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Cortes Selectos

WFM x WARP: A 20 años de Hail to the Thief de Radiohead

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Bienvenido a este especial colaborativo entre WFM con Alejandro Franco y WARP en el que celebramos aniversarios significativos de álbumes que cambiaron la historia de la música para siempre. En esta entrega: los 20 años de Hail to the Thief de Radiohead.

La convencionalidad no escrita en el ciclo de vida de una agrupación o artista, es que entre más populares se vuelven, sus obras musicales, en turno, se vuelven más “comerciales”. Radiohead ha sido todo lo opuesto, demostrando que el éxito y popularidad no necesariamente significa tenerse que volver “comercial” o pop para mantenerse vigentes.

Hail to the Thief, el sexto álbum de estudio de la agrupación británica que este 2023 cumplió 20 años, de manera consciente o inconscientemente mezcla armoniosamente las dos etapas o caras de la carrera de Radiohead hasta ese momento.

Evitando regresar del todo al estilo rock que los propulsó a la escena mundial durante la época Pablo Honey – The Bends, en este sexto esfuerzo de estudio Radiohead mantiene la experimentación y la inclinación hacia sonidos electrónicos, pero de una forma más análoga — alejándose de recurrir a demasiada postproducción y en su lugar optar por grabar los temas en vivo dentro del estudio, incluyendo las secciones electrónicas.


El tema abridor 2 + 2 = 5 no podría ser más representativo de todo lo que se encuentra en los restantes 13 temas de Hail to the Thief. Los primeros segundos de una simple percusión eléctrica que acompaña a un clásico y limpio acorde de Radiohead sobre los que descansa la voz contemplativa de Thom York, solo para rumbo al final estallar en una poderosa batería mientras York energéticamente no dice que “no estamos poniendo atención” y las guitarras de Jonny Greenwood y Ed 0’Brien mantienen la energía con acordes que no necesitan distorsión alguna.

Y justo ese fue el reto para Greenwood: recurrir lo menos posible a pedales de efectos, para en su lugar buscar crear cosas más interesantes de una manera “limpia”. Brincando a Backdrifts, podemos encontrar sonidos que nos recuerdan al divisivo pero excelente Kid A, con ritmos creados con la ayuda de cintas análogas, cajas de ritmo, guitarras y sintetizadores con una armonía que evita protagonismo alguno más allá de la voz de Thom York y su casi explicita crítica a la sociedad de ese momento “somos frutas podridas, mercancía dañada”.

El tema Go To Sleep nos lleva a un sonido más clásico que fácilmente podría haber aparecido en The Bends o Paranoid Android, que como en la mayoría de los temas de Hail to the Thief, las guitarras se inclinan a los sonidos limpios limitándose a la distorsión solo para lo necesario.

We Suck Young Blood y su protagonista piano muestran la habilidad de York para inspirarse en la fantasía y ficción para sus letras, en este caso haciendo alusión a vampiros sin siquiera señalarlos directamente.

Mientras que There There, el tema que quizá sea mejor asociado con Hail to the Thief, requirió de mayor trabajo de la banda para sentirse satisfechos con ella. La versión original fue grabada con el resto de los temas del álbum en el estudio Ocean Way en Los Ángeles.

Pero fue hasta que la volvieron a grabar en su propio estudio de vuelta en Reino
Unido que finalmente obtuvieron el sonido que buscaban para la banda, al punto que
Thom York lloró de alivio cuando escuchó la mezcla.

Myxomatosis es otro tema que ejemplifica la dualidad de experimentación y sonidos
tradicionales en la estructura de las canciones de Hail to the Thief y de Radiohead en
general de este punto en adelante.

La tranquilidad y melancolía de la voz de York, rodeada de sintetizadores que no dudan en evocarnos al espacio exterior, y ese robusto y energético bajo (¿?) que nos acompaña desde el inicio redondeando por una batería de Philip Selway que no duda en realizar destiempos que armonizan a la perfección con las demás partes de la canción.

