Jon Hopkins es uno de los productores más sofisticados de la actualidad, su música sigue planteando nuevos retos en sus escuchas y ha sido una fuerza constante en la escena electrónica durante años, abarcando múltiples géneros y cruzando portales sonoros en diferentes territorios musicales junto con otros artistas, y por supuesto inspirando a otros. En esta entrevista tocamos a fondo el núcleo central de sus nuevas composiciones.

Jon Hopkins nos entrega RITUAL, su nuevo disco recién estrenado con grandes estados de ánimo musicales y con un ambiente melódico, contemplativo, sensible y efervescente.

RITUAL es un disco que ilustra perfectamente un punto calmante e inquietante en una noche llena de caos y todas las composiciones se sienten como un latido constante desde el corazón.

Respecto a eso, platicamos con Hopkins acerca de su proceso creativo, el arte en general, sus colaboradores, los retos que sigue viviendo, además de viajar al pasado para platicar sobre el décimo aniversario del icónico álbum ‘Immunity’, su relación con Brian Eno y música concreta experimental de compositores puntuales del siglo XX, además de sus recuerdos cuando visitó MUTEK MX en el lejano 2012.

Muchas gracias por esta plática Jon, es un lujo, y quiero felicitarte por el lanzamiento de este nuevo disco RITUAL, un nombre hermoso, sin duda. Me gustaría saber cómo fue concebido, ¿por qué proceso mental y creativo pasaste para llegar al final del viaje y sentirte feliz con el resultado?

La semilla de todo fue una instalación que sucedió en Londres en el 2022 llamada “Dream Machine”, que involucraba grupos de 30 personas alineadas en circulo y escuchando música con luces estroboscópicas y flashes en donde todo esto crea estimulaciones visuales en el cerebro de las personas. Yo fui el comisionado para hacer la música original de esa instalación y todo comenzó con una pieza musical de 15 minutos, y hace un año sentí que podía desarrollar esa pieza y convertirla en un álbum, claro que no quería hacerlo todo igual, quería hacerlo diferente, quería ver a donde me llevaba porque sentí que tenía mucho potencial.

Así que es por eso que invité a varios colaboradores a trabajar conmigo como 7RAYS, Ishq, Vylana y Cherif Hashizume, cada quien vino con distintas visiones y todo se gestó gracias a muchos jams y varias sesiones de improvisación. Yo les mandaba algo y luego ellos devolvían la grabación y agregaba cosas, hasta que 7RAYS venía aquí al estudio de vez en cuando a trabajar conmigo y después de 5 meses ya estaba terminado, no fue en general un proceso tan largo comparado con mis otros discos.

Fue como si se cristalizara esta estructura tan perfecta en donde creas un drone y luego trabajas en una melodía ambiental y luego alcanza un clímax más ruidoso o como quieras llamarlo, yo lo veo como esta idea de escalar una montaña y no ves llegar la cima peros sabes que hay una cima al final y tienes que seguir, y la recompensa al final es una cálida sección de ambient, eso es cómo describiría todo el proceso de RITUAL.

He visto algunas fotos en tu cuenta de Instagram sobre unas listening parties especiales del nuevo disco y todas en lugares de Sidney y Berlín con un ecosistema muy cultural, por así decirlo, ¿este nuevo tour está diseñado para lugares así al rededor del mundo?

No, para nada, no está diseñado para ninguna estructura en particular, pero sí me involucré mucho en ello, estas experiencias de escucha fueron como si estuviera escribiendo el guion de una película de algún modo, ¿sabes?

Lo platiqué con mi equipo y pensamos que algún lugar de la naturaleza con monitores estaría genial para la experiencia, pero lamentablemente concretarlo no era posible. Así que escogimos lugares que tuvieran esta parte de una experiencia con un sonido inmersivo en modo Dolby ATMOS que es como se grabó el disco, tiene muchos canales de sonido y la gente en realidad está ahí dentro del sonido siendo uno mismo, ese fue el criterio.

De lo contrario es como reproducir un sonido en mono-estéreo o escucharlo en tu sistema de audio en casa en Alta Fidelidad, no hay mucha diferencia, y a mí lo que me encanta es esta experiencia en donde la calidad de sonido importa mucho y es el único motor de enfoque y eso hace la experiencia inolvidable.

No habrá visuales, no es un show visual, si no que más bien queremos la que la gente pueda involucrarse con la música imaginándolos.

