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Cine y Series

Lo mejor del Festival de Cine de Venecia 2023

Más allá de la lista de ganadoras, que siempre vale la pena revisar, muchas de las películas fuera de competencia han llamado la atención del público y la prensa especializada.

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Se llevó a cabo la edición 80 del Festival Internacional de Cine de Venecia, con la sombra del la huelga del sindicato de actores. Lo que marcó la ausencia y la cancelación de estrellas como Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Michael Fassbender, Zendaya y Penélope Cruz. Además de la polémica por la presentación de los nuevos proyectos de los directores Woody Allen, Luc Besson y Roman Polansky.

Ante la ausencia de Zendaya y sus coprotagonistas, Warner Bros. decidió cancelar la proyección del drama-deportivo Challengers de Luca Guadagnino. Que estaba programada para inaugurar el Festival. Cambiándola por Comandante de Edoardo De Angelis.

Sin embargo, a pesar de las grandes ausencias, el Festival no ha dejado de brillar dejándonos un gran número de proyectos que podrían trascender en las cartelera en los próximos meses (algunas en streaming). Que van desde Memory del mexicano Michel Franco, pasando por Ferrari de Michael Mann, hasta The Killer de David Fincher. He incluso el proyecto de Coup the Chance de Woody Allen, que a pesar de las protestas ha generado del lado cinematográfico comentarios muy positivos.

Más allá de la lista de ganadoras, que siempre vale la pena revisar, muchas de las películas fuera de competencia han llamado la atención del público y la prensa especializada. Sin pasar por alto que varios de esos proyectos son producidos y/o distribuidos por Netflix.

A continuación daremos un recorrido por algunas de las películas más destacadas del Festival.

Ferrari

Al parecer Adam Driver aún siguen el a búsqueda del Óscar, después de dos nominaciones. Con está película de Michael Mann (Heat, 1995), el actor se muestra como un posible candidato a recibir reconocimientos en la próxima temporada de premios.

En una de las pocas funciones que contó con actores, Adam recibió una ovación de seis minutos por su interpretación de Enzo Ferrari, el empresario y piloto fundador de la Scuderia Ferrari.

Ferrari marca el regreso a la pantalla grande Michael Mann, después de 8 años de ausencia. Un proyecto pasional del director que lleva en desarrollo casi dos décadas. Una biopic marcada por el triángulo amoroso entre Enzo, su esposa Laura Ferrari (Penélope Cruz), su amante Lina Lardi (Shailene Woodley) y su relación con los hijos que tuvo con ambas.

El filme se aleja de su estética tradicional del cineasta, aficionado al video de los 90 y es más cercana al cine clásico. A pesar de ser un drama familiar la película fue apreciada también por el desarrollo de las carreras.

El actor Patrick Dempsey también asistió a la premiere, mientras que Penélope Cruz decidió cancelar su participación. A pesar de ello la prensa destacó su actuación, incluso por encima de la de Driver.

Una curiosidad del filme es que el guion fue co-escrito por Troy Kennedy Martin (The Italian Job, 1963), quien falleciera en 2009.

Poor Things

El realizador griego Yorgos Lanthimos, quien en años pasados obtuvo prestigio por sus filmes The Lobster (2015), The Killing of a Sacred Deer (2017) y The Favourite (2018), presentó su más reciente proyecto, Poor Things.

Lanthimos trae de vuelta a Emma Stone (con quien trabajó en The Favourite) con esta adaptación del libro de Alasdair Gray del mismo nombre. Trabajando nuevamente con el guionista Tony McNamara para la adaptación. En lo que puede clasificarse como una fábula fantástica de terror, pero con el humor que caracteriza a Lanthimos.

Emma Stone, a pesar de su ausencia generó críticas muy positivas por su actuación como protagonista. Con un extrañísimo personaje que bien podría darle su segundo Óscar, acompañada de los actores Willem Dafoe y Mark Ruffalo.

La historia es una especie de Frankenstein moderno, que cuenta la evolución de Bella Baxter (Stone), una joven devuelta a la vida por el científico Godwin Baxter (Dafoe). El filme ha llamado también la atención por su gran carga sexual.

Poor Things obtuvo el León de Oro a mejor película y ha sido calificada como el mejor trabajo de Yorgos, en una ya destacada carrera.

