Elegimos tres exposiciones de tres museos muy contrastantes entre sí para que disfrutes del fin de semana: Arte Contemporáneo, Neo-muralismo y fotografía.
Es de esperarse que la ciudad con más museos en todo el planeta tenga una oferta inagotable de opciones para una población siempre ávida e inquieta por vincularse con el Arte a través de discursos y propuestas en constante movimiento.
En esta ocasión, nos dimos a la tarea de curar una selección de tres exposiciones en espacios completamente diferentes que le permitirán -tanto al público especializado como a los visitantes casuales- inmiscuirse en una serie de universos que abordan desde la materialidad corpórea de lo queer, pasando por la añoranza de un hogar que nunca encontraremos hasta un homenaje a la figura clave de la fotógrafa Graciela Iturbide.
Conoce nuestra selección y da el paso al aire para explorar estas tres aventuras multisensoriales en la capital del país.
Donde nace la frivolidad. Objetos de mi afección, de Samuel Nicolle en el Museo Carrillo Gil
Bajo la curaduría de Gabriela Cepeda, esta muestra plantea una serie de objetos atravesados por el imaginario queer interpretados a partir de su cotidianidad en relación a los recuerdos, los personajes y los lugares que evocan.
Son metáforas del lenguaje que codifican la (des)visibilidad LGBTTTIQ+ en un entramado emocional que despliega referencias a lo Pop y su influencia en la más profunda de las reflexiones en un mundo siempre hostil hacia lo diferente lo diferente.
Su curadora describe:
”En la sala, los objetos están a la deriva, se deslizan por las superficies aludiendo al paso de unx posible ocupante. Es una puesta en escena en comienzo constante: cada tanto los objetos se mueven en un espacio que se deshace a medida que se construye, plasmando el carácter transitorio de la configuración de la identidad, re-significada incesantemente desde la afectividad y la agencia de los objetos, desde el transformarnos mutuamente en nuestro encuentro con ellos.
Es precisamente en estas interacciones, muchas veces imperceptibles o subestimadas, en las que se consolidan nuestras obsesiones supuestamente frívolas con la cultura Pop y con los objetos preciados que nos rodean; dondedonde Nicolle encuentra la posibilidad de nuevos significados, de desfasamientos sutiles de nuestro entorno normativo que, en esa posible descolocación, permiten imaginar o al menos desear una realidad distinta”.
El Museo Carrillo Gil se encuentra en Av. Revolución 1608, San Ángel, Alcaldía Álvaro Obregón. Abre de martes a domingo de 10 a 18 h.
Camino a casa (El hombre que debería estar muerto) de Daniel Guzman en Galería Kurimanzutto.
A pesar de haber incursionado en el video, el performance y la instalación, el mismo Daniel Guzmán acepta que el eje de su obra es el dibujo; y aunque esta exposición parece privilegiar lo pictórico, en realidad es una magnificación de su entendimiento por el trazado y las líneas.
Aquí nos muestra cuatro estructuras de madera que profundizan la desjerarquización sistemática de los referentes culturales como una manera de vincularnos con nuestro futuro, presente y sobre todo el pasado como analogía del hogar que siempre añoramos pero al que parece que jamás llegaremos.
El Rock, la Ciencia Ficción, estudios sociales, la poesía o el Libro Vaquero son solo puentes con los cimientos de nuestra historia personal que a su vez construyen nuestra identidad en el afán de contestar: ¿Quién soy? ¿A dónde soy? ¿De dónde vengo?
”Todos contamos relatos e historias, lo sepamos o no. De alguna manera esta inquietud de intentar contar historias con mis dibujos es algo que me ha acompañado a lo largo de toda mi práctica”.
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Visita la Galería Kurimanzutto en Cda. Gobernador Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec I Secc. Alcaldía Miguel Hidalgo. Abre de martes a sábado de 11 a 17 h.