Siempre has sido un artista que se preocupa por el diseño de sus álbumes y vinilos, y en ese sentido siempre estás en un camino constante de innovación, ¿para este nuevo disco RITUAL cuál fue el motor de inspiración?

La idea del arte del disco se me ocurrió platicando con un amigo, y simplemente de ahí salió el título, lo anoté en una hoja de papel y me pareció muy apropiado y después empecé a diseñar la fotografía pensando en que el mundo está ahí y la luz cobra vida en el sentido de que para mí ojalá la música abra nuevos mundos en las personas, es al menos mi visión personal.

Y sobre los vídeos, en el que ya se estrenó básicamente quería de alguna manera traducir la música en forma de energía humana tal y como sale en el vídeo desde un punto artístico, es algo realmente extraordinario. Yo creo que la música solita dicta la forma y la dirección de todo esto y estoy muy complacido con el resultado.

Genial, me encanta tu trabajo, y la siguiente pregunta es desde una perspectiva muy personal, pero todo lo que haces en cuanto a técnica de composiciones exclusivamente me recuerda mucho a la escuela que dejaron Phillip Glass, Steve Reich, John Cage o Terry Riley y muchos más, ¿alguna vez te adentraste a este tipo de música?

Wau, es muy interesante, primero que nada muchas gracias por decírmelo, es un cumplido muy agradable, y sí, claro, no soy un experto en todos sus trabajos y es imposible recordar el nombre de todas las composiciones, pero recuerdo haber estado en el colegio y escuchar algunas piezas de Phillip Glass y quedar muy intrigado, sobre Steve Reich cuando escucho sus composiciones más famosas ahora, me gusta, porque me hacen recordar algunas de las cosas de lo que más me gusta del techno. Y con Terry Riley me encanta “In C”, en especial una versión que hizo con muchos músicos me parece algo sensacional. Sin duda todos estos compositores son unos genios absolutos.

Immunity cumplió 10 años en 2023 y es sin duda un disco muy importante para tu carrera, desde entonces has inspirado a muchos nuevos jóvenes productores alrededor del mundo y el disco tiene un legado importante, ¿qué recuerdos tienes de esa etapa que aún sigan siendo valiosos para ti?

Quizás mi mayor enseñanza es que no volvería ha hacer las cosas exactamente así otra vez, jajaja. Pero, estoy muy feliz con el sonido y las composiciones y estoy muy agradecido con el impacto que tuvo, pero como experiencia fue algo muy complicado.

Sobre todo, porque siento que la tecnología que hay ahora no existía en ese momento, y estaba tratando de hacer música que sonará orgánica, viva e improvisada de alguna manera. Ableton en esa época no tenía las suficientes herramientas de audio y no lo pude usar como quería, así que usé Logic, pero Logic no está diseñado para eso, así que sentí que estaba luchando contra la tecnología todo el tiempo, y no tuve ningún colaborador, yo lo grabé todo y lo mezclé y trabajé personalmente en cada sonido del disco, y así se sumaron muchos detalles que sentí que nunca me recuperé al cien por ciento, tomó mucho de mi energía ese proceso.

Y algo que aún sigo recordando con mucho cariño es cuando compuse el riff principal de “Open Eye Signal”, estaba trabajando con el maravilloso sintetizador MS-20 de Korg, y recuerdo esa sensación de alegría y entusiasmo al crearla, jamás la he olvidado, fue como si mi alma saliera viva de mi cuerpo. Así que no todo es tan malo, por supuesto que hay memorias increíbles también.

Uno de nuestros héroes musicales en Warp Magazine es Brian Eno y uno de nuestros héroes modernos eres tú, y así todo se conecta porque trabajaste con él en el pasado, ¿cuéntame qué tal estuvo esa experiencia?

Fue un sueño absoluto para mí, lo conocí en un estudio del este de Londres, él se encontraba leyendo el periódico y fue un encuentro agradable. Durante ese tiempo y esos encuentros improvisábamos mucho en el estudio y él se quedaba con la mayoría de las grabaciones y trabajaba con ellas y construía y así surgieron los discos que se publicaron.

Él me enseño a sacarle vida a la música y hacer que las cosas se sientan vivas en la electrónica y que sonará así con ese enfoque, y al mismo tiempo asegurarme de sentir alegría y disfrutar el proceso, son enseñanzas que sigo aplicando conmigo hasta el día de hoy.

