Día a día la industria musical nos ofrece un puñado de nuevas propuestas musicales, sencillos, discos , giras y una decena infinita de opciones, lo que aveces hace difícil seguirle la pista a cada uno de ellos. Sin embargo la relevancia de cada uno de estos se adquiere la mayor parte de las veces con sus primero éxitos o canciones que los llevaron a obtener una fama o reconocimiento mundial, uno de estos artistas es Hozier, que con tan solo 34 años de edad ha obtenido un reconocimiento mundial en buena parte del globo, incluyendo México, uno de los países latinoamericanos en donde el artista tiene más seguidores.

El cantante y compositor irlandés recientemente comenzó una gira mundial que lo ha llevado a Suiza, Bélgica, Estados Unidos, Austria, España, Reino Unido y por supuesto México, en donde presento los temas de su más reciente producción Unreal Unearth (2023) y además se dio tiempo para conversar entorno a esta nueva gira y su más reciente producción discográfica.

Un mundo irreal

Es un gusto poder saludarte Hozier, estamos a un día del par de presentaciones que ofrecerás en la ciudad de México, en el Pepsi Center para ser exactos, es un placer tenerte con nosotros y hablar de todos estos nuevos proyectos y la creatividad entorno a ello. ¿ como va todo para ti este año?

Demasiado bien, contento de estar de regreso en la Ciudad de México, para tocar mi primer show en algunos años aquí, tu sabes después de la pandemia todo se detuvo, por ende tuve que hacer una pausa en mi gira y reanudamos hace poco, sobretodo en países donde tenía un largo tiempo sin tocar.

Felicidades por el lanzamiento de tu más reciente álbum Unreal Unearth (2023). Un material muy diferente en comparación a los anteriores. Está vez decidiste tomar la inspiración del infierno de Dante, el cual es una de las tres primera cánticas de la Divina comedia del poeta florentino Dante Alighieri, ¿cierto? Podrías contarnos al respecto…

Claro…. comencé a escribir a inicios de la pandemia , durante esa fecha leía demasiada poesía la mayor parte del tiempo, el infierno de Dante era uno de esos poemas que solía leer, en ello se habla de circunstancias peculiares, dificultades y ciertos personajes que van cobrando sentido a medida que el texto avanza, además de retos que son asignados a cada uno de ellos. Decidí construir este álbum alrededor de los nueve círculos del infierno que son mencionados en el texto y así iniciar este nuevo trabajo.

Detrás de Unreal Unearth….

Unreal Unearth (2023) es en definitiva un álbum muy diferente a los anteriores, debido que a abordas sonidos y temáticas distintas a las que tus fans y seguidores están acostumbrados. Cada canción es muy diferente, ya que contiene elementos musicales muy particulares.¿Cómo lo mantuviste de esta manera track por track ?

Cada canción en este nuevo disco la hice separando las identidades y sonidos dentro de cada una de ellas, enfocándome en lo que cada melodía necesitaba, pero además utilice la estructura de los círculos otorgando diferentes sonidos a ellos también, distinguiendo la forma de estos.Me dije son diferentes cosas así que quiero explorar los diferentes sonidos y listo llegue al resultado final, fue un gran trabajo y dedicación pero lo logré.

¿ Cómo surgió esa idea de integrar al disco estos cantos en gaélico irlandés ?

Hace unos años estuve pasando un tiempo en mi casa de Irlanda y estuve rodeado por diversos sonidos , con la idea de verme envejecer y experimentando diversas experiencias de vida. Así que pensé que sería hermoso incorporar esta líricas, no solo escribiéndolas si no dándolas a conocer en mis presentaciones en vivo alrededor del mundo, de está manera la gente sabría que existe, es hermoso.

Como lo mencionas comenzaste este proceso durante la pandemia. ¿ Cómo le abriste paso a toda esa creatividad que nos comentas, fue complicado para ti?

Claro que si… debido a que tan rápido comienza y fluye toda esa creatividad, de la misma forma se puede ir o poner en pausa. En esa época debido a la pandemia nada pasaba alrededor, no había influencias, no reuniones, no te encontrabas con personas, sin experiencias en nuevas cosas, todo se detuvo, lo que detiene al cerebro. Es nuestro músculo que debemos alimentar de diferentes cosas y experiencias.

