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Cortes Selectos

Techno: tres momentos que despertaron el sonido underground de la revolución

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Antes de que el Techno revolucionara la música dance underground para siempre, varios momentos y puntos de inflexión en la cultura dieron vida a uno de los géneros más importantes de la historia de la música, en esta ocasión nos enfocaremos en la santa trinidad: Kraftwerk-Detroit-Berlín.

La historia del techno trasciende sus raíces musicales, impactando profundamente la cultura de baile en todos los rincones del mundo, empezando a gestar una revolución como pocas veces lo hemos visto.

Uno de sus mayores legados es la identidad que posee y transmite a inspirar a artistas y aficionados por igual a crear su propia música, eventos, fiestas y comunidades. Llevando los niveles creativos a estados extraordinarios de frenesí y de esta manera llevando los sonidos a todas partes del mundo.

Remontándonos en el tiempo, la década de 1970 fue un parteaguas para la música de baile, y la música disco domina en prácticamente todos clubes de Norteamérica, podía sentirse una fiebre como pocas veces.

Sin embargo, la música disco gradualmente fue perdiendo popularidad hasta que el 12 de julio de 1979, cuando miles de álbumes de música disco fueron quemados en el centro del campo del estadio Comiskey Park de Chicago en lo que fue conocido como la famosa Disco Demolition Night o el día en que la música disco se terminó.

Entrada la década de los 80 el hip-hop y el electro fueron dos puntos importantes para ir forjando la historia del techno y es ahí cuando aparece Kraftwerk.

Kraftwerk, padrinos del techno

El techno de principios de los ochenta significaba la definición del sonido en ebullición, todo mundo estaba creando algo desde su trinchera hasta que llegó algo especial a lo que llamaron electro funk.

Nadie sabía hasta ese momento que el techno estaba experimentando una gran metamorfosis gracias a Afrika Bambaataa, que junto al visionario productor Arthur Baker, un DJ de Boston, crearon este gran sonido revolucionario.  

Nos referimos al mega clásico “Planet Rock” de Afrika Bambaataa & SoulSonic Fource en donde se usaba la base principal de “Trans Europe Express” y sobre todo el sonido distintivo del sintetizador, para rapear.

Así es como Kraftwerk, pioneros del techno e inventores la música del futuro se combinó con el funk de Afrika Bambaataa que a su vez estaba inspirado y provenía de la escuela de James Brown, Sly Stone y George Clinton, creando así uno de los mejores y más extraños discos que se había escuchado hasta entonces. Fue así que ese sonido y las producciones de Kraftwerk retumbaron en Detroit para llevar el género al siguiente nivel.

Detroit, fuente revolucionaria

Las raíces de la música techno pueden rastrearse en la cultura underground de la ciudad de Detroit, Michigan, a mediados de la década de 1980 y alcanzando un punto de gran evolución en los 90.

Detroit, una ciudad con un aura industrial de fábricas y almacenes abandonados, estaba lista para recibir a un grupo de jóvenes productores que sin saberlo se embarcarían en el mayor y más grande viaje de sus vidas al crear música futurista inspirada por su entorno, la ciencia ficción y por supuesto, Kraftwerk.

Los héroes de esta historia son Derrick May, Juan Atkins y Kevin Saunderson, quienes fueron conocidos como The Belleville Three, fueron los pioneros de la escena techno de Detroit. Sus primeras creaciones como “Clear” de Cybotron,  “Strings of Life” de Rhythim Is Rhythim y “No UFOs” de Model 5000, abrieron un portal sónico que jamás desaparecería y que se mantendría en constante evolución.

Fue una época emocionante para ser músico y amante de la nueva música jamás creada antes. Los DJ de clubes nocturnos y en la radio comenzaron a cambiar su enfoque de la música para presentar a sus seguidores y escuchas, lo último en música techno.

Una de las más grandes virtudes del techno de Detroit es que para ellos la música no tenía que ser separadas y analizadas y aceptadas por raza, la música no tenía por qué ser blanca o negra, simplemente debería ser música y ya.

El trabajo de Derrick May se caracterizaba por un sonido futurista y experimental, y sobre todo retador. Kevin Saunderson vibraba más por sus ritmos impulsivos y sus paisajes sonoros y melodías más humanas, mientras que los lanzamientos de Juan Atkins fueron fundamentales para establecer el sonido electrónico futurista que definiría el techno de Detroit, puro y directo.

