Texto de Mauricio Guerrero Martínez

Fotografías de David Barajas

La primavera de conciertos y festivales en la Ciudad de México ha sido vertiginosa y emocionante y solo faltaba un acto como Hard-Techno en el Pepsi Center para ponerle una joya trepidante a la corona electrónica de las últimas semanas.

Existen sonidos que nos transportan geográficamente a lugares y épocas específicas, muchas ancladas a una cultura particular de una zona. En la zona de los países bajos y particularmente en Alemania, los sonidos industriales ya pululaban desde los años setenta con el synth, pero fue en los ochenta cuando el hard-techno llegó para instalarse como una institución culturas de avanzada en la región.

Cuarenta años después esa tradición parece haberse anclado en su imaginario colectivo y continúa evolucionando y adaptándose a diferentes ritmos, latitudes y generaciones. Tal es el caso de los alemanes Brutalismus 3000, que el pasado 24 de abril se presentaron en el Pepsi Center en la Ciudad de México por primera vez.

La noche recibió a una horda de jóvenes con ropa negra, picos, botas industriales, camisetas con transparencias, lentes oscuros y cadenas, como si fuera la fila del Berghain en Berlín. Tras haber sido calentados por actos nacionales como Ann García y Kassie, este dúo formado por Theo Zeitner y Victoria Vassiliki Daldas pisó tierra azteca con la misma bota de casquillo de nivel industrial con la que al parecer componen su música.

Formados durnte la pandemia, este dúo se conoció a través de Tinder, aprovechando el aislamiento para tener un proceso creativo poderoso y estudiado.
Sus influencias van desde el psytrance, hard-techno, EDM, dubstep y electroclash hasta el synthpunk, el rock clásico de los dos miles o el hyperpop actual. Una selección variopinta que combinados con una acitud desafiante, detonan la pista en dos segundos.

Es claro que estos berlineses tienen una intención muy clara durante su acto en vivo: provocar desmayos de tanto alboroto y el público mexicano, conocido por ser muy entregado, les dio precisamente eso. La noche avanzo con visuales presentados en una pantalla semi circular de gran formato que iban desde sus videos musicales hasta consignas de protesta contra la policía, una sensación similar a la que uno tiene escuchando a Crystal Castles, Crim3s, ÅMRTÜM, Icep3ak, REDCHINAWAVE y otros referentes de la música europea oscura.

Su set fue intenso, como el bloque de concreto con el que tu rostro chocaría si saltarás de un edificio brutalista en Londres o en el mismo Berlín, mientras huyes de unos pandilleros con los que tuviste la mala suerte de chocar en la pista de baile. Con canciones como ”No Sex With Cops”, ”3ISBÄR”, ”Satan Was A Babyboomer” o ”Romantika”, el Pepsi Center cimbró con todos los brincos y alaridos de los, las, lxs asistentes bien puestos que tenían en mente bajar al infierno con los músico berlineses.

Sin embargo, para los más nostálgicos, Brutalismus 3000 también ofreció un culto a sus propias referencias tocando versiones intervenidas de canciones clásicas como ‘‘Thank You” de Dido, ‘‘Born Slippy” de los muy clásicos Underworld, ”Heads Will Roll” de los Yeah Yeah Yeahs o un remix casi gótico de ”Xena” de Skrillex.

Tras dos estruendosas presentaciones en Coachella y su primera visita a nuestro país, Brutalismus 3000 deja claro que su intención es seguir picoteando el mundo con agudos sonidos que pentren hasta las paredes más gruesas, y, por si no quedó claro, su regreso a México suena inmiente, quizá en algún festival de alto vuelo que los reconozca como el dúo de hard-techno poderoso que han demostrado ser.

Texto de Alddo Fernández

Apenas un par de semanas después del lanzamiento de su nuevo álbum -Dream Talk- Still Corners visitará México, y en ese contexto nos sentamos a platicar con sus integrantes para explorar todo el proceso artístico detrás de este material y sus expectativas respecto al show en nuestro país.

En las horas silenciosas de la noche, cuando se difuminan los límites entre el sueño y la vigilia, surge un sonido etéreo similar al que Still Corners ha tejido en su último álbum, Dream Talk. “Empecé a tomar notas de los sueños que había tenido, como pequeños fragmentos de sueños”, confiesa Tessa Murray, cuya voz refleja la calidad espectral de su música. A través de una niebla de sonidos, la banda transporta a los oyentes a un reino donde lo efímero y lo eterno convergen, creando una experiencia sonora que se siente como deambular por un sueño lúcido. Con Dream Talk, Still Corners sigue trazando un camino a través de territorios auditivos inexplorados, guiados por sombras fugaces y susurros del subconsciente.

Paisajes oníricos y música, el origen etéreo de “Dream Talk”.

En Dream Talk, Still Corners invita al oyente a un mundo donde los límites entre la realidad y la imaginación se confunden, haciendo eco de la naturaleza esquiva de los sueños. La banda ha sido conocida durante mucho tiempo por sus paisajes sonoros etéreos, y esta vez, profundizan más en la riqueza temática de los sueños.