Hail to the Thief es una entrega que vuelve a mostrar una consistencia en la banda a lo
largo de su temas, a diferencia de Amnesiac de 2001, el cual tiende a largamente sentirse
como una serie de temas descartados de Kid A.

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Los cinco estrenos musicales de la semana que debes escuchar

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Esta semana los estrenos latinoamericanos tomaron gran relevancia, además de psicodelia, regresos en el hip hop y el jazz canadiense dieron mucho para escuchar toda esta semana. Pero vamos por partes.

Dime Precioso de Alex Anwandter

El chileno nos ofreció hace apenas unos meses El Diablo en el Cuerpo (2023), uno de los mejores discos del año pasado y que puso en alto el talento de los artistas sudamericanos en el mundo. Ahora con Dime Precioso (2024) Anwandter se sumerge en el house de los 90s.

Frog in Boiling Water de DIIV

Los aliens neoyorquinos están de regreso con este LP que es directamente una metáfora del colapso de la sociedad contemporánea, algo así como una crítica al capitalismo, definiéndonos como la etapa más abrupta de ese proceso donde todo está por terminar de golpe.

GRASA de Nathy Peluso

Nathy ha cimentado uno de los proyectos más interesantes e irreverentes de Argentina durante los últimos años; GRASA (2024) es un paso más en este camino donde la artista se deja llevar sobre el rap, ritmos tropicales y hasta baladas, mostrando, líricamente, su momento más personal.

Dark Times de Vince Staples

Dándose una despedida de Def Jam Recordings, Vince estrenó este nuevo material. El material ejemplifica y condena la segregación racial que ha vivido el artista y toda la comunidad afroamericana: “Soy negro, y por ser negro tenemos nuestras cosas que podrían matarnos”.

https://www.youtube.com/watch?v=sdUw60y7Nk8}

Mid Spiral Chaos de BADBADNOTGOOD

Si bien BADBADNOTGOOD ha sido capaz de crear un estilo único que lo define, éste siempre termina siendo compartido con otras voces y producciones al tratarse de colaboraciones. Este nuevo EP, el trío presenta la esencia más pura de su ser al mostrar un jazz visceral, limpio y más que honesto a través de la instrumentalización.

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WARP Presenta Entrevista con Apocalyptica: cerrando un círculo místico con Metallica

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Esta es una entrevista cargada de sentimiento, memorias y perseverancia. Han pasado más de 30 años desde que Apocalyptica se formó y como toda nueva banda tenían un sueño y una banda a quien miraban como referente. Tocar covers de Metallica los puso en el mapa mundial y hoy ese círculo se cierra de manera increíble, logrando que James Hetfield, Rob Trujillo y Cliff Burton (en espíritu) colaboren en su nuevo álbum ‘Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2’.

Apocalyptica nunca ha traicionado su espíritu y mejor aún, han innovado con los años, añadiendo baterías, cantantes e incluso guitarras para seguir desarrollando un sonido cuando sea necesario y llenando sus composiciones al siguiente nivel.

Actualmente siguen siendo un referente del metal global, y siguen celebrando grandes shows alrededor del mundo con una base de fans que se ha mantenido leales y constantes y que siempre responden a un nuevo llamado.

Y este nuevo llamado es realmente especial, ya que cierran un circulo desde donde todo comenzó, logrando que el mismísimo James Hetfield, Rob Trujillo y una colaboración espiritual con el fallecido Cliff Burton, cobren vida y sea una realidad que ha dejado contentos a todos los fans.

Es una etapa de ensueño para la banda y platicamos acerca de ello con el gran Perttu Kivilaakso, en done también nos contó por su gran amor por la Ciudad de México en donde han hecho giras sold out.

Felicidades por el nuevo disco, ¿qué tan difícil fue escoger las canciones que formarían parte de Apocalyptica Plays Metallica Vol. 2 y como fue el proceso?