Maestro

Este es el segundo filme en la silla del actor-director Bradley Cooper. Quien ya recibió atención internacional por su ópera prima, el remake de A Star Is Born (2018) con Lady Gaga. Pero no contó en su estreno con Cooper por la huelga de actores.

El filme es una biopic del compositor, músico y director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein. Quien compusiera la banda sonora de “West Side Story” y tuvo un vida amorosa complicada, que es rescatada en el filme.

Maestro sigue la relación de Bernstein (Cooper) con su esposa, la actriz Felicia Montealegre (Carey Mulligan). El matrimonio entre el compositor y su cónyuge a lo largo de los años se vio marcada por las constantes relaciones extramaritales de este con hombres.

Bernstein fue el primer gran director de orquesta de la música norteamericana. Cooper se hizo de los derechos de la historia de Maestro sobre las vacas sagradas de Steven Spielberg y Martin Scoresese. Pero estos eventualmente se convirtieron en productores del proyecto, que será estrenado en Netflix.

Se destacó la cinematografía de Matthew Libatique, que es el fotógrafo de cabecera de Darren Aronosfsky. Y el guion del mismo Cooper con Josh Singer (Spotlight, 2015).

Como en su filme anterior, en realidad el protagónico recae en la parte femenina. Retratando 25 años de matrimonio a través de las reacciones de Felicia. Quién aguanta tanto la genialidad como las infidelidades de su marido.

The Killer

El más reciente filme de David Fincher para Netflix, The Killer, reúne nuevamente al cineasta con el guionista de Seven (1995), Andrew Kevin Walker.

Con la ausencia de su protagonista, Michael Fassbender, Fincher presentó su filme. Que es descrita como película de acción, con imágenes brutales, sangrienta e hipnotizante. Destacado el estilo silencioso de Fassbender como El asesino.

Fincher comentó con respecto a la huelga de actores:

“Estoy muy triste. Obviamente me siento en el medio de ambas partes. Quiero decir, esta película se hizo durante la pandemia. Y, sabe, no quiero volver a tener que volver a hacer una película a través de una visera de protección. Dicho esto, acabamos de terminar tres años de trabajo en los que hubo un parón y seguimos adelante”.

The Killer cuenta la historia de un asesino profesional que después de un incidente es perseguido por sus empleadores. Recibió críticas mixtas, algunos la han valorado por su velocidad y su estilo, mientras que otros la describen como una obra menor del cineasta. Aunque ambas la destacan por su sencillez y estilo.

Priscilla

La nueva película de Sofia Coppola es una biopic de Priscilla Beaulieu, conocida en muchos círculos por su trabajo como actriz, pero principalmente como la esposa de Elvis Presley. A los 14 años Priscilla comenzó una relación con “El Rey”, para casarse con él con 22 años.

Sofia adapta el guión del libro Elvis and Me, escrito por Sandra Harmon y la misma Priscilla. Quién asistió a Venecia para la premiere, donde el filme obtuvo una ovación de 7 minutos.

Priscilla recibió críticas mixtas, pero destaca que se habla de un filme que empieza con un toque sensual, para convertirse en un drama oscuro, con una estética también obscura, centrado en la violencia doméstica. El retrato negativo de Elvis no ha sentado bien a todos.

La actriz Cailee Spaeny obtuvo la Copa Volpi como mejor actriz en el Festival.

Hit Man

El director Richard Linklater, famoso por la Boyhood (2014) y la trilogía de Before (1995, 2004, 2013), presentó su más reciente filme Hit Man. Protagonizado por Glen Powell (Top Gun: Maverick, 2022) y Adria Arjona (Morbius, 2022).

La película se presenta como la gran sorpresa del Festival. Donde han destacado los dramas y las películas oscuras o bizarras, Linklater da la nota con una comedia. Refiriéndose a ella como su mejor película en 10 años (¿será?).

El filme cuenta la historia de un profesor de filosofía (Glen Powell) que en su tiempo libre ayuda al FBI ha realizar escuchas. Basándose muy libremente en la historia de Gary Johnson, quien por azares del destino tiene hacerse pasar por un asesino a sueldo. Para detener a la gente común interesada en contratar un sicario. Hasta que encuentra a una mujer (Adria Arjona) que quiere matar a su esposo, por abuso doméstico.

Destaca que la prensa especializada la describe como una comedia negra-romántica, extremadamente divertida.

