Steve Albini, el mítico productor de ‘Surfer Rosa’ de los Pixies e ‘In Utero’ de Nirvana entre otros grandes trabajos al lado de Nine Inch Nails, The Breeders, Mogwai, The Stooges, PJ Harvey y más, además de ser recordado por su trabajo disruptivo en  bandas como Big Black y Shellac, falleció de un paro cardiaco a los 61 años de edad.

Texto por Austero, banda que trabajó en la producción de su música con Steve Albini

El espíritu punk está compuesto principalmente por creencias como la no conformidad, el anti-autoritarismo, el anti-corporativismo, una ética de hazlo tú mismo, el anti-consumismo, la oposición a la avaricia corporativa, la acción directa y la negativa a “venderse”.

Así vivió Steve Albini. Ese camino del punk rock fue lo que nos llevó a Austero como banda a cumplir el sueño de grabar un disco de larga duración con Steve, en su estudio Electrical Audio en Chicago, IL.

Sabíamos el sonido que queríamos lograr, pero más allá del aspecto técnico, buscábamos esa manera de trabajar que lo hizo reconocido en el underground y en el mainstream. Formar un lazo con él a través de nuestra música, nos ha hecho sentir que siempre está ahí apoyándote como el amigo con el que sabes que puedes contar a pesar de no hablar todos los días.

Steve siempre ha sido un faro de autenticidad e integridad para nosotros. Su legado no se mide solo en álbumes de rock alternativo, sino en cada alma o persona que tocó con su compromiso inquebrantable de lograr el mejor sonido para una banda o artista. Es bien sabido que él mismo planeaba retirarse al momento que él sintiera que su oído ya no estaba al 100%.

Más allá de la música, Steve como ser humano es quién te deja las enseñanzas. Desde el momento en el que se presentó, lo hizo como si fuera un desconocido para nosotros. “Hola, soy Steve” y extendió la mano para saludarnos uno por uno.

Antes de eso, entre ansias, miedo y emoción llegamos a Electrical Audio sin saber cómo sería conocerlo en persona. Alguien a quién admiramos por su trabajo desde que éramos adolescentes gracias a su trabajo con The Jesus Lizard, Nirvana, Pixies, y más.

Llegando al lugar aproximadamente a medianoche nos recibe Gregoire Yeche, quién trabaja en el lugar e incluso reside en el estudio para estar como parte del staff con los músicos que optan por hospedarse en los dormitorios de Electrical Audio. Gregoire nos lleva a las habitaciones donde estaríamos pasando los siguientes 4 días.

Al darnos un ‘tour’ por el estudio, el cual podría considerarse un museo, pudimos ver cosas como posters, flyers, y memorabilia de bandas como Sonic Youth, Sleep, Shellac (banda más reciente de Steve), y muchas cosas más que te hacían sentir en la tierra prometida del underground. El refrigerador en el estudio está cubierto de notas de todas las bandas que han pisado el estudio. Incluyendo grandes como FUGAZI.

Steve era un hombre sencillo. Nunca se tomó en serio el papel de productor. Solamente se consideraba ingeniero de sonido y hacía el trabajo como lo haría un plomero en tu casa. Termina y se va. O al menos así es como él se describe a sí mismo. A pesar de esto, notamos que estaba emocionado con la música de Austero, y tuvo participación en varias decisiones que se tomaron con algunas de las canciones, y también recomendó el equipo e instrumentos a utilizar.

Para grabar la guitarra, él mismo nos dio su instrumento que utilizaba en Shellac. La batería fue la misma utilizada por Bush al grabar su álbum icónico “Razorblade Suitcase” y al final nos recomendó el arma secreta: la guitarra Veleno utilizada por el mismo Kurt Cobain en las sesiones de In Utero.

Trabajar con él nos enseñó a mantenernos fieles a nuestro sonido y visión trabajando juntos como una unidad cohesiva, respetando las contribuciones de cada miembro siendo disciplinados, para lograr que las tomas capturadas fueran la mejor para cada canción. Esto, siempre conservando la ética de trabajo de “hazlo tú mismo” (DIY).

A pesar de ser percibido como alguien de opiniones muy controversiales y de carácter fuerte e incluso rudo, al final del día Steve era un ser humano noble, servicial, y accesible. El estudio es famoso por su “Fluffy Coffee”: una receta de café propia de Electrical Audio y la cual nos compartió en una ocasión que él mismo nos preparó las bebidas cuando el becario del estudio ya había salido.

Albini hacía bromas, era alguien naturalmente gracioso. Tenía una capacidad de escuchar la música y entenderla tan impresionante, que era capaz de llevar las sesiones en tiempo y forma, a la par de llevar discusiones en tiempo real en Twitter, desde su celular, y su laptop, sin parar por 10 horas al día, solamente disfrutando un vaso de Root Beer y otro de Fluffy Coffee, tomándose ambos al mismo tiempo.

Cada noche las sesiones terminaban a las 10 pm, la cual era la hora en el que él se retiraba para cocinar la cena con su esposa. Sin embargo, al dejar el estudio, todo el equipo queda a disposición de la banda, con acceso abierto y directo a los instrumentos, para poder practicar ideas, como si estuvieras en tu propio parque de diversiones.