Retratos para un ritual (Homenaje a Graciela Iturbide) en el Museo de Arte Moderno
Curada por Carlos Segoviano, esta ocasión rinde homenaje a la legendaria Gabriela Iturbide a través de una lectura de cinco de sus retratos para re explorar su visión y legado en la fotografía mexicana.
Recordemos que ella es una de las principales exponentes de la fotografía a nivel nacional e internacional gracias a su particular estética que combina el enfoque documental con la sensibilidad poética. Su cámara nos sorprende al desnudar lo maravilloso y complejo de lo habitual; lo simple y lo marginal se vuelve extraordinario y profundo.
Visita el Museo de Arte Moderno en Av. P.º de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec I Secc. Alcaldía Miguel Hidalgo. Abre de 10:15 a 17:30 h.
Una serie de obras consecutivas han aparecido durante los últimos días en las calles de Londres, todas ellas bajo el sello del artista Banksy. El día de hoy Robbie Banks, decidió concluir esta serie de enigmáticas obras con un último mural, tras nueve grafitis en nueve días, todas ellas en relación con los animales.
Todo comenzó el pasado 5 de agosto con una imagen pintada sobre un muro en Richmond, en donde reflejaba una cabra en el borde de una cima con rocas que caen debajo de ella.
Un día posterior a ello se encontró una obra con dos elefantes acercando sus trompas para encontrarse e interactuar, ambos animales pintados sobre un muro con una especie de ventanales.
Nueve días, nueve obras….
Una tercer obra consecutiva fue encontrada sobre una estación del metro, la cual proyecta tres monos colgando de un puente en diversas formas. Curiosamente esta obra es una de las que no han sido vandalizadas o retiradas de las calles de Londres.
A partir de ello se han creado diversas teorías y especulaciones en redes sociales, acerca de un significado más profundo y metáforas. Las teorías van entorno a la división social en cuanto a los disturbios de carácter racista y antiinmigrante que sucedieron en varias ciudades del Reino Unido, incluido la guerra de Israel en Gaza.
Por otra parte, James Ryan, director ejecutivo de la Galería Grove (encargada de vender las obras de Banksy), comentó que en un principio pensó que las obras tenían un mensaje político, pero a partir de la última imagen revelada, él cree que se debe a “encarcelamiento de animales atrapados”.
Dando continuidad al mensaje
Posteriormente dos pelicanos aparecieron posados en el letrero de una tienda de pescado y días después un banco de pirañas dando vueltas fue pintado en una cabina de vigilancia policíal.
La última obra de esta colección de mensajes fue pintada en el exterior de un conocido zoológico en Londres, en ella se puede apreciar un gorila levantando una puerta metálica para liberar a un león marino y un puñado de aves, con unos misteriosos ojos de fondo.
El día de hoy no se encontró ninguna obra del artista, por la que muchos mencionaron un “descanso” por parte del artista o el fin de estos mensajes.
Plantel Matilde está destinado a apoyar prácticas en diversas disciplinas para el desarrollo cultural de la comunidad de Sac Chich; fungiendo como gancho de atracción para dar a conocer los programas sociales que se tienen en la comunidad.
Un edificio imponente y a la vez silencioso que resalta la magnificencia de algo. Una majestuosidad que me hace recordar aquellas edificaciones de los Romanos, Griegos, Persas, Fenicios pero en medio de la selva yucateca, como una pirámide de concreto que aterrizó en la selva pero que en su interior se siente cálida e inspira relajación. Un espacio llamado Plantel Matilde, en donde no se trató de hacerlo mejor sino diferente. Construida armónicamente con los elementos; el agua, el viento, el fuego, la naturaleza.
Vista aérea Plantel Matilde. Archivo fotográfico Javier Marín. Fotografía de Andrés Cedillo.