Y por supuesto que este otro momento en la historia del techno no podría estar completo sin Jeff Mills, miembro fundador de la revolucionaria institución Underground Resistance, con ella, Jeff Mills ayudó a construir la ideología del sello junto con “Mad” Mike Banks y  Robert Hood.

La UR manejaba una ideología y una filosofía inspirada en las realidades de vivir en una ciudad afroamericana con altos índices de pobreza y que luchaba contra el crimen organizado, el tráfico de drogas, los asesinatos, robos y, sobre todo, la brutalidad policial que sufrían simplemente por tener la piel oscura.

El mensaje que lanzaba la Underground Resistance a través de sus creaciones era construido con muestras de discursos y mensajes políticos, y su icónico logo minimalista con las iniciales UR más los clásicos pasamontañas que cubrían la totalidad de sus rostros, se convirtieron en un símbolo de resistencia y unidad que sigue retumbando hasta nuestros días.

Toda esa influencia que había dejado Kraftwerk por Detroit finalmente retornaría a otra de sus cunas, la ciudad de Berlín en Alemania a finales de los 80. Después de la caída del muro, muchos edificios abandonados y sin dueño fueron ocupados por jóvenes que organizaron fiestas ilegales.

Berlín, la catedral del techno

Un nuevo tipo de música de club nació a través de estos lugares sin restricciones legales y en donde se corría el riesgo en donde la policía llegara y que muchas veces pasó. Desde centrales eléctricas, almacenes, búnkers, hangares y estaciones de metro se convirtieron en clubes temporales para olvidarse de los horrores de la post guerra y vislumbrar un nuevo futuro a través de la música.

El alivio y la libertad tras la reunificación de la Alemania dividida se celebró con fiestas ininterrumpidas y fueron moldeándose a través de fuertes escenas que involucraba a gays, artistas, expositores y sobre todo personajes, promotores y productores del underground, la base de estas grandes historias.

Los productores de Berlín Oriental estaban impulsando un sonido electrónico mucho más duro y sin voces, con bajos más saturados y llamando la atención de toda la comunidad. Fue así que tres clubes en particular, que ahora son legendarios como Tresor, Der Bunker y E-Werk, situados cerca del antiguo Muro de Berlín, desempeñaron un papel importante en el establecimiento de la música techno y la cultura de club en Berlín.

Tresor, inaugurado en el año de 1991, dio la bienvenida a una nueva década emocionante y fue uno de los primeros clubes en traer el sonido techno de Detroit de regreso a Berlín, cerrando así, este increíble intercambio de techno transatlántico que bebió de distintas culturas, mientras que Ostgut Ton nacido en 1998 con el tiempo mutó a Berghain, otro de los clubes míticos sigue siendo hoy un exponente excepcional de varios subgéneros y estilos de techno, ofreciendo noches legendarias y experiencias que jamás se olvidan.

Abundan las leyendas e historias que rodean a estos clubes y en general a toda la escena a lo que hoy se le conoce como la catedral del techno en el mundo: Berlín, una historia de resistencia y evolución.

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Los cinco estrenos de la semana que debes escuchar

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La mayoría de los estrenos aquí recomendados esta semana serán colaboraciones, y no es para menos importante este dato. Si de por sí Nick Cave o Future son buenos por sí solos, con una ayuda de alguien de su mismo calibre tenemos discos, EPs y sencillos bastante potentes.

WE STILL DON’T TRUST YOU de Future y Metro Boomin

Lanzado como una “secuela” del primer disco colaborativo de ambos artistas lanzado hace apenas tres semanas, WE DON’T TRUST YOU (2024), este nuevo apartado muestra producciones más limpias, contemplativas y apaciguadas, con las líricas de Future acompañándolo en el proceso. El álbum tiene apariciones sorpresa como la de The Weekend y A$AP Rocky, y además mantiene viva la esencia de los beefs entre mismos raperos, algo que da más color al lanzamiento.

Back to Black de Nick Cave y Warren Ellis

Ambos virtuosos de la música, estrenaron en conjunto un preciosísimo álbum, algo corto, que servirá como soundtrack de la biopic de Amy Winehouse, que se estrenará el 11 de abril. Hay que resaltar especialmente la canción ‘Song For Army‘, una valerosa melodía de poco más de tres minutos llena de emotividad y con la majestuosa voz de Nick Cave.