Vivimos en un mundo super saturado, todo pasa muy rápido en internet, en las plataformas de streaming y ahora ciertamente estamos en la era de la Inteligencia Artificial, pero tu música sigue sonando muy humana, ¿qué hace Jon Hopkins en un día normal para desconectarse de todo eso y enfocarse en su arte o simplemente pasar un momento relajado?

Hay muchas cosas que puedes hacer, la primera es no mirar tu teléfono muy seguido, la otra cosa que hago es meditar, y otra cosa que me gusta es la de pasar tiempo con mis amigos, salir a comer o cenar, y por supuesto disfrutar de los pequeños grandes placeres que te regala la naturaleza, como lo dices todo es una locura y creo que para romper esa fragmentación de atención depende de cada uno de nosotros y este nuevo disco en el que trabajé también va enfocado en esa dirección.

Finalmente quiero compartir contigo que tuve la oportunidad de verte la primera vez que viniste a MUTEK MX en el 2012 junto con Nathan Fake, Luke Abbott y Scuba y fue grandioso, ¿qué recuerdas de aquella experiencia y del festival en general?

Fue maravilloso, me encanta MUTEK Montreal que ya lo conocía y luego fui a México, que era uno de mis sueños. Creo que estuve 3 días en la ciudad y me sentí muy bien y me encantó la comida y recuerdo al público muy ruidoso y entusiasmado, y era algo que siempre en el extranjero se comenta de México y fue increíble comprobarlo. Espero volver pronto.

Por Mariana del Valle

Estamos en pleno Hongosto, nuestro ciclo en el que exploramos las maravillas del Mundo Fungi. En esta entrega, platicamos con Ricardo Muttio, fundador de Radial Biomateriales, para hablar sobre el desarrollo y los avances en el tema de materiales alternos a raíz de los hongos como elemento principal.

En el contexto actual, donde la innovación sostenible cobra una importancia cada vez mayor, los hongos emergen como protagonistas en el desarrollo de nuevos materiales que buscan transformar diversas industrias. Ricardo Muttio, fundador de Radial Biomateriales, ha liderado un emprendimiento pionero que explora las posibilidades de los hongos como solución tanto en la bioremediación como en la creación de materiales ecológicos.

En esta entrevista, Ricardo comparte su visión sobre cómo el Mundo Fungi está avanzando rápidamente hacia un futuro más sustentable, y nos revela los sorprendentes desarrollos que su empresa ha logrado en la implementación de estos materiales, no solo en el sector alimenticio, sino también en el diseño industrial y textil.

Qué tal, Ricardo; me da mucho gusto platicar contigo una vez más porque parece que ya se está haciendo costumbre que nos encontremos cada año para celebrar Hongosto, específicamente sobre un tema tan amplio y en constante evolución como el de los hongos y la creación de materiales alternativos alrededor de ellos.

”Hola Mariana, muy bien, contento de que, como bien dices, ya sea una tradición reunirnos cada año en agosto para platicar sobre lo que está pasando con los materiales de hongos”.

Ricardo: lo que me llama mucho la atención es que hace un año hablábamos de los materiales de hongos como una propuesta, como una posibilidad, con México queriendo incursionar en este campo. Pero, en tan solo un año, los hongos han ganado terreno y se han convertido en un punto de conversación, justo por su maleabilidad y su capacidad para ayudar al medio ambiente. Desde tu perspectiva, ¿cuáles son las tendencias más importantes en el mundo fungi en cuanto a nuevos materiales pro planetarios?

”Sí, Mariana, como mencionas, cada año vemos que los hongos toman más relevancia en la implementación de soluciones para diversas industrias. Desde el ámbito alimenticio hasta la bioremediación y, claro, los materiales. Este último año no fue la excepción. Cada vez vemos más cómo los hongos se integran en nuestra cotidianidad. Incluso, fondos de inversión están buscando activamente empresas que trabajen con hongos.

Se está creando un ecosistema muy sólido alrededor de ellos, lo que es excelente para la humanidad, ya que los hongos ofrecen muchas soluciones, literalmente al alcance del micelio”.

Este año, ustedes han desarrollado propuestas fascinantes. Tuve la fortuna de ver una lámpara y una piel de hongo preciosa, con un acabado que emulaba una textura marmolada. ¿Qué están haciendo ahora con estos materiales?