“Perttu: Todo sucedió hace como un año de que empezamos a platicar sobre este proyecto, aunque en realidad el proyecto como tal ha estado durante muchos años en nuestra mente, sobre todo porque aún existía una gran cantidad de canciones que no habíamos tocado.

Personalmente “Blackened” fue la primera canción que escuché de Metallica y me enamoré de ella para siempre, y desde que tenemos Apocalyptica soñé con algún día hacer una versión de ese tema.

Y ahora solo se sintió el momento perfecto, hemos estado de gira desde hace dos años y queremos seguir en ese ambiente, y pensamos en este disco que fue grabado en Los Ángeles, y nos tomó aproximadamente 3 meses, como de julio a septiembre y la producción estuvo a cargo de Joe Barresi, un excelente productor con el que ya hemos trabajado, tiene una mente muy creativa y es excelente descubriendo sonidos.

Volviendo al disco otra canción que era muy obvia es “Ride The Lightning” pero amo muchas canciones y hay muchos hits que tienen y que yo recuerdo siempre escucharlos de joven, y para esa selección escuché todos sus discos y para mi fu un viaje al pasado muy importante, despertaron varias memorias lindas en mí.

Yo siempre fui muy apasionado por la música y eso sigue existiendo en Apocalyptica, aun tenemos es pasión de seguir tocando canciones, así que es interesante porque tenemos esa pasión de la adolescencia, pero ahora en este disco hemos puesto todo lo que hemos aprendido durante todos estos años, la producción, la estructura y un sonido más distintivo, como usar los chelos y las posibilidades son infinitas. Todo fue más maduro.”

En el disco hay grandes colaboraciones y me gustaría empezar por la de Rob Trujillo en “The Four Horsemen”, es una bestia que domina su instrumento en el mejor de los sentidos. ¿Cómo fue el acercamiento con él y por qué escogieron esa canción en especial?

Perttu: Rob es uno de los mejores bajistas que han existido, su aporte a Metallica es muy grande y como persona es un fantástico ser humano, muy simpático y muy amable.

Básicamente queríamos que Metallica también se involucrara y fuera parte de esto a diferencia del pasado, que solamente trabajábamos en las canciones solos, esta vez nos acercamos a ellos para preguntarles si estaban interesados y la respuesta fue positiva.

Y entre esas conversaciones Rob sugirió que si en algún momento necesitábamos el sonido de un bajo el estaba más que contento de aportar y para nosotros fue un honor, nos voló la cabeza el solo hecho de pensar que alguien de Metallica trabaje con nosotros, y que venga al estudio y que haga su magia es indescriptible.  

“The Four Horsemen” era perfecta para el estilo de Rob y siempre he creído que los bajistas en la historia de Metallica han aportado mucho más que un simple acompañamiento, han aportado melodía y tácticas fenomenales, estamos muy contentos de que haya sucedido.”

Tienen otra colaboración mística y fantástica en “The Call of Ktulu” nada más y nada menos que con Cliff Burton en espíritu, evidentemente, lo cual se me hace un homenaje muy bello hacia su persona y hacia su legado, ¿cómo hicieron posible esta canción?

Perttu: Es alguna hermoso, me dan escalofríos cada vez que pienso en ello y la primera vez que escuché la canción terminada.

Nos mandaron un demo original de la canción que nos permitía trabajar y construir sobre las melodías de Cliff, sabes, dibujar nuestro mundo sobre ello, y sentirnos conectados, es una gran canción y como lo mencionas, tener esta experiencia en espíritu la verdad sí me hizo llorar un par de veces cuando estábamos terminando la canción.

Espero que también sea algo muy sentimental para los fans de Metallica y los nuestros y de todos los que siguen recordando a Cliff Burton, desde que se fue nunca lo he olvidado y su legado durará por siempre.

Esta es una experiencia que no olvidaré y es algo especial para todos que puedan escuchar de nuevo el bajo de Cliff en una canción y en una versión de Apocalyptica.”

