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WARP Yearbook 2023: Los 15 mejores conciertos del año en México

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Como parte de nuestra recopilación de lo mejor del año, te presentamos el ranking con los que consideramos los mejores shows del 2023 en México según la propuesta, la ejecución, el recinto, la relevancia cultural y el impacto que tuvo en la industria del entretenimiento en vivo.

Este año se disiparon todas las dudas: México es ya una de las capitales mundiales de la industria del los conciertos y los festivales. Salvo Beyoncé y el Renaissance World Tour, prácticamente todas las giras más relevantes en activo pisaron en algún momento nuestro país.

Y si bien esto también merece una reflexión sobre la manera en la que se ”consume” más de lo que se ”aprecian” los conciertos -sobre todo tras la pandemia- nos parece relevante enlistar los que por diferentes motivos se convirtieron en los shows más memorables del 2023 en México.

Cabe aclarar, que en esta lista consideramos shows individuales de bandas y artistas, así como sets en festivales.

Aquí te presentamos los 15 mejores shows del 2023 en México según la propuesta, la ejecución, el recinto, la relevancia cultural y el impacto que tuvo en la industria del entretenimiento en vivo.

15. El Bogueto en el Flow Fest

Fotografía cortesía de El Bogueto

Escenario principal lleno (cerca de 50 mil personas), a las 3 PM, en el primer día de festival con energía desbordante durante casi una hora. Eso fue el set de El Bogueto en el Flow Fest 2023. Un momento que sintetizó el impulso y la fuerza con la que el Reggaeton de la Ciudad de México y el Estado de México se convierte en una de las movidas locales más importantes del país.

14. Shame en el Foro Indie Rocks!

Fotografía de Mon de León

No todo son shows masivos en venues gigantes; a veces también es importar recordar que la energía más pura de la música se encuentra en espacios íntimos, sin tanta parafernalia, donde lo único que importan son los sonidos y la búsqueda de catársis. Shame llegó al Foro Indie Rocks! para comérselo por completo en uno de esos sets que acaban en sudor, gargantas rotas y moretones por el moshpit. Una auténtica locura.

Lee la reseña completa del show aquí:

Shame paraliza al Foro Indie Rocks, en su primera presentación en México

13. Brittany Howard en el Corona Capital 2023

Fotografía de Jesús Quintero

El set de Britanny Howard brilló por su pulcritud y su finura en la ejecución. Inclinado a la tradición estadounidense del Folk, el Country, el Blues y el Rock n Roll, Brittany demostró que todavía puede ser suficiente el derroche de la voz y la guitarra eléctrica para dar un show de alta calidad. En meno de 50 minutos dio lo que entre los más clásicos considerarían una cátedra de presencia y talento.

12. Natanael Cano en el Festival Arre

Fotografía de Daniela Méndez

El espectro del Regional Mexicano ha tomado por asalto la industria global de la música, y en particular los Corridos Tumbados se encargaron de poner su bandera en todos y cada uno de los escenarios más importantes de nuestro país, e incluso más allá de nuestras fronteras. Incluso con Foro Sol sold out en la voz de Peso Pluma y Junior H, el más maduro fue Natanael Cano como headliner del Festival Arre, en el que llegó a su punto cumbre de esta nueva era en la que ha interactuado con otros géneros como la Banda Sinaloense y el Norteño gracias a un control absoluto de su voz, sin sacrificar el carisma que lo hace tener una conexión singular con su público.

Lee nuestra reseña completa del Festival Arre aquí.

11. Weyes Blood en el Auditorio BB

Fotografía de Daniela Méndez

Casi para cerrar el año, Natalie Mering finalmente cumplió la promesa de visitar nuestro país luego de dos de los mejores discos de los últimos cinco años. Y no solo ha sido sorprendente su capacidad para traducir con fidelidad esa melancolía sonora del estudio a la ejecución en vivo; sino también la habilidad de guiar a su público a través de una contrastante habilidad para hacer reir y hacernos parte de sus duelos personales como si estuviera solas con nosotros en una plática entre amigas.