Plantel Matilde es un laboratorio de ideas y residencias artísticas ubicado a menos de 30 kilómetros al suroeste de la ciudad de Mérida, en los terrenos de un antiguo plantel henequenero. La zona, el paisaje y el aislamiento funcionaron como catalizador para cumplir con una asignatura pendiente en el quehacer artístico del escultor Javier Marín: la realización de una obra arquitectónica. Un deseo incubado, tal vez influenciado por aquellas maquetas y dibujos que eran obra de su padre el arquitecto Enrique Marín López y que marcó su infancia. Es así como desde el 2010 erige su ópera prima arquitectónica, en complicidad con su hermano, el arquitecto Arcadio Marín.
Este espacio de creación alterno está destinado a apoyar prácticas en diversas disciplinas para el desarrollo cultural de la comunidad de Sac Chich; fungiendo como gancho de atracción para dar a conocer los programas sociales que se tienen en la comunidad.
Es a través de la Fundación Marín que se crean estos espacios de encuentro y colaboración en comunidades, a partir de la creación de programas y proyectos desarrollados con la creatividad humana, el arte y la cultura como herramienta para la transformación y el desarrollo de la sociedad.
Plantel Matilde. Archivo fotográfico Javier Marín. Fotografía de Bernardo Arcos.
La Fundación tiene su sede en la Ciudad de México y opera diversos programas a nivel nacional. Dentro de los proyectos en la comunidad existen:
en Michoacán, lidera el proyecto de creación y operación del “Centro cultural Fábrica de San Pedro”, en colaboración con el Ayuntamiento de Uruapan.
en Yucatán, creó:
– El Taller de Barro de Sac Chich: resultado de la primera residencia artística en Plantel Matilde, funciona como un laboratorio de encuentro comunitario enfocado al diseño, creación, producción y comercialización de piezas de barro. La fundación capacitó desde 2019 a la comunidad siguiendo así mismo hasta la fecha con técnicas de aprendizaje y apoyo en la comercialización de sus productos. La idea es crear un modelo de trabajo justo y equitativo para los artesanos.
– Comedor Comunitario: Las señoras de la comunidad se unen al proyecto para brindar a los visitantes del Plantel Matilde una experiencia culinaria al terminar su recorrido.
– Proyecto Plaza de Sac Chich: En un proyecto donde se fusiona el trabajo de un artista plástico, Javier Marin con un arquitecto y se proyecta la Plaza de Sac chich donde poco a poco se ha ido creando y construyendo con mano de obra de la comunidad para a su vez generar empleos.
Plantel Matilde. Archivo fotográfico Javier Marín. Fotografía de Andrés Cedillo.
Un caso de éxito de cómo el arte puede ser un motor económico significativo. Me parece una labor fantástica el uso del arte para el desarrollo de comunidades ya que además de fungir como semillero de nuevos artistas, a través de la creatividad se le aporta identidad a esa sociedad. Esto fomenta el sentido de pertenencia y la solidaridad entre los miembros de la comunidad generando nuevas formas de vida, aspiraciones más altas y mayores oportunidades.
Sobre el escultor… Javier Marín, nació en México en 1962. Se formó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, aunque ha trabajado en pintura, grabado y otras prácticas, es conocido principalmente por su escultura: reconocida por su monumentalidad, detallismo y exploración de la figura humana. Así, su obra se caracteriza por la experimentación con materiales como barro, bronce y resina poliéster, combinados con elementos orgánicos e inorgánicos. Esta diversidad de materiales le permite crear texturas y efectos visuales únicos en sus obras.
Plantel Matilde. Archivo fotográfico Javier Marín. Fotografía de Andrés Cedillo.
La obra de Marín frecuentemente explora temas relacionados con la identidad, el cuerpo humano y la condición humana. Sus figuras suelen estar en posiciones dinámicas y expresivas, transmitiendo emociones y narrativas complejas.