Yo creo que sin duda los fans la van a amar, y es definitivamente la canción más espiritual de su nueva disco y por supuesto fue un detalle hermoso de su parte grabar esto. Y bueno, tenemos ya involucrados a Rob Trujillo y por otra parte a Cliff Burton y, por último, tenemos al legendario James Hetfield colaborando con ustedes, prestando su voz en una nueva versión del clásico “One”, que no solo es una de las mejores canciones de metal de la historia si no de la música en general, y esto definitivamente es un sueño para todos, y de cierta manera se cierra un círculo maravilloso para ustedes, ¿cómo pasó todo eso?

“‘One’ es una canción muy importante en mi vida, específicamente porque el ‘And Justice For All’ fue el primer disco que tuve de Metallica en mi vida, y por supuesto la primera vez que la escuché recuerdo haber perdido la cabeza, somo cuando sientes que estás escuchando la mejor música posible del mundo, era algo que jamás había escuchado antes.

Y por supuesto en 1998 ya habíamos hecho una versión de “One” pero siempre estuve repensando la idea de que debíamos llevar la canción a un punto cinematográfico, la canción en sí misma ya es así por sí sola, personalmente vienen muchas imágenes a mi mente cuando la escucho, para mí es música cinematográfica, y fue por eso que empecé a trabajar en una versión que fuera diferente a la de Metallica y a la nuestra que tuviera esos tintes épicos que un mundo como el cine te puede ofrecer.

La canción va creciendo cada vez más y más, y hay una gran orquestación al respecto e incluimos muchos sintetizadores, sonidos minimalistas cinematográficos y el sonido de explosiones, y este nuevo intro también fue pensando para llevarla al en vivo en un show, y al final quedó en una versión que dura casi 10 minutos.

Y eso no era todo, me parecía que el ingrediente final perfecto es que tuviéramos un narrador cinematográfico en la canción, que contará la historia sin necesariamente cantar, y es hí cuando pensamos en James Hetfield.

James siempre nos pareció el arquetipo ideal de músico con el que nos gustaría trabajar, es increíble en muchos sentidos, pero pensar que podría hacerse realidad era algo inimaginable.

Así que antes de tener esa posibilidad pensamos en muchas maneras de hacerlo, contemplamos tener a un actor/narrador con una gran voz que hiciera el trabajo y entre todo este proceso, James se enteró de lo que teníamos en mente y básicamente se acercó a nosotros, y literalmente nos dijo “hey, por qué no me lo han pedido a mí, creo que sería lo mejor” jajajaja.

Y fue algo mágico que James estuviera dispuesto a hacerlo, como lo mencionaste antes, es un sueño para nuestros fans y para nosotros, y evidentemente James tiene una voz increíble y sabe como usarla, tiene años de experiencia, incluso para esta parte del spoken word.

Definitivamente estamos orgullosos y espero que a la gente le encante la colaboración tanto como nos encantó a nosotros.”

Definitivamente, aparte el vídeo original fue muy impactante en su momento y cuenta una historia en particular, desde ese punto de vista, ¿cuál fue tu visión y manera de reinterpretar visualmente la canción para esta obra cinematográfica?

“Queríamos crear una historia pensada en un mundo apocalíptico en donde todo esta destruido pero al mismo tiempo que tuviera actores con una gran carga emocional, desde un punto humano, por ejemplo una de las protagonistas está en su casa esperando el regreso de alguien o esperando por algo, y por otro lado otro de los protagonistas nos lleva por tierras destruidas también quizás buscando vidas, o personas o su hogar,  pero el video no es así de claro, dejamos también un poco de misterio para que el espectador quede atrapado en esa experiencia.

Y por otro lado el vídeo también representa lo que es la guerra, que es algo salvaje, pero que al mismo tiempo todo ese escenario ya atmósfera te motiva a ir al límite para encontrar esperanza y la letra de “One” está construida para eso también, es perfecta.