Fue todo un reto debido a que estas acostumbrado a trabajar con diferentes personas, hubo momentos buenos y no tan buenos, debes invitar a la creatividad para que regrese de nueva cuenta a tu entorno.

¡Desafíos musicales!

Recuerdo aún tus inicios, la forma en que presentabas tu primer producción alrededor del mundo y tus primeros videos musicales transmitidos en la televisión. Tomando como referencia estos años de gran trabajo y desarrollo musical ¿ cuál consideras que ha sido tu mayor reto dentro de tu trabajo ..creando música ?

Creo que el principal desafío es decidir qué vale la pena escribir (tal vez sea una pregunta tonta, pero) si voy a plasmar palabras en un papel o palabras en un disco y qué me parece que vale la pena compartir. La vida puede parecer ruidosa a veces, el mundo puede parecer muy ruidoso, así que si fuera a agregarle más ruido… ¿qué querría agregar? Y esa es la pregunta más difícil.

Relacionado a esta pregunta ¿ Que es lo más hermoso o importante que aprendiste en estos años de trayectoria musical, desde los inicios de tu carrera hasta hoy?

¡Vaya! Dame dos segundos para pensarlo… es una interesante y a la vez complicada pregunta. Aprendí a esperar menos del mundo. Al final del día tenemos que estar presentes en el momento, no llevar cargas, ni preocuparnos por todo en nuestro entorno.

Esta semana tienes dos shows muy importantes en el Pepsi Center de la ciudad, tus fans están muy emocionados por esto. ¿ Cómo es la experiencia de tocar en diferentes lugares de alrededor del mundo y que es lo que más valoras de ello?

La primera vez que visite México me quede sorprendido, debido a que son una de las mejores audiencias que he tenido, lo digo enserio. Tienen una energía increíble, es difícil de describir pero yo adoro todo este tipo de audiencias, tienen algunas similitudes con la audiencia de Irlanda, definitivamente lo amo.

Además amo traer nueva música a todos los lugares, mostrarles una parte de mi.Gracias a mis fans mexicanos por todo este apoyo, estoy emocionado por regresar.

Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: destacamos diversos compositores de bandas sonoras que han dejado un extenso e interminable legado.

Es difícil imaginar cómo serían las obras más significativas del cine sin las bandas sonoras que las acompañan. ¿Habrían sido tan aclamadas? ¿Serían las obras notables y respetadas que se conocen? La respuesta corta es que probablemente no. El uso de la música en el cine puede ser primordial para el producto final y, en algunos casos, puede ser incluso más memorable que los aspectos visuales.

Existen títulos de películas en las que irremediablemente pensamos y al mismo tiempo escuchamos, sin duda la resonancia de la música en el cine es sumamente poderosa. Algunas podrían ser: Lawrence de Ara­bia (Maurice Jarre), El Rey León, Gladiador, Interestelar (Hans Zimmer), La pantera rosa (Henry Mancini), El bue­no, el feo y el malo (Ennio Morricone), El Padrino (Nino Rota), Memorias de África (John Ba­rry), Jurassic Park (Michael Giacchino), La misión (Ennio Morri­co­ne), Cinema Paradiso (Ennio y An­drea Morricone) o Amélie (Yann Tiersen), bandas sonoras que incluso han formado par­te importante de nuestras vidas.

La premisa principal de las bandas sonoras, quizá se centre en crear un viaje emocional a través de los diversos universos cinematográficos que nos han cautivado y emocionado a lo largo de los años. Poniendo con Zimmer un gran ejemplo, desde “El Rey León” hasta la atmósfera electrizante de “Origen”, pasando por los poderosos ritmos de “Gladiator” y los apasionados solos de violín de “Sherlock Holmes”, o el eco del desierto de Arrakis que nos transporta a “Dune”.

A lo largo de los años, ha habido numerosas partituras que evocan una conexión emocional tan fuerte que se han convertido en iconos culturales. Pensemos, por ejemplo, en Tiburón , de Spielberg, la película que hizo que la gente tuviera pavor a meterse en el océano, o en cualquier masa de agua, al imaginar a un tiburón deslizándose por las oscuras profundidades. El “James Bond Theme” de John Barry es otro ejemplo clásico. Es un arreglo que puede hacer que cualquiera se sienta como un agente secreto, enfundado en un esmoquin con un arma oculta y un supercoche, sólo con oír ese trino orquestal.