10. Travis Scott en el Festival Ceremonia

Fotografía de Daniela Méndez

Durante la última década el Rap anglosajón parecía una bomba de tiempo a punto de explotar; pero que por una u otra razón nunca cumplía con el impacto esperado. Travis Scott llegó para revertir la situación y afianzarse como uno de los actos Hip Hop más pesados que han pasado por nuestro territorio. Su potencia como performer en conjugación con los elementos de distorsión que lo rodeaban fueron una gran introducción a vivir en serio esa propuesta onírica que lo convierten en uno de los nombres más relevantes de nuestra generación.

9. Rosalía en el Zócalo Capitalino

Fotografía de Majo Thielve

A pesar de que las iteraciones previas del Motomami Tour nos hacían conocer por completo la escaleta del show, verlo en una plaza pública con más de 200 mil personas lo llevó a otro nivel: por las vibras colectivas, el ímpetu que la misma Rosalía le puso para diferenciar su performance del resto de fechas y por el nivel de madurez en el que llegó el concierto, más que embalado y con toda la maquinaria aceitada.

8. The Flaming Lips en el House Of Vans

Fotografía de Vanessa Torres

Absoluta solemnidad, sentimientos encontrados y explosiones vibrantes. Con esos calificativos Wayne Coyne y compañía nos recordaron porqué Yoshimi Battles The Pink Robots es uno de los últimos grandes discos conceptuales y distópicos del siglo XXI. El show fue hermoso de principio a fin y por varios pasajes se sintió como terapia de grupo para abrazar nuestro corazón.

7. Kraftwerk en el Pepsi Center

Fotografía de David Barajas

Pasan los años y el legendario show de Kraftwerk no pierde vigencia. A pesar de que su esqueleto tiene más de 30 años de historia, sus integrantes han sabido revitalizarlo en función de los avances tecnológicos que aparecen. En esta versión, pudimos ser testigos de una experiencia alucinante e inmersiva que dinamitó nuestros sentidos.

Lee nuestra reseña completa del show de Kraftwerk aquí.

6. Natalia Lafourcade en el Auditorio Nacional

Fotografía de Daniela Méndez

Consolidada como la artista latinoamericana en mejor estado de forma de la actualidad, Natalia Lafourcade despliega todas sus virtudes conocidas y se acerca a aquella que quizá la faltaba mostrar: la escénica. En este tour, personifica a la muerte misma para contrastar los claroscuros de la vida y la ausencia en relación con el olvido; mientras que, a nivel sonoro, refina su percepción de la música tradicional mexicana y nos da muestra de todos los matices que existen en su interpretación.

5. Alex Andwandter en el Foro Indie Rocks!

Fotografía de David Barajas cortesía de Conciertos México

Alex Andwandter, más que un concierto, convirtió al Foro Indie Rocks! en un club nocturno en el que sin respiros ni contemplaciones, nos hizo participes del universo de El Diablo En El Cuerpo, su álbum más reciente en el que baile, amor y libertad se encuentran para confirmar que el gozo también tiene una denotación política.

4. Pulp en el Corona Capital

Fotografía de Jesús Quintero

Habemos algunos que tuvimos que esperar más de 11 años para ver a Jarvis Cocker y compañía sobre un escenario en México y valió la pena la espera, un Puño maduro, quizás no con la energía de otros años por ibvias razones pero compensandolo con mucho corazón y clásicos tras clásicos absolutos y tocando por primera vez canciones inéditas que ya son clásicos instantáneos. El Britpop es de lo mejor que la ha pasado a la música. Larga vida a Jarvis y compañía que probablemente estén viviendo su última hora cómo banda.

Lee nuestra reseña completa del Día 1 de Corona Capital aquí.

3. Paul McCartney en el Foro Sol

Fotografía cortesía de Paul McCartney

Bien dicen que un concierto de Paul McCartney es como ir a Disneylandia: toca las canciones que quieres, como las quieres y en el mejor momento posible. La gira Got Back no fue la excepción y aunque el británico presentó esencialmente el mismo show de los últimos 30 años, eso no hizo menos emocionantes los momentos cumbre de lo que muy probablemente haya sido su visita final a México.