Siempre hay un poco de luz cuando crees que todo está perdido, a mí en lo personal me encanta el cine de mundos apocalípticos, y curiosamente terminamos trabajando en el video de “One” con un tipo de Los Ángeles que ha hecho sonido para las películas de Marvel, así que fue una gran experiencia estar en el estudio con esta persona, con la que no estamos acostumbrados, fue algo de lo que aprendí mucho, en la parte creativa fue un desafío grandioso.

Y aunque al principio no se tenían planes de sacar un video esta era una oportunidad que no podíamos dejar pasar, tener a James y regalarnos una experiencia de esta magnitud tenía que suceder.”

Y hablando de fans, aquí en México tienen un sequito muy fiel y pasional y que se renueva cada que vienen, y la última vez tuvieron un tour prácticamente sold out por distintos estados, ¿cómo se sienten respecto a eso y cómo describirían esta relación que existe entre México y Apocalyptica a través de todos estos años?

“Es de lo mejor, a mí me encanta, la relación ha sido la mejor desde nuestros inicios, incluso México fue el primer país al que fuimos a tocar fuera de Finlandia y Alemania, nos abrieron las puertas de una manera muy hermosa y significativa y siempre nos encanta ir a tocar.

El último tour fue increíble, tocamos 15 conciertos por todo México, y sin duda puedo decirte que ha sido uno de los mejores tours que hemos tenido en nuestra carrera, porque por primera vez tocamos en ciudades a las que no habíamos ido antes fuera de la Ciudad de México, como Guadalajara y Monterrey, y todo es espectacular, nos encanta la comida, nos encanta el paisaje, es uno de los lugares más hermosos que existen, espero que podamos ir pronto ahora con este nuevo disco, me muero de ganas.

Estamos pensando en hacer una presentación especial en el Auditorio Nacional, aunque no es seguro, pero sé que estamos trabajando en ello apara poder lograrlo, ya sea ahí o en algún otro lugar porque ¡México es lo mejor!”

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Sonidos del Futuro: Swaggerboyz, trap disruptivo con identidad zenteniall

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Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música. En esta entrega: Swaggerboyz.

Si hay algo que caracterice a la generación Z es su apego a los estímulos digitales, y no es por nada, pues muchos de los que nacimos después del año 2000 crecimos y hasta nos criamos de alguna forma con todo lo que teníamos al alcance de un clic. Esto no solo habla de una generación dependiente a la conectividad, sino también a un momento en la historia humana donde la identidad se ha regido en torno a estándares creados dentro de las sociedades digitales.

Hay quienes plasman esta identidad “zenteniall” a través de memes, maneras de conversar, formas de vida más concordantes con la poca preocupación y otros más que lo plasman en el arte. Y es el arte de los artistas zenteniall puede ser muy variado, al igual que toda la información que la generación procesa en su día a día en internet.

Existe un caso particular en la zona emergente argentina, pues dos chicos, Stiffy y Agusfortnite2008 (ese es su nombre artístico) rompen las barreras del trap convencional que se viene haciendo en su país para darle un sello distintivo con un único lema vigente: La diversión.

Música de ascensor

Swaggerboyz es un proyecto conjunto de los ya mencionados Agusfortnite2008 y Stiffy, dos jóvenes que trascienden el trap en una materia sonora más disruptiva y que realmente no sigue ninguna regla del género.

Con bases instrumentales cargadas de referencias a la cultura zenteniall, memes y lenguaje que solo existe en los canales digitales, Swaggerboyz crearon un universo tan peculiar como extraño en sí mismo, que ha causado el repudio como la admiración de muchos internautas. Y digo “internautas” porque este tipo de proyectos no podrían darse a conocer en otro lado por la naturaleza conceptual del propio proyecto.

Sean buenos o malos, porque aquí no estamos para definir eso, Swaggerboyz es la nueva forma de crear un trap saturado, enérgico y potente que, seguramente a modo de meme, conecta con una audiencia joven que solamente quiere alocarse y disfrutar del momento, y qué mejor que con un proyecto que “peca” de ser “fácil” material de consumo para los jóvenes más arraigados a la identidad digital.

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