El Conde

El realizador chileno Pablo Larraín ganó el premio a mejor guion compartido con Guillermo Calderón, por este filme. Larraín recientemente obtuvo notoriedad internacional por sus películas Spencer (2021) y la biopic que le dio el Óscar a Natalie Portman, Jackie (2016). Dos películas biográficas que se caracterizaron por no ser tradicionales.

Con El Conde, Pablo retrata al dictador Augusto Pinochet, pero desde el punto de vista de las películas de terror. El realizador como chileno de alguna forma se venga de Pinochet retratándolo como un chupa sangre de 250 años, que ya era vampiro antes de ser dictador. En un cuento de terror gótico.

El actor Jaime Vadell encarna a Pinochet en una sátira, que cuenta con estética del terror clásico en blanco y negro, con tintes del expresionismo alemán. A lo que contribuyó Edward Lachman, el fotógrafo de cabecera de Todd Haynes (Carol, 2015).

El filme es otra apuesta de Netflix

Coupe de Chance

Más allá de la controversia y las muestras de protesta, Woody Allen es innegablemente un realizador extraordinario.

Coupe de Chance en las propias palabras del realizador neoyorkino podría ser su última película. Un largometraje rodado en Paris, hablada en francés y con actores franceses. Un homenaje al cine de ese país, que combina la comedia, el cine romántico y el thriller.

El filme muestra influencia principalmente de dos películas del mismo realizador, Match Point (2005) e Irrational Man (2015). Si bien es cierto que el estilo de Allen tiende a la repetición, se habla de que este puede ser el mejor filme del realizador de los últimos 10 años.

La película sigue a Fanny (Lou de Laâge), una joven mujer casada con el empresario Alain (Niels Schneider). Quién es feliz de vivir la vida de una mujer trofeo, hasta que un día se encuentra con un excompañero de escuela, Jean (Melvil Poupaud). Cuando Jean le confiesa que estaba enamorado de ella en el colegio comienza un affair, que terminará en un suceso criminal.

El consenso general es que se asemeja a Match Point, pero con un tono más ligero y tirado a la comedia.

La sociedad de la nieve

Del realizador catalán J. A. Bayona, La sociedad de la nieve retrata el accidente aéreo de los del equipo un equipo de Rugby en los Andes en los años 70. Quienes sobrevivieron más de 70 días en una cordillera en condiciones extremas y a temperaturas bajo cero.

El incidente ya ha sido retratado en diversas ocasiones en el cine y popularmente se les conoce los supervivientes de los Andes.

Este filme clausuró el festival Venecia con esta una nueva interpretación de los sucesos que lleva el nombre del libro escrito por Pablo Vierci. Una historia inspiradora, pero también escalofriante, ya que para sobrevivir los pasajeros tuvieron que recurrir a la antropofagia.

Después de realizar Jurassic World (2018) y dos episodios de The Lord of the Rings: The Rings of Power, Bayona se arriesga a contar una historia muy conocida. Sorprendiendo por su estética, el drama humano y la dedicación a los detalles.

The Wonderful Story of Henry Sugar

Un medio metraje de Wes Anderson protagonizado por Benedict Cumberbatch. Esta película de 40 minutos sorprende por ser el segundo proyecto que el cineasta presenta en el año y cosecho críticas positivas.

La película esta basada en un cuento de Roald Dahl, y promete ser la primera de cuatro adaptaciones que el realizador realizara para Netflix.

La historia se centra en Henry Sugar, un hombre rico que descubre un táctica para hacer trampa en las apuestas.

Además de contar con Cumberbach, el reparto cuenta con Dev Patel, Ben Kingsley, Rupert Friend, Richard Ayoade y Ralph Fiennes.

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Francis Ford Coppola estrenará ‘Megalopolis’ en Cannes aún sin tener distribuidora para su película

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‘Megalopolis’ de Francis Ford Coppola se estrenará en competición en el Festival de Cine de Cannes el viernes 17 de mayo de 2024, y será el regreso de Coppola al festival después de que ganara la Palma de Oro con Apocalypse Now hace casi 45 años.

Lamentablemente no todas son buenas noticias para el legendario director, pues Coppola no encuentra quien la compre su nuevo filme, las grandes distribuidoras creen que es una película demasiado experimental para gastarse 100 millones en ella y que difícilmente recuperarían lo invertido, por lo cual el desafío de encontrar una distribuidora oficial sigue siendo muy grande.

