Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: destacamos diversos compositores de bandas sonoras que han dejado un extenso e interminable legado.

Es difícil imaginar cómo serían las obras más significativas del cine sin las bandas sonoras que las acompañan. ¿Habrían sido tan aclamadas? ¿Serían las obras notables y respetadas que se conocen? La respuesta corta es que probablemente no. El uso de la música en el cine puede ser primordial para el producto final y, en algunos casos, puede ser incluso más memorable que los aspectos visuales.

Existen títulos de películas en las que irremediablemente pensamos y al mismo tiempo escuchamos, sin duda la resonancia de la música en el cine es sumamente poderosa. Algunas podrían ser: Lawrence de Ara­bia (Maurice Jarre), El Rey León, Gladiador, Interestelar (Hans Zimmer), La pantera rosa (Henry Mancini), El bue­no, el feo y el malo (Ennio Morricone), El Padrino (Nino Rota), Memorias de África (John Ba­rry), Jurassic Park (Michael Giacchino), La misión (Ennio Morri­co­ne), Cinema Paradiso (Ennio y An­drea Morricone) o Amélie (Yann Tiersen), bandas sonoras que incluso han formado par­te importante de nuestras vidas.

La premisa principal de las bandas sonoras, quizá se centre en crear un viaje emocional a través de los diversos universos cinematográficos que nos han cautivado y emocionado a lo largo de los años. Poniendo con Zimmer un gran ejemplo, desde “El Rey León” hasta la atmósfera electrizante de “Origen”, pasando por los poderosos ritmos de “Gladiator” y los apasionados solos de violín de “Sherlock Holmes”, o el eco del desierto de Arrakis que nos transporta a “Dune”.

A lo largo de los años, ha habido numerosas partituras que evocan una conexión emocional tan fuerte que se han convertido en iconos culturales. Pensemos, por ejemplo, en Tiburón , de Spielberg, la película que hizo que la gente tuviera pavor a meterse en el océano, o en cualquier masa de agua, al imaginar a un tiburón deslizándose por las oscuras profundidades. El “James Bond Theme” de John Barry es otro ejemplo clásico. Es un arreglo que puede hacer que cualquiera se sienta como un agente secreto, enfundado en un esmoquin con un arma oculta y un supercoche, sólo con oír ese trino orquestal.

Cinema Paradiso, al fundirse en ese guion con Ennio Morricone quien llegó a convertirse en uno de los compositores más populares de la historia del cine; naciendo de él le convirtió en uno de los más influyentes de nuestra época, marcando a muchas generaciones. El ganador de dos Oscar, fallecido en Roma en el 2020 a los 91 años, fue un compositor y arreglista de música que ayudó a definir tal cual cómo suena ir al cine, cómo suena el cine.

A los 11 años, empezó a actuar en espectáculos de variedades y a sustituir a su padre cuando éste no estaba en condiciones de tocar. La película recorre su evolución pre-cinematográfica de joven, tocando la trompeta en el conservatorio, orquestas de cine, bandas militares, espectáculos de variedades y conjuntos experimentales como el Grupo de Improvisación Nuova Consonanza, especializado en “sonidos traumáticos”.

El empleo por Morricone de lo experimental como medio para “redimir” lo accesible caracterizaría gran parte de la música que haría en el medio siglo siguiente. Pero también se hizo famoso por su artesanía compositiva y su inventiva: su habilidad para adornar una canción pop con inesperados hilos de contrapunto.

La diva del pop, Lady Gaga, confirmó la salida de una película llamada Gaga Chromatica Ball, que se estrenará a través de HBO, para su posterior llegada al servicio de streaming, Max, el próximo 25 de mayo.

La película, escrita, dirigida y producida por la misma Gaga, presenta el concierto completo de la artista en el Dodger Stadium de Los Ángeles, donde interpretó clásicos de su autoría, y hasta de la historia del pop, como ‘Bad Romance‘, ‘Poker Face‘, ‘Just Dance‘ y más.

