros, las personas que hemos conocido, las tocadas que hemos tenido, los bares a los que hemos ido, la comida que hemos comido, las aventuras que hemos tenido… Verdaderamente es un lugar muy especial para nosotros. 

Yo vivo en Guadalajara, así que espero verlos acá también jaja y no es broma. 

Justin Young: Sí jaja, ¡yo también!

Si sucediera el milagro de que tocaran acá, me encantaría verlos aquí en Guadalajara jaja. Sabes que México ama a The Vaccines, siempre los queremos ver, y siempre les damos la bienvenida con los brazos abiertos. 

Justin Young: Wow, te agradezco mucho. 

Muchas gracias a ti Justin. Y felicidades una vez más por su nuevo álbum, hicieron un gran trabajo. 

Justin Young: Muchas gracias a ti, de verdad.

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WARP Presenta Entrevista con Alex Andwandter: la pista de baile como hito político

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Propios y extraños han mencionado que el disco más reciente de Alex Andwandter es uno de los álbumes del 2023 y en esta ocasión nos sentamos con él para explorarlo; y hablar del baile y la vida nocturna como vehículo para la reflexión social.

El 2023 fue un año fabuloso para la música latinoamericana: desde el Río Bravo hasta La Patagonia y a través todas las corrientes sonoras, la música hecha en nuestro idioma se ratificó como una de las más frescas y prolíficas del planeta. En ese ecosistema, sería muy arbitrario destacar un solo nombre por encima del resto, sobre todo si consideramos que la fuerza en el mainstream y la efervescencia en el underground nos traen reinas y reyes Midas que hacen oro con todo en lo que se involucran.

Lo que sí existen son algunos personajes que, al hacer un mapa de los orígenes de ciertas tendencias y maneras de entender la música, nos llevan a ellos. Y en este lado del mundo, todos los caminos nos dirigen tarde o temprano a Alex Andwandter.

Productor, compositor, cantante, showman y hombre de vanguardia. A lo largo de casi 20 años, el chileno ha edificado una carrera regida por la inquietud de mirar al futuro. Siempre con el Pop como punto de partida, Alex Andwandter goza de un repertorio de ”discos de autor” en los que nunca separa la accesibilidad al oído de la propuesta ni del mensaje.

Bajo la entendido de que toda la Música es Sociedad, Política, Arte, Estética e Industria, Andwandter construye relatos que bien pueden tratar sobre la colonización o la persecución de la comunidad LGBTQI+ mientras te pone a cantar y a bailar.

En el 2023 regresó con El Diablo En El Cuerpo: una analogía sobre las pistas de baile como escenarios de libertad y catarsis social que se convirtió en una de las mejores placas del año.

En WARP tuvimos la oportunidad de sentarnos a platicar con él para explorar todas las aristas su obra y obtener su reflexión sobre el renacimiento de la música Dance en el escenario local y global.

Escucha la entrevista completa a contunuación.

También disponible en todas las plataformas de streaming:

Spotify https://bit.ly/48WnCN5

Apple Podcast https://bit.ly/48DW3rv

Amazon Music https://bit.ly/3NLawd2

Google Podcast https://bit.ly/47jVWjR

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