El propio Coppola fue quien terminó financiando la película con su propio dinero y ahorros, con un presupuesto que supera los 120 millones de dólares, obtenidos en gran parte a su empresa de vinos. Es increíble que en 2024 nadie quiera apostar por una película de Francis Ford Coppola pese a ser uno de los mejores directores de la historia y el legado que ha plasmado en el séptimo arte. 

Megalopolis se centra en la destrucción de una sociedad utópica que lucha por adaptarse al futuro y su rodaje concluyó en marzo de 2023 y cuenta con un elenco excepcional que incluye a Adam Driver, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Laurence Fishburne, Chloe Fineman, Kathryn Hunter, Dustin Hoffman, D.B. Sweeney, Jason Schwartzman, Baily Ives, Grace Vanderwaal y James Remar.

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Adiós al primer actor Ernesto Gómez Cruz 

El actor adquirió fama y reconocimiento nacional e internacional gracias a su papel de Don Ru, en el multipremiado drama El callejón de los milagros (1995).

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Este fin de semana la Asociación Nacional de Actores (ANDA) dio a conocer el fallecimiento del actor Ernesto Gómez Cruz, a través de sus redes sociales el sábado 6 de abril. El actor contaba con 90 años y estaba retirado de la actuación por su padecimiento de Alzheimer.  

Con casi 200 créditos en la actuación es difícil creer que Ernesto era un hombre tímido. Originalmente estaba interesado en la música, pero su timidez lo llevó a abandonar este sueño.  

Originario de Veracruz, se mudó a la Ciudad de México para estudiar en el Instituto Nacional de Bellas Artes, donde estudió teatro. Ahí tuvo su gran oportunidad de participar en la clásica Los Caifanes (1967). Gracias a que el director Juan Ibáñez tenía la intención de combinar la experiencia de Enrique Álvarez Félix y Julissa con actores desconocidos.  

A lo largo de seis décadas de trayectoria trabajo con directores como Miguel Littin, Felipe Cazals, Alfonso Arau, Arturo Ripstein, José Estrada, Gustavo Alatriste y Luis Estrada.

En las primeras décadas de su carrera recibió reconocimientos por su participación en películas como La venida del rey Olmos (1975), Actas de Marusia (1976), Maten al león (1977), Cadena perpetua (1979), La víspera (1983), El imperio de la fortuna (1987) y Vagabunda (1994). 

El éxito

El actor adquirió fama y reconocimiento nacional e internacional gracias a su papel de Don Ru, en el multipremiado drama El callejón de los milagros (1995). Donde alterno con Salma Hayek, María Rojo, Bruno Bichir, Gina Morett y Juan Manuel Bernal. 

Después de este filme entró en la etapa más productiva de su carrera. Donde tuvo participaciones destacadas en La ley de Herodes (1999), El crimen del padre Amaro (2002), El Infierno (2010), Santos peregrinos (2004), La mexicana (2001) y Un mundo maravilloso (2006). 

Ernesto Gómez Cruz hizo teatro, televisión, cine y se movía con naturalidad entre la comedia y el drama. Su último trabajo fue en la telenovela Por amar sin ley en 2018.  

En redes sociales se pueden ver múltiples mensajes de cariño de sus compañeros actores entre los que destacan los de Alejandra Frausto, Roberto Sosa, Leticia Huijara, Vanessa Bauche y Regina Orozco.

Aun con fecha por definir el Instituto Nacional de Bellas Artes realizará un homenaje al actor en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes. De acuerdo con la información de su hija Martha Gómez Barrientos.

De acuerdo con información con personas cercanas al actor, Ernesto habría fallecido por complicaciones renales.

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Imágenes y Ruidos: el legado colaborativo, Greenwood, Yorke y Paul Thomas Anderson

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Paul Thomas Anderson

Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: te contamos el extenso legado colaborativo que nos han dado Thom Yorke, Greenwood y Paul Thomas Anderson.

Anderson desde luego ha sido un fan declarado de la emblemática y virtuosa banda británica, y justamente eso ha generado una alianza sumamente exitosa, quienes no hacen otra cosa más impulsarse así mismos y por supuesto satisfacer a los fans de ambos entes creativos. La historia comienza en el 2003, cuando Jonny Greenwood compuso el soundtrack para el documental “Bodysong”. Paul Thomas Anderson, en ese momento apenas un año antes había estrenado Punch Drunk Love, protagonizada por Adam Sandler, Greenwood vio la premiere del documental en el Festival de Rotterdam.