Las exploraciones de la banda con los sueños lúcidos, donde uno se da cuenta y puede ejercer control sobre los sueños, se asemeja a su proceso musical. “Intentamos expresar un sueño lúcido. Es difícil”, admite Hughes, reflexionando sobre la dificultad y el atractivo de dominar una experiencia tan profunda. Murray agrega: “Estuve leyendo mucho sobre ello porque, vaya, es realmente genial”.

Tessa Murray explica cómo los sueños se convirtieron en la semilla conceptual del álbum: “Los sueños en sí fueron un aspecto enorme en el origen del álbum”, dice. Comenzó guardando notas sobre sus sueños, capturando pequeños fragmentos que luego sirvieron como chispas creativas para sus canciones. Este enfoque es evidente en la exploración del álbum de la vibra de un sueño más que de su coherencia narrativa, una elección que realza la calidad atmosférica de la música.

Greg Hughes reflexiona sobre el misterio inherente de los sueños, preguntándose sobre su significado y existencia. “¿Qué son los sueños? Definitivamente me parecen misteriosos”, comenta Hughes, destacando la fascinación de la banda por lo desconocido y los aspectos intangibles de la experiencia humana. Esta curiosidad por las narrativas de la mente subconsciente inspiró la temática de Dream Talk.

Los paisajes sonoros cinematográficos que han influenciado a Still Corners.

Still Corners, conocidos por su música atmosférica y etérea, han encontrado una profunda inspiración en el mundo del cine, especialmente en compositores icónicos como Ennio Morricone, John Barry y Vangelis. Esta influencia está profundamente arraigada en su sonido, que posee las cualidades expansivas e inmersivas características de una banda sonora de película. “Nos encantan las películas… Principalmente escuchamos bandas sonoras de películas”, revela Hughes, subrayando el papel significativo que estas composiciones juegan en la definición de la identidad musical de la banda.

La influencia de películas específicas también es evidente en su trabajo, particularmente en Dream Talk. Murray menciona “Picnic at Hanging Rock” como una inspiración clave, una película reconocida por su atmósfera misteriosa e inquietante. Murray describe la película como “tan soñadora y, ya sabes, con mucha de esa vibra que hemos buscado crear”. El impacto de esta película en el álbum resalta cómo Still Corners se esfuerza por evocar una sensación similar de misterio e intriga, difuminando las líneas entre la realidad y lo etéreo.

Además de sus influencias cinematográficas, Still Corners también comparte sus gustos musicales, que incluyen un fuerte aprecio por el músico de jazz Chet Baker. Su álbum It Could Happen to You es recomendado por la banda por su sonido calmante y su ambiente tranquilo, que Greg Hughes describe como “música realmente encantadora para, ya sabes, si estás conduciendo en la ciudad de Nueva York y todo es muy caótico, estás en este coche, y simplemente te encuentras en este ambiente de tranquilidad”. Esta recomendación refleja el amor de la banda por la música que no solo enriquece la experiencia auditiva, sino que también crea un entorno pacífico e inmersivo, muy al estilo de sus propias composiciones.

El enfoque de Still Corners en Dream Talk: grabaciones rápidas mientras viajaban y detalles perfeccionados en el estudio.

El proceso fue marcadamente diferente de sus trabajos anteriores, en gran parte debido al uso de una estación de grabación móvil. Este equipo del tamaño de una maleta permitió a la banda capturar sus ideas musicales en movimiento, asegurando que la inspiración se grabara mientras aún estaba fresca y proporcionando una base flexible para un desarrollo más detallado en el estudio.

Greg Hughes describe esta estación de demo como una herramienta pequeña pero transformadora para su composición. “Esta vez, teníamos esta pequeña estación de grabación, del tamaño de una maleta, y pudimos llevarla con nosotros y escribir canciones”, explica Hughes. Esta movilidad les permitió escribir sobre la marcha, inyectando una vitalidad única y una diversidad en su trabajo.

Esta movilidad también habla de la evolución de la banda. Con seis álbumes a su haber, Hughes y Murray han pasado de un enfoque más instintivo y exploratorio a uno más estructurado y enfocado. “Se mueve mucho más rápido de ciertas maneras”, señala Hughes, indicando una nueva eficiencia en su proceso creativo. Este cambio es crucial para una banda que ahora se siente más en control de su producción artística en comparación con sus primeros días.

Detrás de escena en Dream Talk, Still Corners también empleó técnicas de producción específicas que marcaron una partida de sus métodos anteriores. Tessa Murray discute su enfoque experimental con el equipo: “Hicimos muchas pruebas con, por ejemplo, micrófonos y amplificadores, y usamos una consola de mezcla analógica para este disco, lo cual no habíamos hecho antes”. Estos experimentos no se limitaron solo al equipo de grabación; Hughes detalla una prueba meticulosa, en la que estuvo cambiando las cuerdas del bajo para grabar las tomas una y otra vez para encontrar  cuáles cuerdas estaban dando el sonido perfecto. Esto es muestra de su dedicación a crear la experiencia auditiva ideal.