2. The Smile en el Auditorio Nacional

Fotografía cortesía de The Smile

Cero nostalgia. Cero distractores. Cero elementos excesivos. Así llegó The Smile al Auditorio Nacional. Expuestos y en total intimidad, Tom Yorke, Johnny Greenwood y Tom Skinner nos llevaron a su estudio y se presentaron como si fuera un recital para diez personas. Su puesta en escena fue cruda y rústica, sin la necesidad de interacción con el público, solo la Música.

1.Taylor Swift en el Foro Sol

Fotografía cortesía de OCESA

Cuál otro iba a ocupar nuestra posición de honor sino la gira más importante y ambiciosa del 2023. Independientemente de géneros musicales y la afinidad personal que cada quien pueda tener con Taylor Swift, es innegable que una gira que aborda todas las eras artísticas de una música no se convierta en algo legendario. Y si a eso le sumamos un show medido con obsesión y expuesto con la más alta tecnología, nos queda el mejor concierto del 2023. Como dicen: Taylor Swift es hoy por hoy la industria misma.

Lee nuestra reseña completa de The Eras Tour en el Foro Sol aquí.

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Sonidos del Futuro: Fin del Mundo, un desolado caos de post rock

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Esta sección presentará artistas nuevos, de diversos géneros y de todas partes del mundo con el propósito de descubrir experiencias sonoras innovadoras que nos pongan cara a cara con el futuro de la música.

En los confines más lejanos de la Patagonia argentina, un cuarteto de chicas se juntó con la finalidad de hacer converger sus emociones en el caos, la melancolía y la desolación del fin del mundo, tomando su nombre de allí mismo.

Fin del Mundo es un proyecto conformado por Julieta Heredia, Julieta Limia, Lucía Masnatta y Yanina Silva formada en 2019 en Buenos Aires, aunque con raíces muy marcadas en la Patagonia, precisamente en las localidades de Tierra del Fuego y Chubut.

Todo va hacia el mar, y viene de él

La música de Fin del Mundo es lo que su nombre nos dice; nos transporta a aquellas regiones del mundo donde éste se “termina” de forma territorial, aunque bien podría tratarse una metáfora de la melancolía y desolación que esto significa. Y es justamente el post-rock el género ideal para esta premisa.

Bajo este género, las cuatro chicas crean espacios instrumentales llenos de sentimiento, y claro, un ordenado pero palpable caos. Las atmósferas son marcadas y firmes, creando experiencias sonoras que no necesariamente se tratan solo de guitarras y bajos, sino también de todo lo que resuene en la cabeza de cada escucha.

Justamente de eso va su disco debut, Todo Va Hacia el Mar (2023), lanzado de manera completamente independiente y que cuenta con ocho tracks donde esta idea de ver hacia el fin del mundo se maneja de manera caótica y nostálgica. Canciones perfectas para mirar al vacío y regocijarnos con él.

Un mar que traspasa fronteras

Si bien las chicas llevan poco en activo, han logrado consagrar su proyecto logrando una repercusión internacional. Tal es el caso de su sesión con KEXP, lanzada en octubre de 2022 donde tocan canciones de Todo Va Hacia el Mar (2023) como ‘El Incendio‘, ‘La Noche‘ y ‘Próximo Verano‘.

Durante todo 2024 presentarán su disco debut con presentaciones en vivo, comenzando por una gira por Brasil, además de algunas participaciones en festivales de Argentina, Estados Unidos y España, esperando su próxima parada en México.

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Decibel WARP Presenta: Trans Europe Express de Kraftwerk

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Discos de música electrónica: un culto al pasado, presente y futurismo de los decibeles y frecuencias que han transformado el género.

Bienvenidos a una nueva sección en donde analizaremos algunos de los discos más influyentes de la música electrónica, yendo desde grabaciones clásicas, contemporáneas, esenciales, algunos registros rebeles y también de culto y que se moldearon con influencias externas pero que terminaron llevando el género al siguiente nivel para dar paso a nuevos descubrimientos de los cuales también hablaremos. En la entrega del día de hoy: uno de los discos más grandes de la historia, el ‘Trans Europe Express’ de Kraftwerk.