”Este último año hemos estado trabajando arduamente en mejorar los procesos de producción de nuestra piel de hongo. Nuestra tecnología se basa en dos materiales: uno es un material sólido hecho de residuos agrícolas envueltos en micelio, que puede funcionar como madera o espumas plásticas, y el otro es un material 100% micelio.

Este último es una membrana flexible y resistente, que puede emular materiales como la piel animal o la sintética. Este año hemos enfocado nuestros esfuerzos en optimizar la producción y en el desarrollo de la propiedad intelectual de estos materiales.

Además, los hemos expuesto en eventos, como una feria de materiales en Chile, donde mostramos sandalias, un bolso y una cartera hechos de piel de hongo”.

¡Qué emocionante! ¿Ya tienen estos productos a la venta o siguen en fase de prototipo? Si un diseñador quisiera utilizar estos materiales, ¿es posible?

”Seguimos trabajando a nivel prototipo, pero estamos en constante contacto con diseñadores. No tenemos suficiente material para venderlo al público en general, pero estamos abiertos a colaborar con diseñadores interesados en estos nuevos materiales.

Es un diálogo constante, ya que son los diseñadores quienes nos ayudan a ajustar las características del material, como su grosor o flexibilidad. Así que, si hay diseñadores escuchándonos, ¡escríbanos! Nos pueden encontrar en Instagram como radial.bio”.

Hablando de la industria textil, sabemos que marcas como Stella McCartney han empezado a incluir micelio en sus productos. Desde tu experiencia, ¿cuáles son las principales ventajas del micelio en comparación con materiales convencionales como el cuero animal o sintético?

”La principal ventaja del micelio es el proceso de obtención, que se basa en el uso de residuos vegetales, lo cual es mucho más eficiente en términos de consumo energético y agua. Por ejemplo, en nuestra empresa utilizamos residuos de la industria del tequila aquí en Jalisco.

Además, el tiempo de producción es mucho menor en comparación con el cuero animal. Mientras que una vaca necesita cerca de dos años para poder ser sacrificada y convertida en piel, el micelio puede cosecharse en tan solo un mes. Esto no solo es más rápido, sino que puede traducirse en una opción más económica a gran escala”.

Para quienes aún no han tenido la oportunidad de ver y tocar estos materiales, ¿cómo describirías la experiencia de utilizar piel de hongo?

”Es importante destacar que se siente como piel. Tiene una textura muy viva y natural. No es algo extraño o artificial, sino una alternativa real a la piel animal o sintética. Cada vez más personas se sorprenden al descubrir la suavidad y calidad de este material”.

Hablando de los hongos en general, sé que me comentaste fuera del aire que los hongos no son ni plantas ni animales, sino un reino aparte. Para alguien que nunca ha explorado este fascinante mundo, ¿cómo describirías qué es un hongo?

”Los hongos pertenecen a un reino completamente distinto, el reino Fungi. Son esenciales en el ecosistema, ya que actúan como el último eslabón de la cadena al descomponer la materia vegetal y generar nueva tierra fértil.

Esto los convierte en los grandes biorremediadores de la naturaleza. Son los que transforman lo negativo en positivo, manteniendo los ecosistemas vivos”.

¡Qué increíble! Y, viendo hacia el futuro, ¿cuáles son las tendencias para el próximo año en el ámbito de los hongos aplicados al diseño industrial y materiales?

”En Radial Biomateriales, nuestro objetivo es seguir desarrollando estos materiales y llevarlos a una escala industrial más amplia. Queremos validar la implementación de nuestra tecnología en el mercado y que los usuarios finales puedan ver y utilizar estos productos.

Un gran ejemplo es que hace un mes, en Estados Unidos, una de las empresas más grandes de cuero de hongos colaboró con una importante marca de autos de lujo, lanzando un auto con piel de hongo. Es gratificante ver que la industria está dispuesta a cambiar y adoptar soluciones más sostenibles.”

¡Qué emocionante! Para quienes quieran saber más sobre ustedes, ¿dónde pueden encontrarlos?

”Pueden visitarnos en nuestra página web radialbio.com, donde encontrarán nuestras tres aplicaciones principales: materiales para empaque, diseño industrial y diseño textil. También pueden contactarnos a través del formulario en la página o seguirnos en Instagram en radial.bio”.