Mira el tráiler enseguida.

Desde su presentación en la pasada CinemaCon, The Fall Guy generó muchas expectativas rumbo a su estreno, para darle una película taquillera a Universal. Un filme de acción protagonizado por Ryan Gosling y Emily Blunt, basado en la serie ochentera del mismo nombre. 

El filme se distancia del concepto original de la serie, en que un doble de acción en sus ratos libres es un investigador privado y va hacia la acción paródica y el romance. Y se convierte en una carta de amor a las películas y la profesión de los dobles de acción. Haciendo sobre todo homenaje a los filmes de los años 80 y 90, que no dependían de los efectos digitales. 

Esto se explica con el pasado del director David Leitch. Un realizador que comenzó su carrera como doble y coordinador de escenas de acción. Leitch evolucionó como guionista y dio el salto a la dirección en 2017 con el filme Atomic Blonde. Continuando su carrera con Deadpool 2 (2018), Fast & Furious: Hobbs & Shaw (2019) y la divertidísima Bullet Train (2022).  

Con este antecedente no extraña que, The Fall Guy es un filme que destaca en la coordinación y manejo de las escenas de acción. Donde la trama pasa a ser un elemento secundario. Y gracias al encanto de Gosling y al humor del guion se convierte en un producto imperfecto, pero muy disfrutable. 

Un doble de acción en Australia 

The Fall Guy se centra en Colt Seavers (Gosling), un doble veterano que después de un accidente en set se retira del ambiente. Meses después decide regresar a la acción para salvar la ópera prima de su ex, la directora Jody Moreno (Blunt). 

Colt busca recuperar a Jody con la ayuda de la productora Gail Meyer (Hannah Waddingham). Realizando escenas de acción indispensables para la ópera espacial futurista de Jody, que se está rodando en Sidney.  

El rodaje del filme se ha extendido en tiempo y presupuesto, mientras que la estrella de la película, el insoportable Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), lleva días sin pararse en el set. 

Para ganarse el favor de Jody, Colt se embarca en la búsqueda de Ryder. Pero en el camino se encuentra con un cadáver y gente que le empieza a disparar a diestra y siniestra. 

Como dato curioso el filme fue rodado en Sidney, Australia, un país que se ha convertido en una locación muy solicitada en la última década para las producciones Hollywoodenses.

De lo meta a la Inteligencia Artificial 

Como realizador David Leitch se caracteriza hasta el momento por realizar películas comerciales, que se inclinan por largas secuencias de acción de gran espectacularidad y tramas recargadas en el humor.  

En este filme, además, el realizador se ha sumado a varios temas del Hollywood actual. Donde existe un debate sobre la importancia de los efectos prácticos contra los digitales. Y los riesgos de la inteligencia artificial en el set. Dando un impulso a favor de los stunts en el eterno debate sobre, si estos especialistas deben ser considerados para los premios de la Academia.  

Leitch se inclina por ensalzar lo práctico y en la ficción su protagonista se convierte en un héroe de acción, que por su preparación enfrenta con soltura el peligro en la vida real. 

El carisma de Gosling sostiene el filme y Blunt se vuelve un personaje muy secundario y no tan desarrollado, al que nos hubiera gustado ver más en pantalla. Con una serie de clichés acierta en la mayor parte en la acción, llevando la exageración en pos del entretenimiento. Pero cojea en el lado del romance. 

Su punto más débil es el guion y es muy meta al respecto. Comentando de forma reiterada los problemas con el desarrollo del tercer acto y la trama demasiado intrincada. 

En el lado musical está enfocado hacia el rock en la acción con AC/DC, Mötley Crüe y distintas versiones de I Was Made For Lovin’You de Kiss. Y en lo romántico se inclina hacía el pop con Taylor Switf y Christina Aguilera. 

En resumen, The Fall Guy es muy divertida, se desenvuelve con fallas y sin pretensiones, como un buen entretenimiento palomero.