Javier ha creado numerosas obras de gran formato destinadas a espacios públicos. En donde estas piezas no solo embellecen los espacios donde se instalan, sino que también invitan al espectador a interactuar y reflexionar sobre su entorno. Es así como Marín busca que sus esculturas establezcan un diálogo con el entorno y por eso su trabajo con el espacio público está diseñado para integrarse y, al mismo tiempo, desafiar la percepción del espacio por parte de quien lo visita, generando así nuevas formas de interacción con la obra y el lugar.
Plantel Matilde. Archivo fotográfico Javier Marín. Fotografía de Andrés Cedillo.
Esto se vive en Plantel Matilde al recorrer los pasillos abiertos transformando la visita en un recorrido entre escultura y arquitectura en una planta cuadrada de 70 metros de lado y 12 metros de altura, que alberga sus grandes esculturas y un techo-terraza que ofrece una vista panorámica 360 grados, emulando a los observatorios mayas.
No se pierdan la oportunidad de visitar y conocer este maravilloso espacio arquitectónico que les brindará una experiencia muy diferente y al mismo tiempo auténtica. Para reservar tu visita en Plantel Matilde envía un correo a contacto@fundacionjaviermarin.mx y visita la página fundacionjaviermarin.mx si quieres conocer más sobre la fundación y sus proyectos sociales y programas educativos.
Conversamos con el legendario fotógrafo David LaChapelle en el contexto de la presentación de su nueva exposición en el Palacio de Minería de la Ciudad de México: AMOR, una muestra retrospectiva sobre sus 40 años de carrera en la que podemos explorar, no solo su emblemática identidad estética, también la espiritual, emocional y psicológica.
No es un día cualquiera. Desde que accedemos a la planta baja del histórico Palacio de Minería se percibe el bullicio de gente de todas las edades y orígenes, cautivadas por la extravagancia y la fantasía de las composiciones de David LaChapelle. Estamos ante el fotógrafo de las estrellas. Y aunque es un mote banalizado que se le ha colgado a decenas a lo largo de la historia, quizá nadie se lo merezca tanto como Annie Leibovitz, Andy Warhol y sí, el mismo David LaChapelle.
Elton John, Madonna, Michael Jackson, Travis Scott, Marilyn Manson… La lista es infinita y se roba las miradas de todos; sin embargo, el discurso de LaChapelle es mucho más profundo de lo que parece.
No solo porque pertenece a la generación artística del mundo occidental que entendió cómo hacer para que el Arte sobreviviera dentro del desarrollo del capitalismo voraz, sino también porque ha ejercido una voz crítica respecto a los males ocasionados por el poder concedido a medios como la Publicidad y el Marketing en una sociedad cada día más desprovista de humanidad, empatía y paciencia.
Con el paso del tiempo, la virtud más grande de LaChapelle ha sido su capacidad para identificar que, además del talento y el sentido estético, el Arte también debe constituirse de alma, corazón y espíritu.
Y con esa apertura recibe al público que lo asedia en las primeras horas de AMOR, su nueva exposición en México. Responde preguntas, recibe abrazos y se toma el tiempo de transmitir a todos el agradecimiento que les tiene por brindarle un momento de su tiempo.
Es un ícono, y lo expresa desde su forma de vestir y la forma de hablar. Lo rodea un aura jovial, aquella que solo acompaña a los elegidos con el ímpetu de quien ve el mundo como lo entienden los niños, sin importar las velas en el pastel de cumpleaños.
En medio de ese caos, decide brindarnos unos instantes para entablar una conversación breve pero emocionante. El destino nos lleva al salón principal del Palacio de Minería. Todo confabula para tener 10 minutos memorables con un hombre cálido y lleno de amor.
El Lugar A Donde Va El Alma
¿Cómo se siente ver tantos años de tu trabajo en una exposición como ésta?
‘’Es muy emocionante, sobre todo por la oportunidad de contrastar mi trabajo más reciente con ese que hace mucho veía del principio de mi carrera, Amo cómo se ven juntas todas esas etapas de mi vida artística y cómo se comunican entre sí. Me hace feliz’’.