I’M DOING IT AGAIN BABY! de girl in red

girl in red ha llamado bastante la atención en los últimos años, y este segundo disco de estudio representa muy bien la cultura pop jovial de los nacidos en los 2000s, además de preservar un sonido digerible combinando el ya mencionado pop y rock, dando un mensaje de superación y libertad para las nuevas generaciones que han crecido con su música.

USB de Fred again..

Fred again.. por fin lanzó su tan esperado disco, cuyos singles han sorprendido por sus colaboraciones poco vistas antes en el panorama, además de crear un ecosistema donde el EDM y el drum and bass coexistieran de una manera orgánica y exquisita. El disco cuenta con participaciones de Baby Keem, Overmono, Gessaffelstein, Skrillex, Romy y muchos más.

Slow Burn (EP) de Baby Rose y BADBADNOTGOOD

Con toques de country, blues y rock, la cantante conocida por su papel en el soul, Baby Rose, se juntó al trío de jazz BADBADNOTGOOD para estrenar este fascinante EP que captura la esencia de ambos mundos musicales colisionando en un viaje delicioso lleno de confort y tranquilidad.

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Bu Cuarón lanza su primer EP Drop By When You Drop Dead, un retrato de versatilidad

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Bu Cuarón

Desde 2019, Bu Cuarón ha destacado por su experimentación en la producción musical y sus referencias a la cultura latinoamericana con rolas en inglés y español. Hoy nos preparamos para un estreno que nos mostrará la interesante evolución musical de esta artista, quien es hija del reconocido cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

La cantante, compositora y productora italo-mexicana, Bu Cuarón, publicó hoy su EP debut, Drop By When You Drop Dead, a través de AWAL. Ofreciendo un retrato de versatilidad y talento emergente, Bu produjo el EP de seis pistas, que es una mezcla emocionante y dinámica de indie pop electrónico con hip-hop y estilos acústicos.

El proyecto incluye letras en inglés, español e italiano, mostrando la rica diversidad de culturas que han dado forma a la identidad musical de Bu. Drop By When You Drop Dead está disponible en streaming.

“Este EP es un mosaico de sonidos y emociones, un poco caótico pero auténticamente yo, es como ir quitando capas para revelar cada matiz de mi identidad musical, cada pista una faceta diferente de mi expresión artística.” comentó Bu Cuarón.

Desde el lanzamiento de “Psycho” en 2019, Bu vuelve a la producción musical con Drop by When You Drop Dead; el EP es una colección de seis temas que muestran los años de evolución y experimentación musical de Bu. La mayoría de las letras son composiciones en inglés, sin embargo, la integración de temas escritos en español e italiano son un reflejo de la visión cultural y del apego por sus intereses dentro de la creación musical.

Bu fue animada a explorar su talento creativo desde una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, escribiendo sus propias canciones a los once y produciendo su propia música a los trece. Con influencia de artistas como Jessie Reyez, Tyler, the Creator, Frank Ocean y James Blake, el sonido de Bu desafía las estructuras pop convencionales.

Previamente Bu Cuarón también había estrenado el video de la canción Viceversa, el cual contó con la colaboración del mismísimo Emmanuel Lubezki (colaborador habitual de su papá y ganador de tres Oscar a Mejor Fotografía) como director de fotografía del clip. En este visual, dirigido por la propia artista, aparece cantando la canción mientras flota en el mar con un bote, reafirmando el toque dramático de la letra.

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Arte

WARP Tour presenta Damien Hirst en el Museo Jumex: Apocalipsis Ahora

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Visitamos la recién estrenada exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México y esta fue nuestra experiencia.

El hombre en el elevador que nos subirá al inicio de la exposición se dirige a todos con un entusiasmo sospechoso. Nos exige responder a gritos y con el mismo nivel de energía para confirmar que hemos escuchado sus indicaciones. 

Es un augurio de lo que se avecina.

Una superestrella para celebrar los diez años de un Salón de la Fama 

En el título de este texto se promete una cosa; pero lo cierto es que, al menos ante estos ojos, lo más importante de la exposición de Damien Hirst en el Museo Jumex de la Ciudad de México no son las piezas por sí mismas, sino lo que éstas ocasionan. 