Es raro pensar en el mundo sin Steve Albini. Siempre ha estado en nuestras vidas incluso desde antes de conocerlo, y probablemente es gracias al trabajo que logramos con él que seguimos aquí como banda, ya que ese álbum nos abrió las puertas a poder dar a conocer lo que hacemos en México y otros países, y a mantenernos motivados a hacer más música. Su sonido será imposible de replicar… a pesar de que él se tomaba todo el tiempo del mundo para mostrar sus técnicas y explicar cada paso que daba durante las sesiones de grabación, lo cual hacía con cada banda y músico con los que llegó a trabajar.

Él nos deja la enseñanza de que la música es una conexión, es revolución, es vida. Su eco resuena en el silencio, y su influencia perdura, inmortalizada en la música que ayudó a crear. Gracias Steve por ser el oído detrás de la consola y el pilar detrás de cada proyecto.

Estamos seguros que tu visión sigue iluminando el camino para los que vienen, y tu espíritu rebelde continúa desafiando al mundo. Descansa en paz, al más grande que lo ha hecho, y que tu memoria siga siendo la inspiración de los desadaptados y de todos aquellos que buscan desafiar lo convencional.

Blur ha anunciado un nuevo documental, Blur: To the End, que se estrenará en los cines del Reino Unido el 19 de julio de 2024.

Este nuevo documental está dirigido por Toby L, y se grabó durante su regreso sorpresa en 2023 con su noveno álbum The Ballad of Darren. Así que el documental nos mostrará esta última etapa juntos desde que se reunieron para ir de nuevo juntos s un estudio de grabación y sobre todo y en especial, su última gira juntos desde una parte muy intima.

Sinopsis: 

“Blur: To The End sigue la relación única de cuatro amigos y compañeros de banda durante tres décadas: Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree mientras se unen para grabar nuevas canciones antes de sus primeros shows con entradas agotadas en el Estadio Wembley de Londres en el 2023. “

“Con interpretaciones de sus canciones más icónicas y queridas, imágenes de la banda en el estudio y la vida en la carretera, esta película es un momento íntimo en el tiempo con la banda inglesa más duradera, que ha sido en el corazón de la vida e influencia cultural británica durante más de tres décadas.”

Blur anunció que volverían a hacer una pausa a finales de 2023, y sus shows más recordados fueron en el mítico estadio de Wembley, Inglaterra, esa gira también llegó a México y Latinoamérica y finalmente concluyó en Coachella en abril, en lo que según Damon Albarn fue probablemente su último concierto.

En este espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega: Radical Optimism de Dua Lipa.

Aludir a una corriente sonora tan asociada a una época específica de la historia siempre es un arma de doble filo: por un lado, porque puede cautivar desde la nostalgia; pero por otro, una mala ejecución puede ser síntoma inequívoco del desgaste de ideas.

Hasta el momento, Dua Lipa ha mostrado una fascinación particular por revisitar sonidos emblemáticos de décadas enteras desde la apuesta por refrescarlos con sus virtudes, las cuales -además- ha demostrado que no son las del fenotipo de Popstar convencional.

Desde su tono de voz grave hasta su manera tan particular de bailar, la británica va a contracorriente hasta que sus reglas se vuelven la ley de los charts.

En esa exploración cronológica del pasado, mientras su álbum debut re interpretó los beats del Jungle, el Afrohouse y el EDM, Future Nostalgia -su segunda placa- fue una bomba explícita de referencias al Pop sintéticos y estridente de los 80s. 

Ahora, Radical Optimism apunta a un extraño híbrido de referencias en las que ella evoca al Trip Hop de Massive Attack y la Psicodelia de los 70s, de la mano de su principal embajador contemporáneo: Kevin Parker.

Todo encumbrado bajo un discurso de nuevos inicios y el rompimiento de lazos tóxicos que se valen de la narrativa de hombres que no saben tratar a las mujeres para fortalecer su narrativa.

Con esos elementos en consideración, las expectativas fueron inevitables y por lo tanto, la desilusión mediática está siendo mayor.

Incluso cuando el disco no es precisamente una derrota sino más bien una obra inconsistente. 

No solo por sus promesas incumplidas (para empezar, que más que sonar a Massive Attack o a Mammas & The Papas, suena al ABBA barroco de Waterloo); sino por la disparidad en la fuerza de ejecución.

Por un lado, la cara A: que entre “End Of An Era” y “French Exit” entrega tracks muy sólidos y convincentes que fácilmente entrarían en las mejores canciones del año (lo cual no necesariamente significa que serán himnos de la radio); pero que, en su cara B, cae estrepitosamente dadas sus decisiones obvias que parecen condicionadas por la necesidad de crear hits para la pista.

Tristemente, al ser este segundo tramo lo último que escuchamos en su orden canónico, deja la idea de que estamos ante un paso en falso.

Y es que tal ha sido el afán de Dua Lipa y su flamante equipo de productores por no caer en lugares comunes dentro de las referencias que ellos mismos impusieron, que termina por ser, en la escucha integra, un disco falto de esencia reconocible. 

Regresando a esa batalla contracultural que ejerce Día Lipa desde su voz poco común en el Pop femenino, es cuando ella extralimita su rango que encontramos los momentos más osados y divertidos de Radical Optimism, sobre todo en el jugueteo con tonos medios y altos modulados por la tecnología.

Este paso en su carrera sí podría considerarse decepcionante dado el tiempo que se tomó para grabarlo y, sobre todo, por el momento en su carrera en el que lo lanza, siendo entre el tercer y cuarto disco en el que la mayoría de grandes estrellas Pop encuentran su punto máximo de madurez.

No se siente como un material que podría explotar como lo hizo con su placa previa.