En este punto de tu vida y después de todo lo que has vivido, ¿cuál es tu percepción del Arte?
‘’Para mi el Arte siempre ha sido expresión, comunicación y la oportunidad de conectar con alguien a un nivel emocional, psicológico y espiritual. Y creo que parte de la belleza del Arte es que, al ser multidisciplinaria, existen muchas maneras y posibilidades de conectar con la gente: a través de la Música, de la Literatura, de una Obra de Teatro, de una pintura o una escultura… Eso es lo que la vuelve Universal’’.
Recién veía un debate en la televisión británica en la que decían -como un cumplido a tu obra- que todas las imágenes hechas en softwares de Inteligencia Artificial pretenden imitar tu estilo. ¿Qué opinas al respecto?
‘’La verdad no había escuchado de ese debate pero es una idea muy divertida… La verdad no sé qué pensar al respecto (Risas). No sé si debería estar asustado o feliz. Creo que hasta este momento no hay muchas cosas de las imagenes hechas con Inteligencia Artificial que me emocionen o me inspiren… Sobre todo porque parte de la fuerza del Arte también radica en el proceso previo, en la preparación y en los accidentes que emanen de ello.
En mi caso, por ejemplo, son muy importantes las historias detrás de cada objeto en la escenografía, en las decisiones de composición y sentir que debes cambiar la dirección del plan original. Eso aún no lo veo dentro de la Inteligencia Artificial.
Incluso hay belleza en que las cosas salgan mejor o peor de lo que las imaginaste. Sobre todo cuando las obras son inspiración de lugares que encontraste, personas que conociste o son un recurso de emergencia porque no lograste conseguir algo.
En la naturaleza del Arte es igual de importante la improvisación, la intuición y el caos. La Inteligencia Artificial eventualmente creará cosas perfectas pero no tendrán el mismo valor porque los humanos no somos perfectos y el Arte es esencialmente humana’’.
Hace unos años contaste que ”My Sweet Lord” de George Harrison era una de tus canciones favoritas. ¿Esa respuesta cambió?
”En estos momentos no puedo dejar de escuchar ”American Wedding” de Frank Ocean, que me fascina porque todo su instrumental es ”Hotel California” de The Eagles y me siento identificado con esa manera de trabajar: tomar algo muy representativo de la cultura popular y llevarlo a un lugar completamente diferente”.
¿Qué artistas te hubiera gustado haber fotografiado pero no pudiste?
”Eso se basa en mi serie de artistas que fallecieron o no están disponibles para fotografiar y creo que los más latentes en mi cabeza son Stevie Wonder y George Harrison. Encontré amigos que se parecían a ellos e hice algunos homenajes porque necesitaba esa energía en mi repertorio. Fue como hacer una biopic y me encargué de hacer el cast perfecto. Resultó tan bien que, por ejemplo, los hijos de Stevie Wonder pensaron que era realmente él. Stevie Wonder es uno de los artistas que más admiro. Es probablemente el músico norteamericano más importante de la historia”.
En un punto muy importante de tu carrera, casi en los inicios, las obras que hacías estaban inspiradas por la pregunta <<¿A dónde va nuestra alma?>>. ¿Crees que ya encontraste la respuesta a esa pregunta?
‘’Sí. Creo que todo parte de que todos tenemos un alma. Parece ser muy obvio pero a veces lo olvidamos. Y bueno, el desarrollo de esa alma depende de cómo vivamos, las personas que conozcamos, la manera en la que amemos, la manera en la que nos tratemos a nosotros mismos y cómo habitamos este mundo en general.
De eso depende el destino de tu alma’’.
¿Crees que la humanidad todavía tiene esperanza de cara al futuro?
”Si no lo creyera, ya me habría retirado del Arte”.
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