Trans Europe Express fue publicado originalmente en mayo de 1997 y se grabó en el estudio discográfico de la banda, el ahora mítico y legendario:  Kling Klang, situado en la ciudad de Düsseldorf, Alemania, un entorno que definió en gran parte, el sonido de la banda y para muchos es considerado el santo grial de la música electrónica del siglo XX.

Un romance perfeccionista

Trans Europe Express es una mezcla extraordinaria de sonidos perfeccionistas, que manejan un romance entre la música clásica, la música de conservatorio, la música electrónica y un toque pop encantador refinado que ofrecían los sintetizadores poco explorados de finales de los 70.

El disco es una declaración futurista como muy pocos han logrado en la historia de la música, no solamente definiendo el sonido de las siguientes décadas, si no que, enterrando el pasado para siempre, sobre todo el de la Alemania post segunda Guerra Mundial.

Lo increíble de Kraftwerk siempre fue esa manera para entregar trabajos conceptuales que definen un tema, época o momento en específico de la historia de la humanidad o del interés per se de la banda por algo que les causaba asombro.  

Los instrumentos del futuro

Kraftwerk no sólo prescindió de la estructura del pasado, sino que también eliminó los instrumentos del pasado y presentó de manera internacional los instrumentos del futuro, enfocándose en interesantes nuevos sonidos originales  creados por ellos mismos tanto como sintetizadores y cajas de ritmo, con los aportes de una alineación que marcó época: Wolfgang Flür y Karl Bartos en las percusiones electrónicas, un Florian Schneider en su sintetizador operando el votrax y el vocoder, y el gran Ralf Hütter, hasta ahora único miembro original que forma parte de Kraftwerk en la actualidad, ocupándose también del sintetizador, secuenciador, vocoder, las letras y temática, voz  y siendo el productor total.

Expreso Trans-Europeo

“Europe Endless” abre el disco con un patrón de sintetizador que con el tiempo se convirtió en un clásico de la banda, una secuencia hipnotizante, bella y cálida, transformándose y evolucionando en el inconsciente del universo, que con el paso de los años fue replicada pero jamás igualada gracias a su marca, sello, estilo y viaje sonoro perfecto radial y a la vez infinito.

Mientras que “The Hall of Mirrors” es la contraparte total, una canción que despierta la parte oscura de Kraftwerk, como sacada de un poema de algunos de los libros distópicos más interesantes del siglo pasado, un tema en el que Kraftwerk siempre fue a fondo, y en parte como una carta que colocan sobre la mesa dejando claro que el mundo es, también, esa dualidad, dejando abiertas las puertas para que músicos o artistas mostraran sus repletos, como en este caso, Siouxie And The Banshees, quienes tiene un cover espectacular de esa canción y que es poco conocida y que bien vale la pena descubrir y destapar.

Después de la parte cálida y la parte siniestra llega la parte humorística y sarcástica de Kraftwerk, burlándose de ellos mismos quizás, con esa icónica frase de “We are standing here, exposing ourselves” de la fantástica “Showroom Dummies”, en donde se plantea la historia de los muñecos de boutique que cobran vida y se van de fiesta a bailar a una discoteca, algo que definitivamente no era del estilo de Kraftwerk pero que sucedía e finales de los 70s con la música disco en algunas de las ciudades más grandes del mundo.

El impacto de un sencillo trascendental 

Por supuesto que la parte más icónica del disco y la canción que mayor impacto tuvo para el desarrollo de la historia de la música electrónica fue la gloriosa “Trans Europe Express”, tan gigantesca y poderosa como su sonido propio, un himno a los enormes trenes en los que los jóvenes europeos exploraron su continente viajando en el imponente expreso transeuropeo.