Ricardo, muchísimas gracias por tu tiempo. Espero que el próximo año podamos volver a conversar y descubrir más de tus nuevas propuestas. ¡Te mando un abrazo enorme!

”¡Gracias a ti, Mariana! Estaré encantado de seguir compartiendo nuestras locuras el próximo año”.

En esta labor por entrevistar a personajes destacados de las Industrias Creativas, nos encontramos con Elliot Paredes, quien se erige como una de las figuras clave para entender la producción audiovisual mexicana respecto al trabajo detrás de videos musicales y la documentación de conciertos.

En la siguiente conversación exploramos su formación y su camino en el mundo del entretenimiento desde la perspectiva técnica.

Elliot, eres un creador audiovisual multifacético y disciplinado. Me gustaría empezar preguntándote: ¿cómo surgió tu interés por este mundo?

”Viví la mayor parte de mi vida en Estados Unidos hasta 2010, cuando me mudé a México. Originalmente, mi intención era estudiar arquitectura, pero al llegar y comenzar con los exámenes, me di cuenta de que lo que realmente me atraía era el aspecto creativo de la arquitectura. Tenía un familiar arquitecto que trató de guiarme, pero al descubrir que la carrera involucraba muchas matemáticas, lo cual nunca fue mi fuerte en la escuela, decidí cambiarme al diseño gráfico. Así que estudié eso en la universidad.

Al salir de la universidad, empecé a trabajar en una productora en el Estado de México durante dos años. Después, me contrataron en MVS TV, donde adquirí la mayor parte de mis conocimientos en motion graphics. Era un departamento con gente súper talentosa. Un ex compañero de la productora me contactó un día y me dijo que en Sony Music estaban buscando a alguien con mis habilidades en motion graphics. Entré a Sony Music a finales de 2016, y aunque comencé haciendo motion graphics, aprendí a hacer de todo: desde edición hasta grabaciones. Hoy en día, hago un poco de todo, y la verdad es que he tenido la oportunidad de vivir experiencias increíbles”.

¿Cómo ha cambiado tu percepción de la producción audiovisual y de la imagen en general comparado con cuando trabajabas en MVS TV?

”Cuando trabajaba en MBS, me encargaba principalmente de crear paquetes gráficos para programas de televisión. Era una experiencia muy enriquecedora, especialmente porque muchos de esos programas eran musicales y podía ver a los artistas de cerca. Hasta ese momento, mi conocimiento sobre producción audiovisual estaba más orientado a la televisión.

En Sony, mi perspectiva se amplió muchísimo. Aquí hacemos de todo: grabamos entrevistas en la oficina, videos para marketing, conciertos, videos musicales, sesiones en vivo… cada proyecto tiene sus propias necesidades y desafíos. Pasar de la producción televisiva a la variedad de proyectos que manejo ahora definitivamente cambió mi visión por completo”.

De todos los proyectos en los que has trabajado, ¿hay alguno del que te sientas especialmente orgulloso?

”Aunque mi principal área ha sido siempre el motion graphics, entrar en la producción audiovisual ha sido algo impresionante para mí. He tenido la suerte de trabajar en casi todos los foros de la Ciudad de México, y es una experiencia muy diferente cuando llegas a un lugar vacío y ves todo tan grande.

Recuerdo particularmente trabajar con Rubén Albarrán de Café Tacuba, que es mi banda favorita. Verlo caminar frente a mí y saludarme fue un momento que nunca olvidaré. Aprender a ver a estos artistas como colaboradores en lugar de figuras intocables ha sido algo que me ha marcado mucho”

¿Hay alguna actividad que disfrutes más entre el motion graphics y la producción audiovisual?

”Hoy en día, he encontrado un equilibrio entre ambas. Cada una tiene su encanto y sus desafíos. Si hiciera solo motion graphics todos los días, quizás me aburriría un poco, pero poder alternar entre ambas me mantiene motivado. Disfruto proyectos de ambos tipos, y aunque algunos me emocionan más que otros, me siento satisfecho con las dos actividades”.

Con toda tu experiencia, ¿cómo ves el estado actual de la industria de la producción audiovisual en México? Especialmente en relación con la música.