Para nadie es un secreto que la música siempre ha sido una parte fundamental en el proceso creativo del cineasta a la hora de dar forma a sus personajes y reforzarlos de un significado dramático más completo. Tal cual es el caso del guión de Magnolia mismo que se construye tomando como base las canciones que había escrito previamente la cantante Aimee Mann como Wise up, Save me y Driving Sideways que forman parte de la excelente banda sonora y que en la película toman un protagonismo fundamental.

Anderson pasó los siguientes años intentando escribir el guion de “There Will Be Blood”, que comenzó como una historia sobre dos familias en conflicto y fue evolucionando hacia una épica sobre la industria petrolera californiana. El film no convencía a las grandes productoras y pasó dos años intentando conseguir financiamiento. Anderson es un fan declarado de Radiohead (recientemente mencionó a In Rainbows y Kid A como sus discos favoritos) y se contactó con Jonny Greenwood para trabajar con él en la película.

El director estaba fascinado con “Popcorn Superhet Receiver”, una pieza orquestal que el multiinstrumentista de Radiohead había compuesto para la BBC. Greenwood tuvo dudas sobre si aceptar el trabajo o no, pero Anderson logró convencerlo, iniciando lo que Greenwood ha llamado un “bromance nauseoso”, y tres semanas después el tecladista se presentó con dos horas de música grabadas en los Estudios Abbey Road. Las composiciones fueron editadas hasta llegar al soundtrack final de treinta y tres minutos, que contenía elementos de “Popcorn” y “Convergence” (un track de Bodysong) así como elementos de la obra de Arvo Pärt y Johannes Brahms. Esto hizo que el soundtrack, considerado revolucionario y uno de los mejores de la década, no fuese elegible para los Oscars.

Las grandes carreras de estos artistas, de alguna manera, comienzan a converger, en una naturaleza artística inquieta y arriesgada, en constante evolución, en la búsqueda de una expresión propia, geunina y enriquecedora.

Hablando con Los Angeles Times, Greenwood explico: “Creo que no se trataba necesariamente solo sobre hacer música de época, que es lo que tradicionalmente se buscaría hacer. Pero debido a que eran sonidos de orquesta tradicionales, supongo que lo que esperábamos era un poco perturbador, incluso cuando sabes que todos los sonidos que estás escuchando vienen de tecnología muy antigua. Con una orquesta clásica se pueden hacer cosas que te perturban, que se sienten ligeramente mal, que tienen una suerte de corriente subyacente que es un poco siniestra”.

Si la relación ya estaba consolidada, se reforzaría con The Master, Inherent Vice, Junun y Phantom Thread, donde todos estos filmes de Thomas Anderson, recibieron sus respectivas bandas sonoras con la marca indeleble de Greenwood. Lo que ocasionó que en Agosto del 2014, Greenwood tocara dichas composiciones en conjunto con la London Contemporary Orquesta por primera vez. Y en 2018 debutó como nominado al Oscar, por su excelente soundtrack para Phantom Thread.

En Phantom Thread, Jonny no es solo la mente maestra detrás del sonido, sino que también es quien inspiró la historia desde un primer momento. Llegando a tiempos más contemporáneos, Paul Thomas Anderson dirige a Thom Yorke en el lisérgico video de Wall of Eyes, como otros muchos videos en los que también participó con Radiohead como en Daydreaming, ahora en este caso también se involucró con The Smile.

Paul Thomas Anderson había dirigido el cortometraje de Thom Yorke, Anima, el exquisito filme de 15 minutos coprotagonizada por Dajana Roncione, mismo que se estrenó en Netflix y en cines IMAX selectos en el 2021. En Anima, vemos una forma muy única de entender el cine de Anderson y una forma muy especial de entender la música de Yorke, donde se funden para crear una maravillosa articulación de ambos lenguajes. Sus sensibilidades personales convergen de forma perfecta en una oda poética audiovisual llena de belleza.

Cabe mencionar que dentro de todo este amplio catálogo musical de Anderson, también encontramos a Haim y Fiona Apple.

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