Cinema Paradiso, al fundirse en ese guion con Ennio Morricone quien llegó a convertirse en uno de los compositores más populares de la historia del cine; naciendo de él le convirtió en uno de los más influyentes de nuestra época, marcando a muchas generaciones. El ganador de dos Oscar, fallecido en Roma en el 2020 a los 91 años, fue un compositor y arreglista de música que ayudó a definir tal cual cómo suena ir al cine, cómo suena el cine.

A los 11 años, empezó a actuar en espectáculos de variedades y a sustituir a su padre cuando éste no estaba en condiciones de tocar. La película recorre su evolución pre-cinematográfica de joven, tocando la trompeta en el conservatorio, orquestas de cine, bandas militares, espectáculos de variedades y conjuntos experimentales como el Grupo de Improvisación Nuova Consonanza, especializado en “sonidos traumáticos”.

El empleo por Morricone de lo experimental como medio para “redimir” lo accesible caracterizaría gran parte de la música que haría en el medio siglo siguiente. Pero también se hizo famoso por su artesanía compositiva y su inventiva: su habilidad para adornar una canción pop con inesperados hilos de contrapunto.

Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel. En la entrega del día de hoy: ‘Waveform Transmission Vol. 1’ de Jeff Mills.

Hay discos destinados a la grandeza que se crean desde un punto que jamás nadie había hecho, discos que desafían las frecuencias establecidas de un género y discos que parecen sacados de un universo alterno, todo eso es ‘Waveform Transmission Vol. 1’ de Jeff Mills.

Jeff Mills y su visión del futuro

Jeff Mills no necesita presentación alguna, pero nunca está de más recordárselo a las nuevas generaciones, que “The Wizard” (El Mago), es el productor más influyente de la generación pionera de la música techno. Sus ideas y sus sonidos aun siguen creando un alto impacto en la música actual.

El álbum fue lanzado originalmente en 1994 y sin duda alguna fue un punto de inflexión en el viaje musical de Mills gracias a sus disruptivas experimentaciones con los diferentes tipos de formas de sonido que habitaban en su mente y visión y sobre todo lo que sucedería en el futuro. Jeff siempre ha estado un paso adelante.

‘Waveform Transmission Vol. 1’ de alguna manera lleva al siguiente nivel ese techno duro y potente para combinarse con sonidos más alucinantes y desafiantes que pueden hacerte imaginar realidades infinitas dentro de un ecosistema musical emocionante.

Futurismo y resistencia

Jeff Mills siempre ha sido un productor revolucionario y rebelde, un futurista impecable que es capaz de crear un nuevo portal de alto valor para el desarrollo de la música, y eso quizás hace que suena más a un trabajo de resistencia que a un disco para disfrutar, lo cual está bien, es un trabajo arriesgado pero el tiempo le ha dado la razón una vez más, esos sonidos dominaron los grandes clubes durante años posteriores e incluso los grandes DJs del presente siguen rindiendo tributo al trabajo de Mills.

Jeff nos lleva por un viaje casi indescriptible, distorsionado y alienígena, con esa parte análoga en la que Jeff siempre encuentra confort y un modo de expresión inigualable, para muchos clavados creo que una gran definición perfecta sería referirnos a este disco como un híbrido de potencia rave techno mutante. Cada track es una consigna gratificante para el amante del género y que viene de uno de los padres más grandes que nos ha dado Detroit.

Una obra de culto

‘Waveform Transmission Vol. 1’ cumple con todos los requisitos de una obra de culto, es artístico, experimental y expresionista, y también está lleno de emociones, por momentos puede ser alucinante, tenso y descomunal.

El gran acierto de Mills en esta obra maestra fue la creación de indistintos circuitos en descomposición que se conectan entre sí para ofrecer una coherencia y un mensaje cuyos pensamientos intrusivos te abren la mente hacia una nueva revolución musical.

‘Waveform Transmission Vol. 1’ es una obra de exploración absorbente con grandes tintes inducidos a la ciencia ficción como toda la obra en general que ha producido Mills.

Es un disco que siempre será relevante, lo que significa que es probable siga siendo valorado por muchos y descubierto por otros, y definitivamente sí eres de los segundos, es el mejor momento para esta nueva exploración maravillosamente extraña de uno de los géneros más importantes de nuestra historia.