El ritmo evoca el sonido de las ruedas sobre la pista principal, tan antiguo pero funcional como las primeras locomotoras de Richard Trevithick en el siglo XVIII y al mismo tiempo tan futurista como el próximo lanzamiento de Space X de Elon Musk en pleno 2024 o 2030. Así de grande es el legado que abarca y sigue abarcando Kraftwerk.

La letra es en parte un diario que relata el viaje de la banda a manera de contar su encuentro en Alemania con dos de sus artistas favoritos de la época, Iggy Pop y David Bowie y que realmente así sucedió, e incluso la leyenda sigue alimentando ese rumor en que alguna vez Bowie y Kraftwerk platicaron sobre hacer algo juntos o que al menos Bowie puso el tema sobre la mesa, pero que jamás sucedió ni llegó a concretarse a pesar de la admiración mutua.

Influencia cultural 

Y aunque eso no sucedió, “Trans Europe Express” despertó otro movimiento cultural fuera de Europa, pues en 1982 la legendaria Afrika Bambaataa And The The Soulsonic Force revolucionaron la música electrónica y dejaron las bases sentadas del electro y el hip hop con la canción “Planet Rock” que sampleaba los sintetizadores épicos de “Trans Europe Express”, volviéndola quizás, en la apropiación cultural más importante que la cultura afroamericana tomó de los hombres blancos europeos. Y así, posteriormente llegarían el house y el techno, teniendo siempre a Kraftwerk como una inspiración.

Escuela  Académica: de Schubert a Stockhausen

La fusión de “Trans Europe Express” con “Metal on Metal” es brillante, una sección más instrumental que incorpora esta parte de maquinaria perfecta pensada para la ejecución y el arte que tiene el disco para finalmente llegar a su fin con el tema “Franz Schubert”, un homenaje evidente al gran compositor austriaco y padre fundamental del romanticismo musical clásico en el que Kraftwerk siempre sentó sus bases junto con la parte experimental de otro grande maestro, Karlheinz Stockhausen. Su obra maestra termina con un loop en “Endless Endless”, 55 segundos en donde sientes que flotas y que el viaje ha sido reconfortante, que llegaste bien a tu destino.

El legado y la Revolución Electrónica en la cultura Pop

Al día de hoy el legado de Kraftwerk en general está a la altura de los más influyentes y los más grandes y en la misma línea que The Beatles en cuanto a impactar y transformar por completo la cultura pop, lo que The Beatles hizo por el rock, Kraftwerk por la electrónica.

Siempre estuvieron destinados a la grandeza entregando trabajos sofisticados, y dejando siendo pioneros en lo que hoy conocemos como música electrónica, porque su influencia siempre estará ahí, atravesando la new wave, el post punk, el synth pop, el electro, el hip hop, el house, el techno, la IDM y claro, la EDM, un género que genera millones y millones de dólares al año, siendo el género más explotado y el más demandante gracias a festivales como el Tomorrowland, y aunque esa música este a años luz de la sofisticación kraftweriana, los alemanes siguen siendo padrinos involuntarios por donde sea que se le vea.

Sin Kraftwerk todos esos géneros no hubieran sido lo mismo y el trabajo de artistas como Juan Atkins, New Order, Kevin Saunderson, Depeche Mode, OMD, Daniel Miller, Aphex Twin, Derrick May, Daft Punk, The Human League, Pet Shop Boys, LFO, AIR, Orbital, DJ Hell, The Chemical Brothers y sellos como Metroplex, KMS, International DeeJay Gigolo o M-Plant entre muchos otros, probablemente no hubieran tenido un motor de arranque para ellos a su manera también, sumar nuevos sonidos a la cultura de la música electrónica.

Honor a quien honor merece, larga vida al Trans Europe Express de Kraftwerk que permanece en el olimpo musical como una placa inalcanzable.

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Cine y Series

Oscar 2024: Perfect Days y la belleza de lo cotidiano

Perfect Days es la primera película de ficción de Wim Weders en obtener una nominación en los Premios de la Academia.