Esta adaptabilidad y atención al detalle aseguraron que el álbum Dream Talk no sea solo una colección de canciones sobre sueños, sino una experiencia curada moldeada por nuevas experiencias y técnicas con las que han estado experimentando.

Los conciertos en Ciudad de México son las fechas que más les emocionan de su gira.

A medida que Still Corners se prepara para embarcarse en su gira en apoyo de Dream Talk, su entusiasmo es particularmente palpable cuando hablan de su regreso a Ciudad de México, un lugar que guarda recuerdos especiales para la banda. Murray y Hughes recuerdan vívidamente la energía y cálida recepción de sus fans durante su visita anterior en el festival Hipnosis. “Estamos realmente emocionados de volver a Ciudad de México”, comparte Tessa Murray, reflejando el entusiasmo de la banda por reconectar con la audiencia.

Reflexionando sobre su última visita, los miembros de la banda recuerdan con cariño su tiempo en el Castillo de Chapultepec, uno de los sitios históricos icónicos de Ciudad de México. El castillo proporcionó un telón de fondo de rica historia y arquitectura impresionante que resonó con ellos, reflejando su apreciación por la belleza cultural y arquitectónica. “Bueno, la comida obviamente fue increíble, y tuvimos algunas comidas realmente divertidas”, recuerda Tessa Murray, destacando otro aspecto de sus experiencias que dejó una impresión duradera.

Un sueño dentro de un sonido: únete a Still Corners y explora con ellos lo etéreo en el Foro Indierocks

Mientras Still Corners se prepara para dar vida a sus paisajes sonoros etéreos en el escenario, Dream Talk es como un testimonio de su evolución artística y profunda exploración temática. Desde adentrarse en los misterios de los sueños hasta inspirarse en bandas sonoras cinematográficas, Tessa Murray y Greg Hughes han creado un álbum que no solo resuena con su estilo atmosférico característico, sino que también empuja los límites de su expresión creativa.

Con dos conciertos en la ciudad esta vez, Murray y Hughes están ansiosos por explorar más de lo que Ciudad de México tiene para ofrecer. Únete a ellos el jueves 25 y viernes 26 de abril en el Foro Indierocks para una noche donde la música y los sueños se entrelazan, y déjate llevar por el mundo inquietantemente bello del álbum Dream Talk.

 En este espacio plantearemos una reflexión en torno al que consideramos el disco más relevante de la semana. En esta entrega: Dark Matter de Pearl Jam.

“Regresar a los básicos” es una expresión común en el panorama musical y generalmente se usa para hablar de una banda/artista que aparentemente perdió el rumbo sonoro y ahora elije apegarse a su esencia de origen para retomar el camino.

Pero entonces están estos proyectos que superan los 20, 30 años de historia y tienen que decidir si anclarse al sonido que los llevó hasta ahí o buscar una renovación total.

Están ejemplos como los Stones, que llevan prácticamente tres décadas tocando el mismo set en sus shows para centrar el foco de la experiencia en la espectacularidad de sus conciertos; y por otro lado estuvo Bowie, que hasta el último día de su vida buscó la innovación aunque eso significó perder adeptos y la atención mediática de las masas.

En medio está Pearl Jam, que en realidad nunca perdió la brújula -siempre han sido una banda consistente de guitarras y reflexiones sobre la vida cotidiana- pero que en los últimos años parecía buscar la accesibilidad a través de hacer su sonido más ligero y básico… Casi cliché.

Ahora estrenan DARK MATTER, su primer material en casi cuatro años que, si tuviéramos que sintetizar de alguna manera, suena como si los miembros de Pearl Jam -a sus actuales 50 y tantos años y los cuestionamientos que de eso emana- regresaran en el tiempo y decidieran re hacer Vitalogy o Ten.

Por lo que, de cierto modo, Dark Matter es ese gran disco de Pearl Jam que llega 30 años después… Pero no tarde.

Con un Eddie Vedder preguntándose si todos los mensajes que impulsó y propuso valieron la pena y tuvieron sentido, es importante remarcar que no es precisamente un álbum feliz ni optimista.

Al contrario: en muchos sentidos, la banda se siente rebasada por un tiempo que no perdona y ante el cual solo pueden defenderse a través de lo único que saben hacer bien: Grunge.

Y eso le da cuerpo a tracks que podrían ser familiares de las mejores obras de Pearl Jam. La virtud está en que no se siente como una obsesión con él pasado impulsado por la nostalgia, sino como la cúspide de un proceso de madurez que solo dan los años.

Seguramente Dark Matter no atraerá nuevos adeptos a la banda pero sí es un escalón necesario para los fans que han crecido con ellos y que también empiezan a cuestionarse si todo lo que han hecho ha valido la pena; pero sobre todo: ¿qué harán a partir de ahora?