Porque de la curaduría y la museografía de Vivir Para Siempre (Por Un Momento) las conclusiones -como ya nos tiene acostumbrados dicho recinto- son contundentes y directas: una exposición retrospectiva de un artista consagrado y muy mediático que funciona como recopilación de Greatest Hits, en teoría capaz de estimular al juicio casual y al experto.

Pero ahí está la clave: la estimulación. Justo después de abandonar el elevador del hombre sospechosamente enérgico, el público se apura como hormigas que han encontrado una dona abandonada.

Inundan la sala e ignoran todo orden recomendado, incluso sin darse cuenta de la existencia de los textos curatoriales.

De inmediato, la exposición cumple su primera gran promesa: La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo aparece al centro de la sala, la célebre pieza del artista británico que pone el cadáver real de un tiburón dentro de una suerte de cápsula rectangular con una construcción que da la impresión de que el animal está vivo y lo vemos dentro de una pecera.

Se hacen filas para tomarse esa foto en la que simulan que el tiburón está a punto de arrancarles la cabeza. 

Una vez cumplida la misión, esa gente empieza a ver a su alrededor, curiosa de descubrir al famoso tiburón. Más animales que simulan estar vivos. Anaqueles de consultorio médico con utensilios impecables. Más tiburones, ahora partidos a la mitad para verles las tripas opacas al descubierto. Un muro gigante que simula millones de diamantes y que bien podría ser un escaparate del Palacio de los Palacios.

Todo al mismo tiempo en todas partes. Y la gente responde: empieza a caminar más rápido, con una postura agresiva, escaneando las obras de arriba hacia abajo sin pasar más de tres segundos frente a ellas. 

De hecho, sólo aquellas sobre animales ex-vivos y alguna que otra con movimiento generan atención real. Las demás, por su carácter tan aparentemente cotidiano, son testigos del desprecio de la audiencia.

Tik Tok en la vida real.

En la segunda sala se repite la dinámica. La gente se mueve en el espacio cada vez más rápido. Se hacen pequeños tumultos en algunas piezas. Hay fascinación, confusión y hasta asco. 

Ahora son los ceniceros gigantes los que que ganan la carrera de la atención. La continuación de la serie Natural History de Hirst no tiene el mismo éxito que el tiburón porque ahora se trata de una vaca y ver a la vaca abierta exactamente por la mitad nos recuerda que apenas el domingo pasado nos comimos esa misma “pancita” en un caldo picoso y colorado. 

Sus ojos abiertos y esa lengua salida nos hacen sentir culpables.

Y entonces, un paréntesis para sí retomar el eje discursivo en la obra de Damien Hirst: la vida y la muerte, la convivencia con el caos, los destinos inevitables… El respeto equitativo por las sensaciones satisfactorias y las incómodas.

La crítica a nuestro especismo no es el único señalamiento que hace Hirst y tampoco el único que ignoramos: arriba, en la sala que abre el recorrido, también fuimos indiferentes a las reflexiones sobre la salud mental, el consumismo desmedido, a nuestra priorización de la estética por encima de la empatía y a nuestro rechazo por lo simple.

Hacia la última parte del recorrido, vemos la faceta plástica más tradicional de Hirst, enfocada en la pintura y la escultura.

Hay menos piezas que en las primeras salas. La mayoría, caracterizadas por su naturaleza grotesca e intimidante que acentúan la imperfección de los humanos, tanto por dentro como por fuera. 

Ahora el show se lo roba el escenario: un balcón con vista al glamoroso Polanco, con todo y la postal siempre llamativa del Museo Sumoaya de fondo. 

El escándalo promovido por aquel hombre en el elevador ahora es nada entre los sonidos de los coches que van de un lado a otro en esta zona de la ciudad. 

Independientemente de lo relevante que es tener una exposición de este calibre de un artista como Damien Hirst, Vivir Para Siempre (Por Un Momento) es una analogía del apocalipsis que hemos decidido ignorar para que nuestra propia destrucción sea menos hostil.

Tras darnos cuenta que nuestro final no será vía aquel cataclismo absoluto de corte hollywoodense sino a través de una agonía prolongada en el despojo de lo más elemental, cualquier cosa es placebo.

Y esto no es una diatriba contra las fotos ni contra la hiper estimulación que nos ha quitado nuestra capacidad de atención… Esto, es un llamado de emergencia.

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