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Wim Wenders es una leyenda viviente, un cineasta que surgió en la ola del nuevo cine alemán en los años setenta. Y desde entonces a pesar de haber trabajado tanto en Europa como en América, ha logrado mantenerse alejado de la influencia de los grandes estudios. Manteniendo un estilo visual y filosófico. Realizando obras maestras del cine como Der Himmel über Berlin (Las alas del deseo, 1987), Paris, Texas (1984) y In Weiter Ferne, So Nah! (¡Tan lejos, tan cerca!, 1993). 

Las películas de Wenders se han mantenido alejadas de los reflectores de Hollywood, pero en las últimas dos décadas sus documentales Buena Vista Social Club (1999), Pina (2011) y The Salt of the Earth (2014) han recibido el reconocimiento de la Academia. Al recibir la nominación a mejor documental, convirtiéndolas de alguna forma en sus obras más comerciales. 

Es satisfactorio y nos llama la atención que por fin una de sus obras de ficción es reconocida por el Oscar. Convirtiendo a Perfect Days en la primera película no documental del realizador nominada al Óscar. En este caso en la categoría de mejor película internacional, representando a Japón. 

¿De qué trata? 

El filme sigue a Hirayama (Koki Yakusho) un hombre que viaja por la ciudad de Tokio en su auto compacto limpiando baños. El protagonista sigue una férrea rutina que lo lleva por las calles de la ciudad.  

En sus tiempos libres disfruta de la fotografía, la jardinería, un par de restaurantes de los que es cliente y los paseos en bicicleta. Además de tener una amplia colección de libros de segunda mano y cassettes de música. Que incluyen a artistas como The Animals, The Velvet Underground, Patti Smith, Lou Reed y Van Morrison. Pero en general suele llevar una vida solitaria y silenciosa. 

Su rutina de vez en cuando se verá interrumpida por algunos personajes como su indisciplinado compañero de trabajo Takashi (Tokio Emoto) y su sobrina adolescente Niko (Arisa Nakano).

Tradicionalmente América y Europa han sido los lugares en los que Wenders ha explorado sus inquietudes filosóficas, culturales y musicales. Con un estilo Intimista y contemplativo. 

Ahora en Asía, Wenders traslada este estilo de manera perfecta con una película que por momentos parece muda. Hirayama es un hombre reservado y callado. Su compañero de trabajo Takashi en tono de broma en algún momento dirá “he trabajado con él durante años y no conozco su voz”. 

La vida cuasi ermitaña del protagonista es una elección, para extrañeza de sus conocidos. Pero no resulta triste o vacía.

Belleza y reflexión

Después de una serie de cortos documentales que el realizador tenia que realizar sobre los baños públicos de Tokio, Wim Wenders se sintió inspirado para realizar este largometraje. Realizando una des sus mejores filmes de los últimos tiempos. Convirtiendo estás facilidades en un pretexto para mostrar con sencillez la ciudad y hacer una reflexión sobre la soledad, desde un punto de vista optimista. Con momentos conmovedores, comedia incidental y nostalgia.

El actor Koki Yakusho con una gran actuación lleva la historia en la que a veces pareciera que no pasa nada. Pero el cineasta nos muestra aspectos muy interesantes de la vida en Tokio y la naturaleza humana. Como trabajador de la ciudad Hirayama es tratado de diferentes formas por la gente y a veces pareciera que es invisible. Pero sus roses con la gente están llenas de respeto y empatía.

La americanización de Europa durante mucho tiempo fue uno de los temas del cineasta y aquí la vemos llevada a otro rincón del mundo. Aunque Hirayama se resiste en muchos aspectos a la vida moderna, no es indiferente a la cultura norteamericana. Gracias a su colección de cassettes. Escuchando The House of the Rising Sun, Pale Blue Eyes, Redondo Beach y Perfect Days mientras viaja en su auto. 

Otro detalle interesante es la arquitectura y el diseño de los baños públicos en la ciudad. Que contrastan con su tecnología y diseño con los baños públicos tradicionales a los que acude Hirayama en su tiempo libre.

Perfect Days es una muestra más del estilo y maestría de Wim Wenders, que no encuentra cabida para todo el público. Pero es una gran obra llena de belleza, dignidad y reflexión.

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