”La industria ha cambiado mucho, especialmente con el auge de las redes sociales. Hoy en día, todo gira en torno a Instagram, TikTok y otras plataformas. Anteriormente, solo nos pedían piezas horizontales, pero ahora todo es vertical y adaptado a las redes sociales. Esto ha hecho que la producción audiovisual se vuelva más competitiva y también más accesible. Hoy en día, no solo se trata de tener el equipo más nuevo, sino de quién tiene la propuesta más fresca.

Además, las redes han cambiado la manera en que trabajamos. A veces, llego a una entrevista con mi cámara profesional y veo a alguien grabando con su teléfono, y nunca sabes si ese contenido tendrá más audiencia que el tuyo. Esto ha obligado a las marcas de cámaras a adaptarse y a ofrecer herramientas que faciliten el trabajo en diferentes formatos”.

Para ir cerrando, quería preguntarte sobre un tema que se ha vuelto casi obligatorio en los últimos años: las inteligencias artificiales. Recientemente vi una entrevista con Rodrigo Prieto, donde decía que tienes dos opciones: antagonizarlas o hacerlas tus amigas. ¿Qué piensas tú? ¿Has usado inteligencias artificiales en tu trabajo o en la productora? ¿Cuál es la posición que tienen tú y tu equipo respecto a ellas?

”Definitivamente hemos intentado adoptarlas. Personalmente, en el área de Motion Graphics y diseño, a veces me cuesta trabajo aceptarlas porque han hecho que ciertas cosas que antes eran difíciles ahora sean mucho más fáciles. Uno se queda con esa vieja escuela, de sentir que las cosas deben costar, que debes trabajar por ellas. Entonces, sí, las he usado cuando es necesario, pero si no es indispensable, trato de no hacerlo. Es más una cuestión personal”.

Lo entiendo perfectamente. He conocido a gente en producción audiovisual que tiene sentimientos encontrados con las inteligencias artificiales. Algunos prefieren no usarlas, otros las tienen prácticamente prohibidas en su flujo de trabajo. ¿Qué opinas sobre este debate?

”Sí, es un tema complicado, especialmente en una disquera, donde las implicaciones legales son un gran desafío. Para proyectos dentro de la disquera, el uso de inteligencia artificial es muy limitado, precisamente por los problemas legales que pueden surgir. Esa línea aún no está del todo clara, y eso puede complicar las cosas”.

Cambiando de tema, pero relacionado con tu formación y referencias visuales, ¿cuáles son tus principales inspiraciones artísticas y referencias visuales al construir tu trabajo?

”Como mencionas, esto cambia mucho, especialmente en mi trabajo, donde constantemente estoy expuesto a nuevo material. Sin embargo, siempre me ha gustado lo que se hace en el género del hip-hop. Por ejemplo, los videos de Travis Scott y Kendrick Lamar son una gran referencia para mí.

Siempre trato de guardar esas ideas para ver si en algún proyecto se prestan, aunque no siempre es posible debido a las características del artista con el que trabajo. Aún así, me gusta mucho lo que hacen estos artistas”.

Y hablando específicamente de la grabación de conciertos, ¿cómo ha cambiado la manera de hacerlo con la llegada de formatos para redes sociales, como el contenido vertical? ¿Se considera esto desde el momento de grabar?

”En cuanto a conciertos, siento que se ha mantenido una cierta consistencia, ya que muchas veces el concierto depende más del artista que de nosotros. Cuando un artista sale de gira, ya tiene una línea gráfica y una escenografía predeterminada. Nuestro reto es crear algo atractivo alrededor de eso.

Yo no me involucro tanto en la producción, pero trabajo en estrecha colaboración con el equipo. Normalmente, el proceso incluye ver uno o dos conciertos antes de grabar, para identificar momentos clave. En las sesiones en vivo, es donde tenemos más libertad creativa, ya que nosotros mismos diseñamos la escenografía y la planteamos al artista”.

Después de haber hecho tantas cosas y viendo cómo tu proyecto se está independizando, ¿cuál es tu siguiente objetivo o proyección para los próximos años en esta profesión?

”Me gustaría seguir persiguiendo la parte de la grabación. Me encanta tener el control de un proyecto desde el principio hasta el final, poder grabar y luego editarlo. A veces, incluso soy un poco celoso con mis proyectos; me gusta llevarlos a cabo personalmente. Agradezco mucho la oportunidad que se me ha dado de manejar mis propios proyectos, y me gustaría seguir haciendo esto, pero a un nivel más grande, trabajando con artistas más importantes”.